122 картины, художники, суть кратко, работы Пикассо, черты, особенности
Кубизм – это модернистское направление живописи, изображающее композицию в виде примитивных геометрических фигур. Впервые революционные образы авангардного жанра появились в период популярности фовизма во Франции XX века.
Основоположниками уникального стиля являются испанские художники П. Пикассо и Х. Грис. Молодые живописцы «буквально» поняли совет английского искусствоведа Э. Гомбриха на примерах работ французского постимпрессиониста П. Сезанна. Историк рекомендовал «рассматривать композицию как базовую модель геометрической структурности».
В 1907-1908 годах миру были представлены картины «Авиньонские девицы» (П.Пикассо) и «Дома в Эстаке» (Х.Грис), Композиции выполнены путем комбинации геометрических фигур, структурно образующих объемное изображение. Полотна вызвали художественный диссонанс. Идеи кубизма, как нового направления, тут же были подхвачены известными интрансигентами и поклонниками авангардизма.
- Описание стиля
- Черты кубизма
- Как понять кубизм
- История возникновения
- Фазы
- Кубизм в России
- 10 известных художников-кубизмов
- 10 известных картин в стиле кубизма
- Кубизм в других видах искусства
Описание стиля
Художественный стиль кубизм стал необычной моделью искусственного авангарда, где фундаментальное значение принадлежит острым углам, прямым линиям и нейтральным оттенкам. Основной тезис – рисунок не должен быть реалистичным. Изображение больше напоминает пазл, который мысленно собирает зритель.
Образная концепция этого направления выстроена на попытках разложить предмет на пространственную форму или модель, выражая тем самым многогранность его представления.
Полотна этого стиля легко распознать по плоскому и двухмерному изображению, с использованием цветового нейтрала и прямолинейного ракурса. Кубические полотна отличаются переизбытком геометрически правильных пропорций, углов и линий на фоне индифферентного колорита.
Отказ от объема реальных изображений в искусстве положил начало уникальному стилю особого авангарда, полностью отрицавшего перспективу и светотени. Кубизм в живописи намеренно деформировал, иррационально разбивал и моделировал наборы геометрических фигур абсолютно нелогичных между собой. Лишенное реализма направление оказалось противоречивым для индивидуального развития стиля кубизма в искусстве.
Черты кубизма
Для кубизма характерны черты прямых геометрических форм, завуалированных в узких сюжетах (портреты, натюрморт, постройки), осознанно деформированных угловатыми, грубыми штрихами, и лишенных реалистичности. Это направление живописи, где формальные части изображения важнее, чем цветовая гамма.
Картины в стиле кубизма ассиметричны и неправдоподобны, где объекты выглядят как комплекс плоских геометрических форм.
В рисунках не учтены перспективные аспекты и приглушена колоритная гамма.
Например, портрет содержит одновременное изображение лицевой части в профиле и фасе. Или, как вариант идейного самовыражения, привлечение техники коллажа – добавление к основе разнородных элементов (наклеивание предметов, газетных вырезок, разнофактурной ткани) для создания особой формы произведений «синтетического» кубизма.
Игра с реальностью посредством вклеивания посторонних вещей существовала еще со времен барокко. В классике коллаж считался высшим мастерством художника, анонсируя зрителю выбор – найти отличия между оригиналом и копией. В кубизме фокус уравнивал эти понятия как две одинаковые реальности. Коллажные эксперименты проводились в период 1910-1912 года и отнесены к становлению и развитию аналитической формы радикального направления живописи.
Как понять кубизм
Источником возникновения революционного стиля считается парадоксальные работы французского постимпрессиониста Поля Сезанна.
Художник использовал многомерную стилистику передачи видения объекта.
Из его творчества последователи кубизма взяли искажающий эффект ракурса, одновременную демонстрацию изображения в разных аспектах, колоритную сдержанность цветовой гаммы и объем с устойчивой и весомой конфигурацией. Тезис кубистов «смотрим геометрическим путем» нашел свое оправдание в основах техники рисования.
Несмотря на критику, новаторы кубизма дробят объект на грани, переворачивают или выворачивают его на плоскости, с благородной целью – дать зрителю ощущение объемности со всевозможных позиций рисунка.
Основная концепция кубизма состоит из смыслового понятия времени. Чтобы рассмотреть изображение, зритель вынужден мысленно поворачивать, переворачивать объект, заглядывать внутрь и обходить его вокруг.
По сути, кубизм изображал то, что знал автор, а не то, что он видел. Один из основоположников кардинального стиля оптического преломления П.Пикассо характеризовал свои работы так – «я пишу подобно натуре, но не саму натуру».
Понять направление искусства без изучения картин его последователей практически невозможно. По мнению основоположников стиля Брака и Пикассо, «объективность изображения достоверно и максимально только при демонстрации его смешанных ракурсов».
Да, кубизм – это некрасивая форма визуализации рисунка, но она полна сложной символики и идейного совершенства как отдельная вид фрагментации западной культуры.
История возникновения
Официальное появление художественного направления «кубизм» датируется 1905-1907 годами. История жанра начинается с двух эксцентричных попыток изменить традиционную художественную концепцию предметной имитации. В 1907 годах культурному миру представлена картина П. Пикассо «Авиньонские девицы», с взглядом Сезанна на африканский мотив. Пока друг находился в эйфории иберийской культуры, французский художник Ж. Брак резко переходит на лаконизм и предметную геометризацию, анонсировав обществу свое понимание идей Сезанна – картину «Дома в Эстаке».
Если работа испанца откровенно демонстрировала принципиальный авангардизм в виде формального анализа, то француз понял идею темпераментного постимпрессиониста как множество перспективных мнений.
Первая реакция общественности на революционное искусство была предсказуемой. В 1908 году картина Ж. Брака подверглась жесткой критике влиятельного Луи Воселя, который назвал произведение «кубическим причудом». В то же время известный фовинист, француз Анри Матисс охарактеризовал полотно Брака «кубиками».
Несмотря на негативную оценку воспринимаемых образов, до 1911 года революционный стиль кубической живописи остается лишь экспериментальным маршрутом уникального тандема творческой энергии двух ярких поклонников творчества Сезанна – Брака и Пикассо.
Фазы
Современные искусствоведы определяют три основные фазы развития кубизма, где переход к каждому последующему этапу живописи еще сильнее вытесняет реалистичность из техники написания картин, восполняя пробелы геометрией.
- Сезанновский кубизм (1907-1909 гг.). Начальный этап возникновения и развития своеобразного жанра, основанного на переплетении экспериментальных форм живописи от Поля Сезанна с иберийской тематикой.
Последователи стиля отдаляются от истинного изображения предмета, визуально разлаживая его на отдельные геометрические части. Объективная декомпозиция приводит к колоритной закономерности – передние составляющие части картины окрашиваются теплыми тонами, задний план в холодных оттенках. - Аналитический кубизм (1909-1912гг.). Время, когда кубисты начинают экспериментировать с объемной формой и перспективной зоной рисунка. Направление характеризуется появлением полупрозрачных плоскостей с переливчатыми оттенками, а также хаотичным расположением геометрических форм.
- Первые элементы эстетики синтетического кубизма (1913-1914 гг.) заметны в работах испанского художника Хуана Гриса. По мнению американского литературного теоретика Гертруды Стайл, акварелиста можно считать одним из основателей дерзкого стиля геометризации объемов, поскольку «Пикассо был учителем, а Грис дополнил абстракцию выразительной фантазией». В этом направлении для полноты конструкций рисунка кубисты используют поверхностную фактуру, рельефный орнамент или аппликации.
Последователи стиля отдаляются от истинного изображения предмета, визуально разлаживая его на отдельные геометрические части. Объективная декомпозиция приводит к колоритной закономерности – передние составляющие части картины окрашиваются теплыми тонами, задний план в холодных оттенках.
Таким образом, последователи первой стадии развития кубизма (сезанновского направления) выделили геометрические элементы, составляющие предмет, и разграничили его от пространства. Аналитические кубисты провели экспериментальное дробление объекта на геометрические срезы, тем самым показав предмет под разным углом зрения.
Для передачи визуального соприкосновения формы и пространства в своих композициях художники использовали технику коллажа. Характерные черты жанра синтетического кубизма – бессистемные репликации или другие видоизменения предмета. Последователи «синтетики» активно пользовались геометрическим конструированием с целью создания новой формы, обладающей самостоятельной иррациональной реальностью.
Кубизм в России
На удивление, французский авангардный кубизм быстро стал популярен в других странах. В России появление революционной техники кардинального искажения реальности связано с его первооткрывателем С.И. Щукиным, московским коллекционером и меценатом экспериментов Пикассо.
Русский кубизм стал переходной школой авангарда для большинства местных художников, оставив их на сезанновском этапе с незначительным самобытным его обогащением.
Примеры влияния стиля на русское искусство можно увидеть по работам объединения «Бубновый валет»:
- живописца П.П. Кончаловского – поклонник русской народной интерпретации цветовой конструкции П. Сезанна, известный по натюрмортам в стиле, близком фовизму и аналитическому кубизму;
- пейзажиста А.В. Куприн, который с 1910 года принял членство «Бубнового валета» и 14 лет писал натюрморты в стиле кубизма;
- художника И.И. Машкова, в 1911-1916 годы автор многих композиций с элементами сезаннизма и аналитического кубизма, представленных официальными выставками сообщества;
- еврейского живописца Р.Р. Фалька, основателя «Бубнового валета» и поклонника синтетического кубизма в период с 1910 до 1916 года.
д.) быстро ориентировали элементы кубизма на тождественный ему по идейным соображениям, нейтральный футуризм. Интерференция дерзкого «француза» на формалистское направление искусства стала русским противовесом иностранной культуре, как передовое и свободное от запада авангардное движение.10 известных художников-кубизмов
Новшество в восприятии, особая передача действительности, возможность реализации своей точки зрения и индивидуальная эмоциональность привлекли к кардинальному движению аудиторию знаменитых художников – иррационалистов.
Пабло Пикассо
Основатель кубизма – революционного направления эпохи Возрождения. Его стиль отвергал натурализм, практикуясь на сознательной деформации и деструкции объекта. В период «синтетики» автор стремится к колоритной гармонии, временами рисуя композиции уравновешенными овалами. Существенное кубическое влияние на творчество испанца закончилось в 1915 году.
Хуан Грис
Яркий поклонник модерна, в 1908 году был восхищен новым стилем кубического восприятия натуры.
Вместе с П. Пикассо акварелист работал над созданием авторских моделей новаторского жанра. С 1913 года впервые на картинах в стиле кубизма использовал технику коллажа.
Жорж Брак
Основатель кубизма. Вместе с П. Пикассо стоял у истоков новаторского искусства объективной геометризации. В работах французского живописца акцентируется внимание на зрительной иллюзии и художественном представлении.
Фернан Леже
Под влиянием кубизма с 1909 года его работы становятся более абстрактными, с 1910 по 1914 года французский декоратор успешно экспонируется в выставках Брака и Пикассо.
Марсель Дюшан
В 1910-1920 годах стал пропагандировать радикальный авангардизм, близкий сюрреализму («Спускающаяся по лестнице обнаженная» 1912 года, «Двуликая невеста, раздетая холостяками» 1915-1923гг.). Сторонясь роли художника, он постоянно шокировал аудиторию реди-мейдом – провокационными объектами «готовых вещей», сопровождающиеся абсурдными комментариями автора.
Сальвадор Дали
В живописи испанец черпал вдохновение из творчества Пикассо. Сюрреалистические работы метра с элементами аналитического кубизма постепенно уступали место формированию более реалистичного собственного стиля. Полотна эпатажного Дали воплощали экстравагантную личность, обладающую сумасбродным индивидуальным сознанием.
Поль Сезанн
Великий французский постимпрессионист, сам того не осознавая, стал источником возникновения революционного стиля авангардизма. Он первый из художников использовал геометрическую пропорцию объекта в картине «Пьеро и Арлекин» 1888-1890 гг. Техника вдохновила других новаторов-живописцев, что привело к возникновению кубизма.
Пит Мондриан
Как истинный поклонник «денатурализационного» искусства, нидерландский художник пропагандировал отказ от естественной формы и переход к абстракции. С 1913 года картины Мондриана являлись композициями горизонтальных и вертикальных линий, в единении которых подразумевалось равновесие гармонии мироздания.
Предельная ограниченность визуализации в творчестве кубиста впечатлила современников, что повлияло на графическую живопись будущего.
Казимир Малевич
Картины русского авангардиста демонстрировали поглощение западного влияния, сочетая в себе стиль аналитического кубизма и футуризма. Направление творчества Малевича отличалось от классической живописи Пикассо и Брака геометрической округлостью и правдоподобной визуализацией изображений.
Ромеро Бритто
Бразильский живописец в своих работах экспериментировал с элементами кубизма, граффити и поп-арта. Работы художника представляли собой яркие композиции геометрических узоров и округлостей в ярком колорите. Свое творчество Бритто называл «визуальным языком счастья, передающее оптимизм художника в окружающий мир».
Негативные особенности французского стиля оказали фундаментальное влияние на культурное наследие человечества. Сливаясь с другими направлениями, кубизм стал основоположником зарождения необычных и смелых художественных жанров.
Французская форма кардинального течения кубизма завершила свой период развития после первой мировой войны. Остатки авангардного стиля живописи еще прослеживаются в творчестве американских художников 30-х годов – М. Руселя, Дж. Марина, Л. Фенингейля.
10 известных картин в стиле кубизма
«Авиньонские девицы» П. Пикассо
Авиньонские девицы
Пабло Пикассо
Принципиальная работа в стиле раннего авангардизма. Используя простые геометрические формы, художник передает суть, демонстрируя взаимосвязь между фигурами без детализации внешнего облика.
«Три музыканта в масках» П. Пикассо
ru/kubizm/&media=https://art-dot.ru/wp-content/uploads/2021/02/pablo-pikasso-tri-muzykanta-v-maskah-1024×906.jpg&description=Как понять картины в стиле кубизм: особенности, история и художники» data-width=»600″ data-height=»400″/>Три музыканта в масках
Пабло Пикассо
Портрет в стиле синтетического кубизма. Композиция создана яркими тонами и четкими геометрическими пропорциями. Персонажи больше похожи на элементы бумажные аппликации.
«Дома в Эстаке» Ж. Брак
Дома в Эстаке
Жорж Брак
Элементарное кубическое упрощение зданий, подчиненное строгим геометрическим схемам. Картина написана с использованием конструктивной цветовой гаммы, визуальная объемность достигается благодаря колоритной игре оттенков.
«Фантомас» Х. Грис
Фантомас
Х. Грис
В картине использована техника создания коллажей из газетных вырезок. Полотно нарисовано в стиле синтетического кубизма. Именно Грис первым начал использовать фактурную яркость в работах этого направления.
«Спускающаяся по лестнице обнаженная девушка» М. Дюшан
Спускающаяся по лестнице обнаженная девушка
М.
Дюшан
Современники характеризуют рисунок, как пример общепризнанной классики модернизма. Композиция сочетает фрагменты футуризма и кубизма в последовательном наложении орнамента, подобно стробоскопическому эффекту.
«Натюрморт (чернильная склянка и скрипка)» Х. Грис
Натюрморт (чернильная склянка и скрипка)
Х. Грис
Картина создана личным синтетическим методом – альтернативой фигуративному принципу кубизма. Авторский отзыв о работе – «Я буду конкретизировать то, что сначала было абстрактным. Начинаю от общего понятия, чтобы придти к реальному предмету».
«Скрипка и подсвечник» Ж. Брак
ru/kubizm/&media=https://art-dot.ru/wp-content/uploads/2021/02/zh.-brak-skripka-i-podsvechnik-824×1024.jpg&description=Как понять картины в стиле кубизм: особенности, история и художники» data-width=»600″ data-height=»400″/>Скрипка и подсвечник
Ж. Брак
Рисунок выполнен в стиле аналитического кубизма с использованием приглушенных тонов.
«Матрос с баржи» Ф. Леже
Матрос с баржи
Ф. Леже
Картина вызывает неоднозначное впечатление сумбурной абстракцией, где нет внешней детализации, но видна геометрическая взаимосвязь составляющих фигур.
«Дама в голубом» Ф. Леже
ru/wp-content/uploads/2021/02/f.-lezhe-dama-v-golubom.jpg&description=Как понять картины в стиле кубизм: особенности, история и художники» data-width=»600″ data-height=»400″/>Дама в голубом
Ф. Леже
Живопись относится к направлению раннего абстракционизма с переплетением элементов синтетического кубизма. Художник обращает внимание на яркий внутренний мир женщины, изображая рисунок в броских оттенках без внешней детализации.
«Мандора» Ж. Брак
Мандора
Ж. Брак
Картина является примером раннего аналитического кубизма. Натюрморт написан в мрачных оттенках. Здесь видно, что художник намеренно отказывается от колоритности, акцентируя внимание на деталях композиции.
Кубизм в других видах искусства
В искусстве кубизм стал претензионным стилем, сосредоточенным на идеях.
Его стремительная атака иссякшего импрессионизма и вчерашнего фовизма эпохи Возрождения интерпретировалось как призыв к переменам в других областях искусства.
Кубистская культура не смогла стать единой частью мейнстрима. Однако идейная адаптация стиля пришлась по душе абстрактной скульптуре, архитектуре и прикладному искусству. Например, методика коллажа освободила художественное воображение. Внедрение новых материалов позволило усовершенствовать построение скульптур и разработать технику стороннего моделирования объекта.
Архитектурные геометрические качества кубизма можно найти в работах скульпторов-авангардистов – французов О. Цадкина, А. Лоренса, литовца Ж. Липшица, венгра Ж. Чаки и чеха Э. Филлы.
В эпоху Ренессанса изобразительное искусство стремилось к достижению максимальной реалистичности картинок. Дерзкий стиль кубизма полностью оторвал натуральную действительность и колоритную гармонию. Создание «плоского» портрета, пейзажа или натюрморта, пренебрегая объемами – главная особенность творчества новаторов-кубистов.
Абстрактная передача изображений путем построения геометрических фигур являлись вполне осязаемой, простой и незамысловатой моделью передачи авторской информации. Эти конфигурации скорее отображали эмоциональные аспекты, чем истинную реальность.
Подвергаясь рациональному осуждению, кубизм стал начальной школой авангардизма, уроки которой усвоили и по-своему трактовали великие мастера будущего поколения. Совершенно неожиданно новый и смелый творческий эксперимент прошлого нашел много поклонников среди меценатов и критиков будущего.
ТОП 35 самых дорогих картин мира
“Как можно отдать столько денег за одну картину?” — спросите вы, глядя на самые дорогие картины мира и баснословные ценники. Миллионеры и миллиардеры отдают полцарства за шедевры живописи, а нам остается лишь удивляться их прихотям.
Самые дорогие картины всех времен, ушедшие с молотка на аукционах
В этом рейтинге оказались картины, за которые не пожалели отдать десятки и сотни миллионов долларов.
Леонардо да Винчи, “Спаситель мира” — $450,3 млн
Долгие годы картина считалась утраченной, а когда наконец нашлась — её подлинность не признавали годами. В 2017 году аукционный дом “Кристис” всё-таки назвал “Спасителя мира” последним произведением да Винчи, которое отдается в частные руки. Принц Саудовской Аравии приобрел шедевр за $450 млн, тем самым сделав его самым дорогим полотном на планете. Увы, вскоре разразился страшный скандал. Эксперты так и не смогли подтвердить подлинность картины, так как анализ сильно затрудняли многочисленные реставрации. В 2018-2019 годах полотно не показывали общественности и даже ходили слухи, что его выкрали из музея в Саудовской Аравии.
Виллем де Кунинг, “Обмен” — $300 млн
Картина нидерландского художника была продана на торгах в 2015 году американскому миллиардеру Кеннету К. Гриффину. Необычный шедевр, по словам автора, отражает уродливую реальность послевоенного времени.
Поль Сезанн, “Игроки в карты” — $250 млн
Полотно выполнено в классическом стиле, поэтому её сюжет не вызывает недоумения. Французский художник Сезан создал серию из 5 картин, на которой мужчины играют в покер. Четыре из них находятся в музеях Америки и Европы, а пятая до 2011 года принадлежала греческому миллиардеру. Незадолго до смерти коллекционер решил продать произведение. В результате полотно досталось королевской семье из богатой арабской страны Катар.
Поль Гоген, “Когда ты выйдешь замуж?” — $210 млн
Поль Гоген работал биржевым брокером в Париже. Устав от серости и бездуховности города, он решился на отважный шаг и отправился на Таити.
Яркие краски полотна привлекли Рудольфа Штехлина, который купил её в 2015 году на частных торгах. Мировой общественности сообщили, что счастливчик приобрел шедевр за 300 млн. Однако вскоре выяснилось, что итоговая цена оказалась на 90 млн меньше, опустив тем самым картину на четвертое место в рейтинге.
Джексон Поллок, “Номер 17А” — $200 млн
Густав Климт, “Водяные змеи II” — $187 млн
Увы, точная цена этого произведения неизвестна, так как она была продана на закрытых торгах.
Но разные источники утверждают, что сумма эта составила именно $187 млн. На полотне изображены прекрасные девушки, чьи изящные фигуры наталкивают на мысль о грации змей. Картина Климта не лишена эротики, но сам живописец говорил, что всё эротическое — это искусство.
Марк Ротко, “Фиолетовое, зеленое и красное” — $186 млн
Яркий представитель экспрессионизма родом из Латвии Ротко обожал игру цвета. Что хотел сказать художник, создавая эту картину? Мы вас разочаруем, но автор ничего не хотел донести смотрящему. Его задача, как и любого экспрессиониста, вызвать определенные эмоции с помощью необычного сочетания цветов.
Пабло Пикассо, “Алжирские женщины” — $179,365 млн
В этом рейтинге Пикассо будет встречаться неоднократно, ведь легендарный абстракционист обожаем ценителями искусства. Самая дорогая картина автора представляет собой лишь часть серии полотен с алжирскими женщинами.
Художник создавал их больше года, пытаясь превзойти успехи своих современников — соперников по цеху. В 1997 году картину купили за $32 млн, а к 2015 году её стоимость поднялась до $180 млн. Вице-премьер государства Катар без раздумий отдал такую сумму аукциону “Кристис”.
Амедео Модильяни, “Лежащая обнаженная” — $170,4 млн
Модильяни — яркий пример непризнанного гения. Он умер молодым в нищете и бесславии, и только после смерти его труды оценили по достоинству. На этой картине, как и на многих других, изображена муза и супруга живописца. В 2015 году полотно приобрел анонимный покупатель, не пожалев баснословной суммы.
Рой Лихтенштейн, “Шедевр” — $165 млн
Самая дорогая картина в мире, выполненная в стиле поп-арт. Большая часть средств вырученных с аукциона «Шедевра» Лихтенштейна направлена в фонд поддержки реформы уголовного правосудия. Представитель фонда заявил, что искусство имеет значимость на стене, но еще большую — после монетизации.
Рембрандт ван Рейн, “Портреты Мартена Сольманса и Опьен Коппит” — $160 млн
Рембрандт — один из величайших художников всех времен. Не так давно два портрета руки мастера была продана семьей Ротшильдов. Лувр купил её совместно с художественным музеем Рейксмузеум (Амстердам).
Амедео Модильяни, “Лежащая обнаженная” — $157,159 млн
Произведения итальянского мастера в жанре ню весьма самобытны. Живописец одним из первых акцентирует внимание на эмоциональной правдоподобности обнаженной натуры. В его работах нет искусственных шаблонов — только естественность.
Пабло Пикассо, “Сон” — $150 млн
Героиня полотна — одна из многочисленных любовниц Пикассо. Произведение отличается тем, что было написано всего за один день. При этом картину называют шедевром сюрреалистического жанра. Сегодня полотном владеет известный коллекционер Стивен Коэн.
Фрэнсис Бэкон, “Три эскиза с Лусиеном Фрейдом” — $142,4 млн
Колоссальная стоимость этих произведений определена двумя факторами. Во-первых, это ранняя работа художника, созданная во время учебы в колледже. Она ярко отражает уникальную манеру автора, при которой детализированный образ человека заключается в геометрически правильные фигуры. Во-вторых, части триптиха долго ходили по свету порознь и только в 2013 году были собраны вместе и выставлены на торги.
Джексон Поллок, “Номер 5” — $140 млн
Наличие именно таких картин в списке самых дорогих и вызывает недоумение у публики. Объяснение феномену Поллока вполне обоснованно: важно не то, что на картине, а то, как её писали. Художник работал не кистью, а куском картона, ножом и даже совком. Масло смешивал с битым стеклом и песком, создавая необычный рельеф. Манера живописца приглянулась ценителям искусства во всем мире, сделав Поллока одним из самых известных творцов Америки.
Виллем де Кунинг, “Женщина III” — $137,5 млн
Долгое время полотно со странной и весьма уродливой женщиной хранилось в Тегеранском музее. Но после введения в стране строгих законов морали от картины решили избавиться. Новый владелец видел в необычном женском образе особу королевских кровей, напоминающую ему “Даму с горностаем”. Несмотря на любовь к произведению, он продал полотно американцу Стивену Коэну за баснословные деньги.
Густав Климт, “Портрет Адели Блох Бауер” — $135 млн
Шедевр Климта привел к конфликту государственного масштаба и одному из знаменитейших судебных разбирательств в истории. Адель Блох-Бауэр перед смертью изъявила желание отдать свой портрет австрийскому музею. В своем завещании муж Адели отменил дарение, а вскоре картина попала к нацистам. С большим трудом Австрии удалось выкупить портрет обратно, но объявилась племянница Блоха и решила вернуть шедевр домой.
Она выиграла процесс против целой республики, как утверждают, из сентиментальных соображений. Перед смертью новая владелица шедевра продала его галерее в Нью-Йорке.
Эдвард Мунк, “Крик” — $119,992 млн
“Крик” Мунка — представитель экспрессионизма, заметно повлиявший на поп-культуру. Достаточно того, что знаменитая маска из одноименного фильма была создана по образу и подобию полотна. Бытует мнение, что художник написал картину под воздействием психического расстройства, от которого страдал всю жизнь. Кстати, существует 4 одинаковых “Крика”. Тот, что был продан в частную коллекцию, выполнен пастелью.
Амедео Модильяни, “Лежащая обнаженная с голубой подушкой” — $118 млн
Полотно, написанное в начале XX века, ушло с молотка в 2012 году и перешло во владение Дмитрию Рыболовлеву от Стивена Коэна. Как и на многих других холстах автора, здесь изображена притягательно красивая жена Модильяни.
Пабло Пикассо, “Девочка с цветочной корзиной” — $115 млн
Ещё один знаменитый шедевр Пикассо, попавший в самые дорогие картины современности.
Это одно из 4 полотен стоимостью свыше 100 млн долларов. Однозначно, коллекционеры обожают творчество Пикассо и считают обладание его работами престижем.
Жан-Мишель Баския, Без названия — $110,5 млн
И снова у вас в голове промелькнул вопрос: “Почему так дорого за ЭТО?”. Необычная работа американского граффити-художника выполнена в стиле неоэкспрессионизма. На полотне мы видим черные контуры головы на голубом фоне. Сложно объяснить успех этой работы. Чтобы добраться до сути, нужно изучить биографию автора: от жизни уличного художника в Нью-Йорке до обложки The New York Times Magazine.
Джаспер Джонс, “Флаг” — $110 млн
Американский художник создал картину с патриотическим сюжетом в 24-летнем возрасте. Автор признается, что однажды ему приснился сон, где он рисует американский флаг. После пробуждения художник тут же сделал сновидение вещим.
Пабло Пикассо, “Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев” — $106,482 млн
На картине изображена любовница Пикассо, с которой он проводил время втайне от жены.
В 1951 году одна из самых известных работ художника попала в руки супругов Броуди. За все годы владения пара показала картину общественности всего один раз. Через 60 лет после приобретения Броуди продали полотно в 5000 раз дороже её прежней стоимости.
Барнетт Ньюман, “Свет Анны” — $105,7 млн
Картина написана в честь Анны — матери Ньюмана, покинувшей этот мир тремя годами ранее. В чем суть произведения? Почему так дорого? Знатоки искусства объясняют феномен потрясающим эффектом, который создает цвет. Говорят, что холст нужно рассматривать вблизи, медленно продвигаясь от одного края к другому и погружаясь в глубину красного кадмия.
Энди Уорхол, “Серебряная автокатастрофа (Двойная авария)” — $105,4 млн
Вторая картина короля поп-культуры 60-х Уорхола, ценник на которой перевалил за 100 миллионов. Для создания “Серебряной автокатастрофы” автор использовал фото реальных дорожных аварий.
Он многократно продублировал снимок методом шелкографии, расположив коллаж в левой части холста рядом с серебристой монохромной поверхностью.
Поль Сезанн, “Вид на гору Сент-Виктуар из рощи в Шато-Нуар” — $100 млн
Когда Детройт погряз в долгах, некоторые кредиторы предложили продать коллекцию мировых шедевров Института искусств для погашения задолженностей города. Институт решил продать картину Сезанна, но с совершенно другой целью. $100 млн, вырученные с тайной сделки, пошли на сохранение и реставрацию оставшейся коллекции.
Пабло Пикассо, “Мальчик с трубкой” — $104,168 млн
Одна из ранних работ Пикассо продана в 2004 году на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке. Произведение “розового” периода творчества художника изображает парижского мальчика. Искусствоведы были поражены столь большим интересом коллекционеров, поскольку. полотно написано в манере, не свойственной пионеру кубизма.
Энди Уорхол, “Восемь Элвисов” — $100 млн
Энди Уорхол является олицетворением поп-культуры 60-х. Героями его полотен неизменно выступали американские звезды и богема Нью-Йорка. На самом дорогом холсте художника изображен Элвис, выполненный в технике шелкографии. Король рок-н-ролла словно оживает, размноженный в кадрах кинопленки.
Рой Лихтенштейн, “Медсестра” — $95,4 млн
Еще одна знаменитая работа новатора поп-арт искусства. Манере художника до сих пор подражают почитатели, используя, как и он, образы из комиксов и рекламы. “Медсестра” — одна из 5000 картин, скульптур и арт-объектов американского мастера.
Пабло Пикассо, “Дора Маар с кошкой” — $95,216 млн
Пабло Пикассо не уставал черпать вдохновение в своих любовницах. На полотне изображена Дора Маар — художница и фотограф, которая провела с живописцем 9 лет. В 2006 году полотно перешло во владение неизвестному русскому коллекционеру.
Тициан, “Диана и Актеон” — £50 млн
Легендарное произведение венецианского мастера Тициана, на котором Актеон застает обнаженную богиню. В 2008-2009 годах была выкуплена национальными галереями Великобритании. Планируется, что полотно будет попеременно появляться в Эдинбурге и Лондоне в течение пятилетнего периода.
Густав Климт, “Портрет Адели Блох-Бауэр II” — $87,936 млн
Второй портрет аристократки, написанный Климтом. Полотно продано через несколько месяцев после первой версии. Это портрет Блох-Бауэр из числа четырех произведений, за которые в 2006 году выручили в общей сложности $192 млн.
Марк Ротко, “Оранжевый, красный, желтый” — $86,882 млн
Не ищите глубокий смысл и тайный подтекст в этом произведении. Художник предупреждал, что только цвет выступает главным героем произведения.
Интересно, что живописец начинал с сюрреализма, но затем отказался от предметности. Сначала его картины были яркими, затем краски сгущались и под конец жизни стали почти черными.
Фрэнсис Бэкон, “Триптих” — $86,2 млн
Картина изображает Ореста, преследуемого фуриями. Под этим персонажем автор подразумевал самого себя, а фурии олицетворяли душевные терзания мастера. Художник был очень популярен во всем мире, особенно в послевоенное время. Забавно, что только англичанам творчество живописца не пришлось по душе. Маргарет Тетчер и вовсе называла его работы “ужасающими”.
Казимир Малевич, “Супрематическая композиция” — $85,8125 млн
Кто-то надеялся увидеть здесь “Черный квадрат” Малевича, но это знаменитое произведение вряд ли когда-то покинет Третьяковскую галерею. А вот “Супрематическая композиция” в течение XX века постоянно каталась по мировым выставкам.
Стоят ли они своих денег?
Самые дорогие картины современных художников вызывают, в лучшем случае, недоумение. Немного умереннее пыл обывателей касательно работ легендарных классиков, писавших до 19 века. Но если углубляться в суть вещей, эти произведения имеют за плечами необычные истории или были написаны столь же необычными мастерами. За хаотичными кляксами и искусными фигурами стоят живые эмоции, которых так жаждут миллионеры и простые обыватели. А стоят ли они таких огромных денег? Пожалуй, каждый решает за себя. Для кого-то красный — просто красный, а для кого-то — бездонный источник вдохновения.
Команда сайта Print4you.com.ua
Темы творческих проектов по ИЗО 9 класс
Для проведения исследовательских и творческих проектов ученикам школы могут быть интересны темы проектов по ИЗО для 9 класса, направленные на ознакомление с историей изобразительного искусства, его течениями, биографией и творчеством выдающихся художников и скульпторов.
С выбором темы творческого проекта по ИЗО (рисованию) учащимся 9 класса рекомендуем определиться совместно с руководителем ученического проекта. Педагог поможет скорректировать тему творческкой работы, расширить или конкретизировать ее, в соответствии с подготовкой ребенка и его творческими возможностями.
Самостоятельная работа учащихся 9 класса по предложенным ниже темам проектов по ИЗО (изобразительному искусству) предполагает изучение школьниками биографии знаменитых скульпторов и художников, рассмотрение существующих в истории изобразительного искусства течений, создание собственных творческих продуктов, представленных в виде портретов, натюрмортов, пейзажей и скульптур.
Список тем для проведения проектной или творческой работы по ИЗО в 9 классе рассчитан на расширение кругозора учащихся и развитие их творческих способностей. Во время выполнения творческого проекта по рисованию ученики, в зависимости от сложности темы проекта, могут как усовершенствовать уже имеющиеся навыки, так и попробовать новые для себя направления и техники в изобразительном искусстве.
Темы проектов по ИЗО для 9 класса
Интересные темы творческих проектов по ИЗО для учащихся 9 класса:
Абстрактная живопись нидерландского художника Питера Корнелиса Мондриана
Абстракционизм Василия Кандинского
Абстракционизм, как направление нефигуративного искусства
Актуальные формы современного искусства (инсталляция, хепенинг, перфоманс и др.)
Библейские сюжеты в живописи
Богоматерь Донская
Быстрые техники рисования
Великие портретисты
Выразительные возможности натюрморта
Геометрические фигуры в дизайне тротуарной плитки
Графический портретный рисунок
Граффити — искусство или вандализм?
Декоративное искусство в современном мире
Закономерности в узорах
Изображение головы человека в пространстве
Изображение объёма на плоскости. Линейная перспектива.
Изображение предметного мира. Натюрморт.
Изображение фигуры человека в истории искусства
Изобразительное искусство в семье пластических искусств
Искусство иллюстрации
Искусство ручной росписи ткани.
Техника росписи ткани
Исследование натуральных пищевых красителей в рисовании
Исторические темы в искусстве разных эпох
История искусства и история человечества
Кляксография
Конструкция головы человека и её пропорции
Кубизм, как авангардистское направление в изобразительном искусстве.
Ладонная и пальчиковая техника живописи.
Леонардо да Винчи — художник и ученый.
Лепка фигуры человека
Линия и её выразительные возможности
Личность художника и мир его времени
Личность художника и мир его времени в произведениях искусства.
Лубок – живое народное искусство.
Магические узоры.
Массовое и элитарное искусство на примере жанра Портрет.
Мир вокруг меня в разной технике изображения.
Мир грез и фантазий в творчестве художника Виктора Эльпидифоровича Борисова – Мусатова.
Мир творчества художника Виктора Васнецова
Мифологические темы в искусстве разных эпох
Мифологические темы в искусстве.
Мой любимый художник
Мои сочные краски
Мотив дороги в творчестве Ф.
Васильева.
Набросок фигуры человека с натуры
Направление русского авангарда — футуризм
Направление русского авангарда — футуризм
Народная одежда – образ мира
Народные праздничные обряды
Натюрморт в графике.
Темы проектов по изобразительному искусству для 9 класса
Интересные темы проектов по изобразительному искусству для учащихся 9 класса:
Натюрморт. Возникновение и развитие жанра.
Нетрадиционная техника рисования природы
Нетрадиционные приемы рисования животных
Нетрадиционные способы и приемы рисования
Нетрадиционные техники рисования
Нетрадиционные техники рисования в изобразительном искусстве.
О чём рассказывает цвет
О чём рассказывают гербы и эмблемы.
Образ человека- главная тема искусства
Образные возможности освещения в портрете
Образы Арлекина и Пьеро в произведениях живописи
Оригинальные способы рисования
Освещение. Свет и тень
Основы языка изображения
Особенности пластической формы глиняных игрушек, принадлежащих к разным художественным промыслам.
Павел Федотов и художники его времени
Пасхальные традиции русского народа
Пейзаж. Возникновение и развитие жанра
Первые в России футуристы художники братья Бурлюки
Пикассо, как основатель кубизма
Понимание красоты человека в искусстве
Понятие формы. Многообразие форм окружающего мира.
Портрет в живописи
Портрет в скульптуре
Портрет человека. Возникновение и развитие жанра
Посетитель в современном музее: портрет в перспективе.
Православная икона
Приемы работы тушью и их выразительные возможности
Природа и художник (образы природы в пейзажах художников).
Прогулки по моему городу
Проектирование предметной среды. Дизайн интерьера кухни.
Пропорции и строение фигуры человека
Процесс работы над тематической картиной
Пятно как средство выражения. Композиция как ритм пятен.
Разные техники изображения окружающего мира
Реальность и фантазия в творчестве художника.
Рисование графическими материалами
Рисунок (История рисунка.
Свет и тень. Пропорция и гармония. Перспектива и пространство)
Рисунок-основа изобразительного творчества
Родная природа в творчестве Ф. Васильева, И. Шишкина, И. Левитана.
Темы проектов по рисованию для 9 класса
Темы творческих проектов по рисованию в 9 классе:
Рождественская открытка
Роль художественных народных промыслов в современной жизни.
Роль цвета в портрете
Романтик страсти и печали. Портретное творчество К. П. Брюллова.
Русская крестьянская изба
Русская матрешка. Русские красавицы
Русский скульптурный портрет XVIII-XIX века
Русь древняя, средневековая, национальное своеобразие архитектуры и искусства.
Сатирические образы человека
Связь времён в народном искусстве Сила искусства в творчестве Модильяни.
Символика наскальных рисунков первобытного мира
Современные российские молодые художники
Современные техники декоративно-прикладного искусства.
Современный музей, как важный ресурс развития города и региона.
Стиль и направление в изобразительном искусстве
Суперматизм выдающегося художника Каземира Малевича
Суть портретного жанра в современном и классическом стиле
Творческие проблемы современных народных художественных промыслов
Творческий путь Валентина Серова. Творчество В. Сурикова. Творчество И.И. Левитана Творчество И.И. Шишкина
Творчество любого художника от эпохи Возрождения до наших современников.
Творчество Ф.А. Васильева
Творчество художника Каземира Малевича
Творчество художника Тулуз Лотрека
Тематическая картина в русском искусстве 19 века
У истоков греческой скульптуры
Удивительные изделия из металла
Футуризм
Художественная культура Японии
Художественная специфика венецианской живописной школы
Художники-футуристы
Цвет в натюрморте.
Цвет в произведениях живописи
Цвет. Основы цветоведения
Человек в движении (набросок)
Что обозначают рисунки на одежде?
Эбру – рисование на воде
Если страница Вам понравилась, поделитесь в социальных сетях:
Десять самых востребованных казахстанских художников-классиков — Forbes Kazakhstan
ФОТО: pixabay. com
Прежде всего необходимо уточнить методику составления рейтинга. В учёт брались продажи произведений художников за последние три года в их количественном выражении, а не в денежном.
Необходимо понимать, что, к примеру, одна акварельная работа Абылхана Кастеева в стоимостном выражении может быть эквивалентна пятью работам Сахи Романова. Также надо учитывать, что все произведения художников являются уникальными и имеют индивидуальную стоимость, зависящую от множества факторов, таких как: время создания, сюжет, уровень исполнения… ну и размер, конечно, тоже. Именно поэтому все параметры являются приблизительными и могут колебаться в довольно значительных пределах.
Ещё один немаловажный фактор — это плодовитость художника и общее количество его творческого наследия, находящегося в частной собственности. Например работ Тельжанова и Калмыкова очень немного находится в частных руках, а вот Шарденова и Романова — в разы больше. В то же время показатели рейтинга дают представления о востребованности того или иного автора на арт-рынке Казахстана в течение последних трёх лет.
Первое место со значительным отрывом занимает самый, наверное, узнаваемый художник со своим живописным почерком Жанатай Шарденов.
Писавший в своей исключительной пастозной технике c широкими динамичными мазками, он наполнял стремительностью и лёгкостью всё, что наносил на холст. Зарубежные коллеги, увидев работы Шарденова, сравнивали его с Ван Гогом, а его самого называли казахским Шарденом, сопоставляя с известным французским живописцем XVIII века Жан-Батистом Шарденом.
Первое признание к Жанатаю пришло благодаря приехавшему в Казахстан в 1962 американскому художнику Ронуэллу Кенту. Далее, уже в Москве, Жанатая высоко оценил известный художник Мартирос Сарьян. Признание стало очевидным и очень долгожданным для Жанатая; наконец-то все не понимающие его манеру живописи вынуждены были вслед за мировым мастером увидеть в работах художника незаурядное и высокоталантливое мастерство.
Шарденов Жанатай, «50 оттенков серого дня». 1978 год. Холст, масло. 45х60 см
Эту картину можно сравнить с самой известной работой автора «Серебристые горы Алатау», которая хранится в музее Кастеева. Эта работа также написана в зрелом периоде творчества художника, овладевшего ярко выраженным чувством цвета, и, действительно, передаёт не менее 50 оттенков серого, от светлого, холодного, до тёмного и глубоко насыщенного. Цветовая палитра в сочетании с динамичностью мазка отражает авторский почерк мастера.
Следующим идёт основоположник казахстанской живописи Абылхан Кастеев, фамилия которого известна самой широкой аудитории.
Первый профессиональный художник-казах, несмотря на то что был учеником Николая Хлудова, по праву считается абсолютным самородком и мастером, упорно трудившимся с самых ранних лет и, вопреки всем трудностям, никогда не перестававший рисовать. Впервые рисунки Абылхана были замечены ещё до революции — в то время он работал дворником. В Кызылорде были готовы принять даровитого юношу на обучение, но у него не было денег на билет туда. Всю свою жизнь Кастеев жил в нужде, но продолжал путь первого художника страны, как будто чувствуя свою важную роль и ответственность.
Долгая несправедливость, несмотря на все регалии и звания народного художника, преследовала запредельно скромного Абылхана, но, несмотря ни на что, он продолжал учиться и совершенствоваться в живописи, вошёл в историю и показал пример сильного и несломленного борца за искусство.
Одна из основных особенностей реалистической живописи Кастеева заключается в его отношении к природе и в целом к миру: он настолько уважал и восхищался созданным творцом миром, что пытался старательно повторить ту красоту, которую видел, не решаясь вносить при этом свои личные коррективы.
Абылхан Кастеев, «Жайляу». 1963 год. Бумага, акварель
Спокойный пейзаж пастбища, кажется, ничем не может быть потревожен. Перед нами солнечный день из жизни казахского народа и его близости к природе.
Художник не расставляет акценты, а всё, что изображает, наделяет равными силами. Силу труда передаёт через доение кобылиц, важность семьи — через прогуливающегося отца с ребёнком, в то время пока мать готовит вкусный обед на огне, аромат которого проносится через весь сюжет. Могущество природы передают горы. Туман наполняет пейзаж тёплой дымкой. Создается атмосфера спокойствия и умиротворения.
На третьем месте с минимальным отставанием расположился художник кино и жизнелюбивый мастер лирико-эпических сюжетов Сахи Романов.
Будучи с самого раннего детства наполненным глубоким чувством любви к своей родной земле, Сахи преодолевает путь от ведущего художника казахской киноиндустрии до мастера, внесшего значительный вклад в национальное изобразительное искусство.
Непросто выделить наиболее важные принципы в творческом выражении художника. Работая над своим стилем, Сахи уделяет особое внимание не только изображаемым типажам, поиску цветовых ощущений, но и общему впечатлению от увиденного. Художник говорил, что для него важно «услышать цветовой звук земли, передать в цвете её запах».
Сахи Романов. «В юрте». 1970-е. Картон, гуашь. 80х100 см.
Задумчивый образ и поза изображаемого героя являются неким эмоциональным основанием, от которого исходит глубокая внутренняя мысль, невысказанная сдержанность. На втором плане показана семья, светлая, спокойная, тёплая. Все убранство юрты заключает в себе тесную связь с персонажами, создаёт единый колоритный орнамент из приглушённых мягких красок.
Четвёртое место принадлежит выдающемуся графику Евгению Сидоркину.
Так уж вышло, что самый «казахский» по своим работам художник был русским по происхождению. Конечно же, это было бы невозможно без любви, любви к красивой казашке Гульфайруз Исмаиловой. Благодаря ей он покинул Ленинград, где был на особом счёту по уровню своего таланта. Приехав на родину своей жены, он глубоко проникся необыкновенным колоритом, культурой, народом и обычаями.
Все работы Евгения отражают сильные чувства и уважение к новой для него культуре. Его графические фигуры с выразительными чёрными силуэтами и белыми линиями, твёрдые и пластичные одновременно, фактурны и композиционно смелы.
За свою серию литографических работ, написанных для книги «Читая Сакена Сейфулина», художник получил золото на выставке в Германии, где обошёл Пабло Пикассо и других известных авторов. Помимо графики он создавал грандиозные монументальные росписи и мозаичные фрески. На всех этапах своего творческого пути не отходил от выбранного им изображения национального эпоса и в целом всего, что заключает в себя культура Казахстана.
Евгений Сидоркин. «Семья», 1960 год. Автолитография, 61х95 см
Все пространство этой работы заполняет семья, изображённая скульптурно точно. Семья, большая и сплочённая, устремлённо движется вперёд. Суровые и сосредоточенные лица взрослых контрастируют с беззаботностью детей. Использование лошадей символично и отсылает к кочевому образу жизни к постоянному движению, переменам.
Далее идёт новатор Салихитдин Айтбаев.
Лидер нового поколения художников 60-х годов, ученик Молдахмета Кенбаева, он cмело и беспощадно уходил от академической живописи, много экспериментировал в стилях, увлекался кубизмом и в целом постимпрессионизмом, нередко обращался к символам и знакам, создавая метафоричные картины.
Творческий почерк Айтбаева постоянно менялся и становился более выдержанным в цветах и формах. Но что оставалась неизменно, так это первостепенная мощь и сила человека, изображённого крупным планом и превосходящего не менее могущественную природу. Большинство работ отличает плоскостность в сочетании с чёткостью фигур и смелой, яркой игрой цвета. Его масштабные, строгие и убедительные по силе мазки выдают пылкую и экспрессивную натуру, без страха движущуюся к новым временам.
Салихитдин Айтбаев. «Отдых чабана». 1975 год. Холст, масло 54х74 см
На представленной колористически яркой и контрастной картине с выраженным буйством красок спокойно и безмятежно прилёг чабан: видно, что он не спит, а лишь сладко дремлет. Его лицо выражает счастливую улыбку, он нежно обнимает спящего малыша, словно боясь сменить позу и тем самым потревожить ребёнка. Вся картина настолько пропитана теплотой и уютом, что даже яркие, маскарадно контрастные цвета интерьера становятся мягкими и спокойными, и в этом снова и снова узнаётся Айтбаев со своей способностью наделять изображаемых людей сверхкачеством менять окружающую действительность под себя.
Чуть ниже разместился высокохудожественный Молдахмед Кенбаев.
Глядя на его картины, о художнике можно смело говорить как о человеке огромной силы духа, свободы и внутренней поэтической красоты — его даже называли «неистовый Молдахмед». Кенбаев сумел красоту своей любимой степи изобразить ещё более прекрасной и величественной, лошадей — ещё более свободными и лихими, а людей — цельными и бесконечно увлечёнными.
Его работы вызывают внутренний подъём духа. Даже писав в стиле соцреализма, Кенбаев умело дополнял изображение романтичностью и импрессионизмом. Именно изображение «силы мгновения» было важным для пылкого художника. В его работах всегда можно увидеть какое-то определённое действие, будь то разговор чабанов или сильный ветер, гнущий степные колосья. Всё у Кенбаева дышит, говорит и излучает радостный свет.
Молдахмед Кенбаев. «Кошмоделие». 1958 год. Картон, масло, 50х50 см
В центре сюжета художник изображает традиционный для казахских женщин труд, валяние шерсти. Изображает в своей манере, в ярком колоритном ключе. В окружении чистой первозданной природы на первый план выступает ручной труд человека. Мягкие плавные линии пропитывают полотно и наполняют энергией весны, цветущей травы, тёплого солнца и, возможно, зарождающегося чувства в образе девушки, которая смотрит вдаль на всадника.
Сразу за ним следует представительница прекрасного пола, первая професиональная художница-казашка Айша Галимбаева.
Сейчас трудно представить живописный фонд страны без Айши и её изящных, нежных натюрмортов, великолепных женских образов и тщательно прорисованных казахских национальных костюмов. Художница длительное время находилась в поиске своего стиля, экспериментировала, и в результате этого возникли колористически яркие, традиционно национальные, одушевлённые и просто прекрасные бытовые сюжеты, такие как цветы в вазе, вызывающе аппетитные бауырсаки, кумыс в традиционной посуде и другие предметы, которые вдруг становились чем-то значительным и живущим своей жизнью.
Также её излюбленной темой были женщины, через которых художница передавала идеалы гармонии и красоты. А все картины отличает филигранное внимание к деталям, даже самым незначительным, но необходимым для создания законченного произведения.
Айша Галимбаева. «Вечность». 1980-е годы, холст, масло.
Смелая по композиции картина изображает фрагмент из жизни маленького человека в колыбельной, среди цветущих весенних тюльпанов, образующих некий символический круг. Название картины звучит философски и говорит о том, что человек вечен: вот он родился и спокойно спит, а тем временем круг, по которому он пойдёт, уже принял его в свой центр, из которого начинается движение в вечность.
Следующая строчка занята самым экстравагантным и загадочным Сергеем Калмыковым.
Последний художник русского авангарда и, как он себя сам называл, первый гений. В его гениальности сейчас уже ни у кого нет сомнения; собственно, и при жизни коллеги по цеху из Москвы, увидев его работы в 1950-х годах, признавали Сергея гениальным.
Калмыков легко играл со стилями, смешивая экспрессионизм с сюрреализмом, нередко использовал свой собственный фантастический стиль, который называл «Монстр» — в виде ломаных линий, аллегорических сюжетов, таинственных символов и знаков.
Его метафизическую живопись можно разгадывать бесконечно. При жизни художник был для всех великим чудаком, совершенно одиноким и отдавшим всего себя искусству. По разным подсчётам, художник оставил после себя около полутора тысяч работ и около десяти тысяч страниц рукописей.
Сергей Калмыков. «На острове Патмос». 1962 год. 67х57,5 см
На картине изображен овал, напоминающий изображение земли в географических атласах, только внутри овала мягкие расплывчатые линии и тёплые краски создают пейзаж острова Патмос, который находится на другой планете. Весь рисунок выполнен в одной цветовой гамме с пластичными контурами и тремя возвышенностями в центре, словно создающими выпирающие препятствия на пути к солнцу.
Девятую строчку нашего рейтинга занимает народный любимец и самый тенгрианский художник Аубакир Исмаилов.
Его смело можно назвать сыном земли, неба и гор — настолько, безгранично любя, он изображал свой родной край. Рождённый в бурную эпоху перемен, художник, обучаясь в Москве, встречался с такими мэтрами, как Мейерхольд, Станиславский, Эйзенштейн, и, несмотря на все возможности остаться в столице всех искусств, Исмаилов не смог забыть свою родную культуру с её широким раздольем земли, бескрайним небом, величавыми горами и всем тем, что навсегда запечатлелось в его душе.
В пейзажах художника мы в первую очередь видим необычный ракурс, с которого писал Исмаилов: он словно отрывался от земли, поднимаясь до уровня облаков, чтобы с них уже запечатлеть те чудеса природы, которыми так восхищался.
Все его работы заключают в себе гармонию. Его акварели лёгкие, воздушные и живые. Его панорамные пейзажи величественны по своему облику, сочны по цветовому решению и фактурно глубоки по своей перспективе. Исмаилова можно назвать первым художником Казахстана, который уходил от реализма к романтизму, украшая увиденное цветовыми эффектами и необычным ракурсом.
Аубакир Исмаилов. «Бартогай». 1970-е. Холст, масло. 200х140 см
Грандиозно-панорамный пейзаж ранней осени проявляется в ярко-оранжевом окрасе деревьев и в целом всей красочности природы. Картина поражает своим простором, глубиной и вниманием к деталям: речная пена от порывистого течения, тщательно прорисованные камни, деревья, скалы, уносящие зрителя в окутанные лёгким туманом, величественные и недосягаемые голубовато-лиловые горы.
Завершает рейтинг талантливый и неповторимый мастер аналитического искусства Павел Зальцман.
Художник, график, писатель. Рисовать начал в юные годы, иллюстрируя советские журналы. Обучаясь у мастера школы аналитического искусства Павла Филонова, навсегда сохранил его влияние на свое творчество.
Не имея профильного образования, Зальцман также учился живописи у своих, как он сам говорил, главных учителей — у Эрмитажа и Русского музея. Оказавшись в военное время в Алма-Ате, куда был эвакуирован с другими сотрудниками Ленфильма из блокадного Ленинграда, долгое время жил в привычной ему нужде и голоде. Далее работал художником Казахфильма и в свободное время писал работы, как говорится, для души: в аналитическо-фигуративной манере, крупным планом изображая лица. Лица как образы передачи смыслов, аллегорий, мыслей. Техника его художественного почерка уникальна: в графике это скрупулёзно выверенные точки и тонкие штрихи, в живописи — наложение друг на друга последовательных слоёв масляных красок.
Павел Зальцман. «Композиция с фигурами». 1950-е годы. Картон, масло, карандаш. 53х31см
На картине изображены манерные фигуры людей, полностью покрывающие полотно, в каком-то едином театральном действе. Разность этих людей очевидна и просматривается в одежде, выражении лиц, в устремлённых в разные стороны взглядах. Возможно, это изображение одного человека с его разными альтер эго. Благодаря тому, что работа не дописана, зрители могут увидеть, как рисунок из резких, графических линий при помощи нанесения мазков становился мягким и объёмным.
Письма. Дневники. Статьи. — М. : Советский художник, 1977
%PDF-1.5 % 1 0 obj > endobj 8 0 obj /Producer (https://imwerden.de/) /Title /Author >> endobj 2 0 obj > endobj 3 0 obj > stream
QpuV(wKWpWTp2KRll}=]\D*$5 4*АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ — 6. MODERN ART.
В предыдущих пяти частях нашего обзора истории американской живописи мы говорили о периоде с 18 по начало 20 веков, о становлении и развитии разных направлений в американской живописи, о наиболее известных ее представителях. Осталось кратко пробежаться по истории современного искусства Америки и показать репродукции работ художников, ставших не только знаменитостями, но и законодателями «художественной моды» в мире современного искусства.
Первая мировая война и экономический кризис привели к массовому переезду, пусть для некоторых и временному, многих художников из Европы и России (Дали, Шагал, Танги, Бурлюк, Мондриан), давших толчок развитию разных направлений модернистского искусства.
Одним из них был экспрессионизм*, расцветший в Америке накануне Второй мировой войны. Этому способствовало и то внимание, которое оказывали американские магнаты творчеству художников-абстракционистов. Миллионер Гуггенхайм в 1937 году пожертвовал средства на создание Музея беспредметной живописи. Затем семья Рокфеллеров выделила огромные средства на создание Музея современного искусства (МоМА, о посещении которого расскажу отдельно). В США было выпущено много альбомов и периодических изданий, пропагандирующих разные виды абстрактного искусства.
Макс Вебер (1881-1961), один из первых художников Америки, работавших в стиле кубизма. Он родился в Белостоке (в Польше, входившей позже в состав России) в ортодоксальной еврейской семье, в возрасте 10 лет эмигрировал с родителями в Америку. Первые годы своего творчества находился под сильным влиянием Сезанна и Матисса, с работами которых познакомился в Париже,
а после возвращения в Америку стал последовательным пропагандистом кубизма, и сегодня он считается одним из наиболее значимых ранних американских кубистов.
Первое время Вебер получал резкие отзывы критики, неприятие зрителей, но со временем его работы нашли большее понимание, в 1948 году в опросе среди искусствоведов он был признан величайшим из живущих художников, «пионером современного искусства в Америке», а у студентов, которым он преподавал в Лиге студентов- художников, он считался «живым хранилищем современного искусства». В послевоенное время Вебер обратился к более фигуративным еврейским темам, к экспрессионистическому изображению жизни еврейских семей и раввинов.
Ясуо Куниёси (1893-1963) родился в Японии, в 14 лет эмигрировал один в Америку, учился в Лос-Анджелесе и Нью-Йорке.
Он работал не только в разных направлениях живописи от сюрреализма до реализма, но известен и своими гравюрами, был прекрасным фотографом.
Вторая мировая война, вызвавшая прилив патриотизма, национализма и антияпонских настроений в США, отразилась и на творчестве Куниёси,в его произведениях много болезненно-красного цвета, они становятся темнее, в них проглядывает разочарование и трудности существования в двух культурах в то время, его стиль становится все боле экспрессионистическим.
Элтон (Олтон) Пиккенс (1917-1991) родился в Сиэтле, его юность прошла под тенью Великой депрессии, прихода Гитлера к власти, гражданской войны в Испании. Со своими одноклассниками он наблюдал за тем, как загружаются военные корабли, обсуждал угрозу японского или большевистского вторжения. У него не было возможности обучаться живописи, но он учился, посещая музеи и изучая работы старых мастеров, зарабатывая себе на тушь для рисунков на случайных работах.
Только в 1956 году состоялась его первая персональная выставка картин со странными, тревожными, вызывающими жалость образами.
Пол Джексон Поллок (1912-1956), главная фигура абстрактного экспрессионизма** был младшим из пяти сыновей в семье фермеров, пресвитерианцев ирландского происхождения. Его дважды исключали из разных художественных школ, но после переезда в Нью-Йорк он учился у Томаса Бентона в Лиге студентов-художников, оказавшего на него некоторое влияние, но не сумевшего справиться с его стремлением к ритмическому и необычному использованию краски.
. В 1938 году ему был установлен диагноз алкоголизма, он проходил курс психотерапии, есть предположение, что у него могло быть биполярное расстройство. Примерно тогда же он стал разрабатывать свою уникальную «капельную» технику и технику «заливки» работы с краской, которые принесли ему всемирную славу, этот способ получил термин «живопись действия».
Он рисует на огромных холстах, натянутых на стену или лежащих на полу, разбрызгивая по ним краску или просто разливая и размазывая разными инструментами. Позже, в 50-е годы, он начал просто нумеровать свои произведения, не желая давать им названия.
Погиб Поллок в автомобильной катастрофе в состоянии сильного алкогольного опьянения.
Марк Ротко (Маркус Яковлевич Роткович) (1903-1970), ключевая фигура в абстрактном экспрессионизме, родился в Даугавпилсе (тогда – Двинск) в еврейской семье фармацевта, его детство было пронизано страхом погромов. Родители стремились дать детям светское образование, в семье много читали. Опасаясь призыва сыновей в армию, в 1913 году отец увозит семью в США, дети с раннего возраста начинают работать, а Маркус увлекается политикой левого толка. Окончив с отличием школу, он учится 2 года в Йельском университете, бросает, работает в швейной мастерской, поступает в Нью-Йорке в Школу дизайна, где впервые знакомится с американским авангардным искусством, заражается им и берет курс Макса Вебера в Лиге студентов-художников.
. В 1933 году состоялась его первая персональная выставка, он экспериментирует с цветом, пишет акварелью и маслом, изучает примитивное искусство и детские рисунки и считает, что живопись начинается не с рисунка, а с цвета, используя «поля цвета» в своих акварелях и городских сценках. В 1940 году, обеспокоенный ростом антисемитизма, Маркус берет псевдоним, не имеющий явного еврейского звучания. В эти годы он увлекается мифологией, он называл себя «мифотворцем», занимающимся «восстановлением картинной плоскости, разрушением иллюзий, раскрытием правды».
В послевоенное время Ротко вырабатывает свой зрелый фирменный стиль «multiforms», который, по его словам, содержит «дыхание жизни», наполнен возможностями, по его мнению, «цветовое поле – это простое выражение сложной мысли».
Через два года после обнаружения у него артериальной аневризмы его состояние усугубилось алкоголизмом, курением, семейным кризисом и разводом, и он покончил жизнь самоубийством, приняв большую дозу антидепрессантов и вскрыв вены. Марк Ротко входит в число самых продаваемых и дорогих художников 20 века.
Марк Джордж Тоби (1890-1976), родился в семье плотника, учился два года в Художественном институте в Чикаго, но в основном был самоучкой. После переезда в Нью-Йорк работал иллюстратором в модном журнале и зарабатывал, рисуя портреты.
В начале 20-х годов Тоби много путешествует – Париж, Барселона, Афины, Ближний Восток, интересуется арабской и персидской каллиграфией, работает учителем рисования в школе, изучает индейское искусство.
В 1928 году он создает свою художественную школу в Сиэтле, а затем переезжает по приглашению в Англию для преподавания. Путешествие в Китай и Японию отразилось в его работах, там он изучал восточное искусство, философию Дзэн и каллиграфию в монастыре в Киото.
В 1944 году Тоби впервые представляет свои «белые» картины, написанные в новой технике: носитель изображения, бумага или холст, покрываются многими слоями белой или светлой краски – это начало «всей» живописи, все более абстрактной, созерцательной, медитативной. Марк Тоби принадлежит к числу самых важных зачинателей абстрактного экспрессионизма.
Виллем де Кунинг (1904-1997) родился в рабочем районе Роттердама (Нидерланды), 8 лет учился в Академии художеств, а в 22 года безбилетным пассажиром на грузовом судне перебрался в США. Вскоре его в составе 38 художников пригласили участвовать в создании 105 фресок для всемирной ярмарки. До середины 40-х годов он создавал не только фигуративные работы, но и серии лирических цветных абстракций,
а позже эти две тенденции начинают сливаться, и де Кунинг стал все более отождествляться с движением абстрактного экспрессионизма, был признан одним из его лидеров. В 1948 году состоялась его первая персональная выставка из черно-белых композиций, а в 1950 году он подписал открытое письмо 17 художников, обвинив Метрополитен-музей во враждебности по отношению к «передовому искусству».
Интересна его многолетняя работа над образом женщины, прошедшим через бесчисленные метаморфозы — агрессивная манера письма, яркие стратегически расположенные цветовые пятна сочетаются с изображением зубастых, перезрелых, с увеличенными глазами, отвислыми грудями и изуродованными конечностями «женщин».
Я думаю, как же надо было ненавидеть и бояться Женщину, чтобы так ее изображать, хотя в жизни он был женат на известной художнице, разделявшей его пристрастия. К концу жизни де Кунинг страдал болезнью Альцгеймера, его жена и дочь умерли и он находился под опекой адвокатов. Его произведения сегодня имеются в крупнейших музеях мира и очень дорого продаются, он – второй по дороговизне художник.
Роберт Мазервелл (Мотеруелл), (1915-1991), родился в Абердине в семье банкира, большую часть детства провел из-за астмы в Калифорнии. Там он полюбил широкие пространства и яркие цвета, характерные для его раннего творчества.
Он недолго обучался живописи, получил степень бакалавра философии, увлекался всю жизнь символистской литературой, что вместе с озабоченностью темой смерти (из-за слабого здоровья) стало главной темой его поздних рисунков. Большое влияние на Мазервелла в начале его творческого пути в 40-х годах оказали эмигранты-сюрреалисты и путешествие по Мексике.
В 1944 году состоялась его первая персональная выставка, он становится одним из самых молодых представителей «йоркской школы Нью» (неформальная группа американских представителей разных видов авангардного искусства в 50-60 годы). Он много путешествует по Европе, участвует в выставках, проводит лето в колонии художников и все время очень много рисует.
Последние 20 лет жизни Мазервелл посвятил своей «открытой» серии, изображающей сопоставление большого и малого холстов.
Франц Йозеф Клайн (1910-1962), родился в Пенсильвании, в семье эмигрантов из Германии и Англии, учился в Бостонском университете, начинал с городских пейзажей, портретов и фресок по заказу.
Наиболее известные его работы, однако, выполнены в черно-белом цвете, изображение мостов, тоннелей, промышленных объектов часто является содержанием его картин, относят нас к японской каллиграфии.
Клайн был красивым, обаятельным и общительным человеком, но влияние представителей абстрактного экспрессионизма, особенно де Кунинга, а также трудный брак с балериной, страдавшей депрессией и шизофренией, наложили неизгладимый отпечаток на его творчество.
Его репутация художника стала быстро расти после нескольких удачных выставок в 50-е годы, но ему не удалось насладиться ни славой, ни достатком – ревмокардит и алкоголизм привели к его ранней смерти.
Аршил Горки (Востаник Манук Адоян) (1904-1948) родился в Армении в бывшей Османской империи, его отец, убежав от призыва в армию, эмигрировал в Америку, бросив семью. Востаник с матерью и тремя сестрами бежал от геноцида в 1915 году на территорию, контролируемую русскими, а в 1920 году уехал в США,
изменив позже имя и фамилию и выдавая себя иногда за родственника Максима Горького. В начале своей карьеры он был под влиянием импрессионизма, затем постимпрессионизма, Сезанна и Пикассо.
Известные картины того времени представляют собой пейзажи и портреты, позже он работает в стиле кубизма и переходит к сюрреализму. В 30-е годы Горки пишет серию сложных работ в сюрреалистическом стиле, в некоторых из которых есть ностальгические намеки на его армянское прошлое.
Горки претерпел ряд личных драм в 40-е годы, у него был диагностирован рак, он попал в автомобильную катастрофу, перелом позвоночника и временный паралич правой руки лишил его возможности рисовать, от него ушла жена, забрав с собой детей. Аршил Горки повесился в возрасте 44 лет на взлете карьеры и славы. Его картины и рисунки висят в каждом крупном музее, а его родственники создали в 2005 году фонд Аршила Горки, имеющий свой вебсайт.
Энди Уорхолл (Андрей Вархола)(1928-1987), ведущая фигура американского поп-арта***, родился в Питтсбурге в семье эмигрантов из Словакии (бывшей тогда в составе Австро-Венгрии), отец был шахтером. Маленький Энди был болезненным ребенком — после скарлатины у него обнаружили хорею (заболевание нервной системы, вызывающее непроизвольные движения конечностей), у него появляется страх перед больницей и врачами, развивается ипохондрия. В это время он много рисует, слушает радио, собирает фотографии кинозвезд, читает о них. Окончив среднюю школу, Уорхолл изучает коммерческое искусство в Технологическим институте Карнеги, а переехав в Нью-Йорк, работает в журнальной иллюстрации и рекламе и получает степень бакалавра.
Вскоре он приобретает известность как рекламный художник в обувной промышленности и изготовлении обложек для пластинок. Уорхолл разработал метод применения фотографически полученной шелкографии в живописи, это было сродни процессу изготовления эстампа, но с участием инновационных методов.
В 1962 году в Лос-Анджелесе состоялась дебютная выставка поп-арта, включавшая много работ Уорхолла, на которых были изображены знаковые американские объекты и знаменитости. В эти годы он организовал свою студию «Фабрика», собрал вокруг себя многих людей искусства, представителей контркультуры, богемы, многие из которых стали его помощниками и друзьями.
В 1968 году Уорхолл был тяжело ранен в результате покушения, еле выжил, всю жизнь был вынужден носить корсет. Энди Уорхолл пережил периоды неприятия своего искусства, признания и поклонения, критики за коммерциализацию живописи и использования ее на потребу рекламе, за гомосексуальные связи и использование своих знаменитых друзей в личных целях.
Умер Уортхолл от внезапной аритмии после операции на желчном пузыре, он оставил след не только в живописи, гравюре, шелкографии, скульптуре, музыке, кино и литературе, но и в использовании компьютерной техники.
В Питтсбурге, на его родине, находится самый большой музей в США, посвященный одному художнику.
Роберт Раушенберг (1925-2008), родился в Техасе в семье христиан-фундаменталистов, отец был выходцем из Германии. Роберт учился в Художественном институте Канзас-Сити и в Академии Жулиана в Париже, а затем в Лиге студентов-художников в Нью-Йорке.
После женитьбы и скорого развода у него были романтические гомосексуальные отношения с другими художниками. Он путешествовал по Европе, побывал в Марокко, создает композиции всякого мусора, коробок, старых велосипедов и домашней утвари, утверждая, что хочет работать «в промежутке между искусством и жизнью», ставя под сомнение различия между произведениями искусства и предметами быта.
Его произведения включают в себя не только всякие мусорные объекты, но и изображения, переданные на холст с помощью фотографии (как у Уорхолла),
он способствует сотрудничеству между инженерами и художниками, создает серию литографий, включавших в себя собственные живописные работы и материалы из архивов НАСА. В последние десятилетия он начал использовать технологические инновации, применять биоразлагаемые растительные красители, подчеркивая свою заботу об окружающей среде.
Раушенберг более 40 лет плодотворно работал на художественном рынке, имел много наград, и умер от сердечной недостаточности, уединившись на острове во Флориде.
Джаспер Джонс (1930), ныне живущий живописец и гравер, в детстве из-за развода родителей часто переезжал с места на место, живя то с мамой, то с дедушкой или тетей, не имея никакого понятия об искусстве вообще. Он немного учился в Университете Южной Каролины, немного в Школе дизайна в Нью-Йорке, в 1954 году встретил Раушенберга, они не только стали жить вместе, но и развивать свои художественные идеи.
В 1958 году состоялась первая персональная выставка Джонса и МоМА приобрел 4 картины с неё. Ранние его живописные работы построены по простой схеме – флаги, карты, буквы и цифры.
В течение 20 лет он изображал американский флаг в разных видах, в первую очередь как визуальный объект, в отрыве от своего символического значения, эти картины принесли ему первую известность. Джонс также известен как график и скульптор, помогал создавать декорации и перформанс, писал тексты для авангардной музыки. Самая его дорогая работа, «Фальстарт», была продана за 80 миллионов долларов.
Рой Лихтенштейн (1933-1997) родился в Нью-Йорке в обеспеченной еврейской семье брокера по недвижимости, до 12 лет получал домашнее воспитание. Во время обучения в школе заинтересовался искусством и дизайном, стал горячим поклонником джаза, часто посещал концерты в Гарлеме и рисовал музыкантов. Рой начинал изучать искусство в Лиге студентов-художников, потом в Университете штата Огайо, а затем три года служил в Армии во время Второй мировой войны. Вернувшись в университет, прошел аспирантуру и получил степень магистра изобразительных искусств. Его творчество тех лет сочетало элементы кубизма и экспрессионизма,
а в конце 50-х он обратился к абстрактному экспрессионизму, начал включать образы героев мультфильмов и комиксов в свои работы.
В следующем десятилетии он приобретает известность не только в Америке, оставляет преподавательскую работу, переезжает в Нью-Йорк, чтобы полностью посвятить себя работе над картинами. Во всех его работах-комиксах просвечивает ирония, как будто он не относится серьёзно к тому, что рисует.
В конце 60-х Лихтенштейн перешел к использованию своих характерных методов в создании сложных образов знакомых архитектурных сооружений, картин и узоров, напоминающих уже ар-деко. Позже в его творчестве проявляются не только элементы, заимствованные у немецких экспрессионистов, но и сюрреалистов, китайской живописи,
Лихтенштейн много рисует карандашом, увлекается гравюрой. В 1997 году его жизнь неожиданно оборвалась от воспаления легких.
Том Вессельман (1931-2004), психолог по образованию, 2 года служил в армии, после нее учился рисованию в Академии художеств Цинциннати, рисовал мультфильмы и успешно продал первые из них. Сначала он восхищался работами Мазервелла и де Кунинга, но вскоре отверг абстрактный экспрессионизм, он понял, что должен найти собственный стиль, идти в противоположном направлении.
После окончания Академии Вессельман занимается созданием коллажей и преподаванием. Впервые на него обратили внимание в мире искусства после серии «Великая американская ню», над продолжением которой он будет работать долгие годы.
Он работает в рекламе, изготавливает коллажи из старых журналов и плакатов, еще не определив для себя свое направление, считает необходимым «сделать прыжок, который выходит за рамки самого искусства». Вассельман не любил, когда его называли представителем поп-арт, указывая, что он использует повседневные объекты в эстетических, а не потребительских целях.
Он пробует себя в живописном и коллажном натюрморте, сопоставляя различные элементы и изображения, пишет маслом пейзажи,
экспериментирует с формой женского тела, работает над серией «Спальня», увлекается скульптурой, особенно из металла. Последние годы его жизни были омрачены болезненным состоянием из-за сердечной недостаточности, и он умер после операции на сердце.
Original Cubism Light Paintings For Sale
Browse art and see similar matches
Try Visual Search
Category
AllPaintingsPhotographyDrawingsMixed MediaSculptureCollagePrintmakingDigitalInstallation
Filter (2)
Sort
Recommended
RecommendedDate Listed: New to OldPrice: Low к HighPrice: от высокой к низкой
Рекомендуемая дата включения в список: от новой к старой цене: от низкой к высокой цене: от высокой к низкой
Независимо от того, ищете ли вы оригинальную картину в стиле кубизма или высококачественную художественную печать, Saatchi Art предлагает более 17 оригинальных картин в стиле кубизма от начинающих художников со всего мира.
Filter
Category
AllPaintingsPhotographyDrawingsMixed MediaSculptureCollagePrintmakingDigitalInstallation
Cubism
Abstract
Modern
Conceptual
Expressionism
Surrealism
Art Deco
Figurative
Fine Art
Abstract Expressionism
Dada
Illustration
Impressionism
Minimalism
Documentary
Folk
Photorealism
Portraiture
Realism
Show MoreТема
Медиум
Акрил
Масло
Цвет
Эмаль
Гуашь
Ink
Акварельная карка.
Менее 500 долл. США
500 — 1000 долл. США
1000 — 2000 долл. США
2000 — 5000 долл. США
5000 — 10,000 долл. США Более 9000 долл. США
0003 Select Custom PriceSmall
Medium
Large
Oversized
Select Custom SizeOrientation
Horizontal
Vertical
Square
Artist Country
Israel
United States
Болгария
Канада
Колумбия
Венгрия
Индия
Нидерланды
Новая Зеландия
South Africa
South Korea
Turkey
United Kingdom
Show MoreFeatured Artist
Saatchi Art Catalog
Inside The Studio
Rising Stars
One To Watch
The Other Art Fair
Искать Ограниченное издание и открытое издание
Репродукции для продажи
Свет надежды
Картины, 31,5 Ш x 39,4 В x 1,2 Г в
3 975 $
Репродукции от 57 $
ЗАКАТ В НОВОЙ ЗЕЛАНДИИ
Картины, 11,7 Ш x 15,7 В x 0,6 Г в
Зеленый Lucky Ganesha – картина для входа в дом и офис – Lucky Vastu и фэн-шуй работа
Картины, 24 Ш x 36 В x 0,4 Г в
Красивая поющая птица
картин, 15,7 Вт x 23,6 ч. X 0,4 D в
$ 750
Отпечатки от 70 долларов
Синяя лампочка
картин, 7 Вт x 10,2 H x 0 D в
$ 165
9. $60Легкие авианосцы
картины, 19,7 W x 27,6 H x 0 D в
$ 1,900
Sunny Veere
, 39,4 W x 39,4 H x 0,8 D в
$ 2304
Отпечатки от 40
Romantic 2
, отпечатки $ 40
Romantic 2. 31,5 Вт x 21,6 H x 1 D в
$ 1 600
Мостовые арки
картины, 14 W x 11 H x 0,2 D в
$ 739
От принтов от $ 64
Сестры
. 0,1 Д в
Памятник
картин, 29,9 Вт x 59,8 ч x 0,4 дня в
$ 6 850
Отпечатки от 40
‘ILA’ Six-Side Amethyst
, 16 W x 16 H x 2 D в
$ 565
2092 40 долларов США
Белый свет/белое тепло
Картины, 23,6 Ш x 31,5 В x 2,4 Г, дюйм
3 270 долларов США
New Learn-Be Born No.4
Отпечатки от 40 долларов США
Дверь II
Картины, 35,4 W x 29,5 H x 1,2 D в
$ 2210
Отпечатки от 40
Mindscape, абстрактный геометрический спасение
картин, 7,9 W x 7,9 H x 0,6 D в
Lanterns
. H x 1 D in
715 $
Отпечатков от 40 $
1 — 17 картин
50 Результатов на страницу
25 Результатов на страницу50 Результатов на страницу100 Результатов на страницу
Результатов на страницу 05 Результатов на страницу 05
Кубизм-модернизм
Кубистское движение в рамках модернизма
Пабло Пикассо и Джордж Брак | В 1907 году Пабло Пикассо и Жорж Брак основали художественное направление, известное как кубизм. Пабло Пикассо — испанский художник, родившийся в 19 веке. Его таланты были признаны в раннем возрасте благодаря реалистичной технике. В подростковом возрасте его стиль рисования резко изменился, поскольку он экспериментировал с различными теориями, техниками и идеями. Пикассо наиболее известен тем, что основал кубизм вместе с Жоржем Барком. «Картины плоские, скульптуры трехмерные. Почему нельзя сделать картины, чтобы смотреть на вещи с разных сторон?»Пабло Пикассо Его неудовлетворенность направлением своего искусства побудила его черпать вдохновение у французского художника Поля Сезанна. Сезанн взял простые формы и попытался разработать лучшие способы их представления |
Использование цветов и форм для создания гармоничного образа. Пикассо черпал вдохновение и, в отличие от Сезанна, не использовал упрощенные формы и четкие линии для добавления глубины, а для того, чтобы разбить предмет на другие геометрические формы. Пикассо хотел создать образ, а не представлять его, как его влияние на Пола Сензанна. В репрезентации художник берет то, что видит, и рисует на холсте. Пикассо реконструирует объект с помощью различных сегментов, которые позволяют его зрителям увидеть его объект со всех сторон. Идеи и влияние Пикассо привели его к подходу к искусству в новом стиле, ныне известном как движение кубизма.
Кубистические картины никоим образом не должны были быть реалистичными или реалистичными, вместо этого они произвели революцию в традиционном натюрморте; пейзаж; и портретные картины через их абстрактные идеи и произведения искусства.
Аналитический кубизм является одной из двух фаз внутри кубизма и был разработан между 1908 и 1912 годами. Различие между синтетическим кубизмом и аналитическим кубизмом заключалось в том, что аналитические кубисты анализируют форму предметов и реконструируют предмет с помощью геометрических форм. На этих картинах почти отсутствовал цвет, за исключением использования тусклых цветов. Посмотрев на предмет со всех возможных ракурсов, художник-кубист собирает воедино фрагменты с разных точек зрения одновременно на одной картине. Ломаные, геометрические формы; приглушенные цвета; и неопределенные края их предмета — вот что характеризует произведения аналитического кубизма. Художник-аналитический кубист использовал основные геометрические формы: пирамиды, кубы, сферы, цилиндры и конусы, чтобы представить мир природы. Первоначально искусствоведы использовали термин кубизм как оскорбление их упрощенных замыслов.
На некоторых картинах аналитического кубизма мазки подчеркивали контраст между светлыми и темными тонами. Это не относится ко всем картинам аналитического кубизма, поскольку в некоторых использовались схожие тона цвета для создания более единой поверхности картины.
Синтетический кубизм был более поздней фазой кубизма, в которой рассматривалась экспериментальная природа коллажа. Синтетический кубизм развивался между 1912 и 1919 годами, он состоял из различных текстур, поверхностей, элементов коллажа и большого разнообразия объединенных предметов — вот что характеризует синтетический кубизм. Эти новые подходы к кубизму позволяют художнику-кубисту по-разному реконструировать свой предмет с помощью стилей аналитического и синтетического кубизма.
Многие художники-кубисты рисуют предметы, имеющие отношение к их повседневному миру (природному или искусственному). Они сосредоточили свои картины на простых человеческих предметах, пейзажах и городах, однако доминирующим сюжетом, используемым в картинах кубизма, был натюрморт. Было также обнаружено, что эти предметы использовались во многих новых стилях модернистских художественных движений, однако в каждом движении они были построены по-разному. Пикассо использовал эти предметы в своих картинах кубизма.
Многие художники следовали кубистическому движению, под влиянием нового стиля живописи смотрели на упрощенные геометрические формы повседневной жизни. Некоторые кубистские картины; Стакан пива и игральные карты Хуана Гриса; Герника Пабло Пикассо; Импровизация Эндрю Дасбурга; и многие другие.
В современном обществе кубизм является общепринятой формой искусства в художественном сообществе. Его первоначальная критика больше не воспринимается нынешними людьми, и движение сыграло значительную роль в развитии художественных стилей. Произведения искусства высоко ценятся, особенно от таких выдающихся художников, как Пабло Пикассо.
Аналитический кубизм Девушка с мандолиной | Синтетический кубизм Арлекин |
Модернизм в искусстве | Импрессионизм | Пост Импрессионизм | «Девушка с мандолиной» |
КУБИЗМ И АВАНГАРД | Музей Гуггенхайма в Бильбао
Кубизм — одно из важнейших художественных нововведений, появившихся в Париже в первые десятилетия двадцатого века. Этот революционный подход к живописи, разработанный Пабло Пикассо и Жоржем Браком между 1907 и 1919 годами.14 — бросил вызов условностям изобразительного искусства и поднял вопросы о самой природе репрезентации. Поэту и критику Гийому Аполлинеру часто приписывают введение термина кубизм. Он описал это как «искусство изображения новых целых с формальными элементами, заимствованными не только из реальности видения, но и из реальности концепции».
В то время как Пикассо и Брак выставляли свои кубистские работы в частных салонах и галереях, широкая парижская публика познакомилась с этим движением благодаря работам Альбера Глеза, Жана Метцингера, Робера Делоне и других художников так называемой группы Пюто, названной для пригорода Парижа, где многие из них работали. Их кубистические полотна будоражили и возмущали посетителей выставки XIX века.11 Salon des Indépendants, ежегодная выставка прогрессивного искусства, исключенная из более традиционных академических выставок. После широкой критики, вызванной выставкой, Глейз вместе с Метцингером защитили движение перед публикой книгой, в которой кубистская эстетика связывается с современными инновациями в науке, математике и философии.
Пабло Пикассо все еще жил в Барселоне, когда Всемирная выставка 1900 года впервые привлекла его в Париж. В течение своего двухмесячного пребывания он погрузился в художественные галереи, а также в богемные кафе, ночные клубы и танцевальные залы Монмартра. Le Moulin de la Galette , его первая парижская картина, отражает его увлечение похотливым декадентством и безвкусным гламуром знаменитого танцевального зала, где общались буржуазные покровители и проститутки. Пикассо еще предстояло разработать уникальный стиль, но Le Moulin de la Galette , тем не менее, является поразительной работой для художника, которому только что исполнилось 19 лет. В картине Пикассо занял позицию сочувствующего и заинтригованного наблюдателя за зрелищем развлечений , предполагая его провокационную привлекательность и искусственность. В насыщенных ярких цветах, намного ярче, чем те, которые он использовал ранее, он запечатлел опьяняющую сцену в виде головокружительного размытия модных фигур с невыразительными лицами.
В 1908 году Жорж Брак отказался от яркой фовистской палитры и традиционной перспективы в пользу упрощенных граненых форм, уплощенных пространственных плоскостей и приглушенных цветов того, что стало называться аналитическим кубизмом. Отличительные черты этого стиля, концептуализированного как разрушение или анализ формы и пространства, видны в Piano and Mandola ( Piano et mandore ). Предметы по-прежнему узнаваемы на картине, но разбиты на множество осколков, как и окружающее пространство, с которым они сливаются. Композиция приходит в движение, когда взгляд перемещается от одной грани к другой, стремясь различать формы и приспосабливаться к меняющимся источникам света и ориентации. Натуралистическая свеча служит маяком стабильности в наполненной энергией композиции взрывающихся кристаллических форм — от бестелесных черно-белых клавиш пианино до практически распавшихся листов музыки 9.0003
Подобная по стилю и композиции работа Жоржа Брака того периода, картина Пабло Пикассо « бутылок и стаканов » ( Bouteilles et verres ) иллюстрирует момент в развитии аналитического кубизма, когда степень абстракции была настолько экстремальной, что объекты на картине почти неузнаваемы. Пикассо представляет несколько видов каждого предмета в натюрморте, как если бы он перемещался вокруг него, и синтезирует их в единый составной образ. Фрагментация изображения способствует чтению абстрактной, а не репрезентативной формы. Воображаемые объемы бутылок и стаканов растворяются в беспредметных организациях линий, плоскостей, света и цвета. Взаимопроникающие грани форм, плавающие в неглубоком неопределенном пространстве, определяются и оттеняются светящимися и штриховатыми мазками. Хроматическая сдержанность, характерная для произведений Пикассо и Брака этого периода, соответствует интеллектуальному характеру затрагиваемых ими проблем.
В 1911 году Марсель Дюшан все еще придерживался условностей станковой живописи, формальной композиции, повествовательной структуры и индивидуального вдохновения. Годы его становления включали участие в художественном кружке, известном как Puteaux Group, который собирался в доме его старших братьев и коллег-художников, Раймона Дюшана-Вийона и Жака Вийона, после 1910 года. В этот период Дюшан быстро прошел через череду Модернистские стили, прежде чем полностью отказаться от живописи в 1913 в пользу искусства, которое ставило интеллектуальное выше оптического. До этого преобразования, которое радикально изменило развитие западного искусства, Дюшан часто рисовал членов своей семьи. В Apropos of Little Sister ( Apropos de jeune soeur ), натурщиком является Магдлен, младшая сестра Дюшана, которой в то время было 13 лет. Она сидит и читает книгу при свечах; ее тонкие конечности и изогнутый позвоночник образуют извилистую S-образную кривую, которая отражается в небрежно нарисованной окружающей среде вокруг нее. Нежные, светлые тона подчеркнуты фактурой самого холста, а угловатость форм предполагает осознание кубизма. Написанная в его семейном доме в Руане, она следует за ранними работами Дюшана, на которые повлияли Сезанн, фовисты и символисты.
Альберт Глейз впервые начал серьезно заниматься живописью, когда служил во французской армии с 1901 по 1905 год, а затем снова во время Первой мировой войны. Ниттер в Портрет армейского врача ( Portraitd’un médecin militaire ) — доктор Ламберт, хирург, прикомандированный к полку Глейза. Хотя на портрете четко не указаны ни личность врача, ни его профессия, цветные грани, круглые области и пересекающиеся диагонали тщательно расположены, чтобы очертить фигуру. Также подчеркнуты некоторые определяющие черты, такие как белая одежда доктора и темные усы. Восемь известных сохранившихся этюдов для этого портрета находятся в коллекции Музея Гуггенхайма, и вместе они демонстрируют постепенное развитие Глейзеса к сложной окончательной композиции. Получившийся портрет представляет собой достойное и трезвое впечатление о предмете, отражая растущий интерес Глейза к кубистской абстракции.
Хуан Грис переехал в Париж из родного Мадрида в 1906 году, поселившись в том же доме, где жил Пабло Пикассо. В Домах в Париже ( Maisons à Paris ), одном из по крайней мере шести полотен Гриса о районе Монмартра, написанных в 1911 году, художник экспериментировал с образами, которым он научился у Пикассо и Жоржа Брака, сохраняя при этом свою собственную чувственность и цвет. палитра. Создавая строго сглаженные архитектурные пространства и изображая проходы тени и света на их собственной плоскости, Грис применил современную технику к городскому пейзажу — как это делали в своих картинах Робер Делоне и Фернан Леже — одновременно опираясь на свою работу в качестве иллюстратора журнала для сопоставление форм, сильные тональные контрасты и общий визуальный ритм поверхности.
Робер Делоне выбрал вид в амбулаторию парижской готической церкви Сен-Северин, расположенной недалеко от его мастерской, в качестве сюжета своей первой монументальной серии картин (1909–10). Описанные художником как «период перехода от [Поля] Сезанна к кубизму», картины Saint-Séverin в равной степени напоминают дробление и концентрацию меняющегося света Сезанна и ранние кубистические пейзажи Жоржа Брака. Сен- Северин № 3 — самая приглушенная из серии Делоне: бежевый, темно-синий и зеленый — единственные оттенки, используемые на протяжении всей композиции и служащие для обозначения модуляций света, струящегося через витражи. Эллиптическое движение опор, которые изгибаются внутрь прохода, придают картине тревожный эффект изгиба и выпуклости. Делоне считал Saint-Severin No. 3 наиболее представительной из всех картин серии.
сходств и различий — Artlex
Лучизм — направление в искусстве, созданное русскими художниками Михаилом Ларионовым и Натальей Гончаровой в 1912 году. Находясь под непосредственным влиянием кубизма, лучизм занимается запечатлением эффектов света на объектах, ландшафтах и людях. Лучизм считается ранним развитием абстрактного искусства.
Кубизм зародился во Франции и был активен между 1907 и 1914 годами. Кубистские произведения искусства представляют собой фрагментированную композицию, представляющую предмет со всех сторон через перекрывающиеся геометрические плоскости. Художники Пабло Пикассо и Жорж Брак экспериментировали с формой и композицией, чтобы провести кубизм через его фазы: протокубизм, аналитический кубизм и синтетический кубизм.
Лучизм и кубизм имеют много общего и различий. Три основных сходства между лучизмом и кубизмом — это динамичная композиция, сюжет и свободная манера письма. Три основных различия между лучизмом и кубизмом — это абстракция, влияние и цветовая палитра.
Сходства лучизма и кубизма
Лучизм и кубизм имеют много общего, главным образом потому, что кубизм во многом повлиял на лучизм. Три основных сходства между лучизмом и кубизмом — это динамичная композиция, сюжет и свободная манера письма.
Лучизм против кубизма: динамическая композиция
Художники-лучисты часто использовали динамически пересекающиеся линии для изображения движущихся лучей света. Художники-лучисты могли ссылаться на нематериальный мир за пределами человеческого глаза, записывая, как лучи света отражаются от предметов, людей и пейзажей в материальном мире. Риск зафиксировать лучи света привел к очень динамичным композициям в лучистских картинах, как это видно на картине Натальи Гончаровой Зеленый лес , ниже:
Зеленый лес, Наталья Гончарова, 1911. Холст, масло, Музей современного искусства Нью-Йорка.Художники-кубисты добивались динамичных композиций, рисуя свои предметы как компиляцию перекрывающихся плоскостей, форм и углов. Эта техника также заставляла предмет казаться движущимся, а не статической формой, ограниченной холстом.
Лучизм против кубизма: тема
Кубизм и лучизм исследуют схожие темы, включая натюрморты, пейзажи и портреты. Однако художники-лучисты сосредоточились на метафизическом слое, окружающем каждый предмет, и на том, как свет взаимодействует с предметом. Художники-лучисты просто ссылались на предметы, людей и пространства, сосредотачиваясь на свете как на предмете. Истинным центром лучистской живописи стало то, как объекты распадались на свет.
Кубизм больше интересовался тем, как предметы можно переосмыслить со всех сторон в одной картинной плоскости. Пабло Ваза с фруктами, скрипкой и бутылкой Пикассо , изображенная ниже, демонстрирует, как натюрморт изображается с нескольких ракурсов одновременно:
Ваза с фруктами, скрипка и бутылка, Пабло Пикассо, 1914, холст, масло, Тейт Модерн, Лондон.Лучизм против кубизма: свободная кисть
В картинах лучистов и кубистов обычно используются свободные, конструктивные и фрагментированные мазки. Лучизм и кубизм дистанцировались от условностей буквального представления и приняли более органичный стиль живописи.
Кубисты заново собирали свои предметы, используя короткие, похожие на наброски мазки, чтобы создать цвет и объем в непрозрачных слоях. Для лучистов многослойные и свободные мазки также предполагают движение света и энергии, особенно в сочетании с яркими цветами. Художники-кубисты и лучисты могли создавать более сложные композиции визуально и концептуально, рисуя свободными мазками.
Отличия лучизма и кубизма
Несмотря на влияние кубизма на лучизм, лучизм во многом отличался от кубизма. Три основных различия между лучизмом и кубизмом — это абстракция, влияние и цветовая палитра.
Лучизм против кубизма: абстракция
Первоначально лучизм был вдохновлен геометрическими формами и гранями, центральными для кубизма. Однако, стремясь изобразить лучи света и движение энергии, произведения лучистов становились все более абстрактными. Абстракция представляла собой форму художественной «чистоты», и художники-лучисты отдавали предпочтение цвету, форме и композиции, а не иллюзионизму.
Кубизм также отказался от иллюзионизма, но намеренно не достиг абстракции. Кубистские картины кажутся абстрактными версиями своих предметов просто из-за процесса анализа и повторной сборки, который художники-кубисты использовали для достижения своей версии чистого художественного представления.
Лучизм против кубизма: влияния
Лучизм прославлял аспекты современной жизни, такие как массовая культура, растущая промышленность и технологические достижения, такие как рентгеновские лучи, поезда и самолеты. Лучисты также были связаны с идеей четвертого измерения, теорией, предложенной русским математиком Петром Д. Успенским в 1909 году. Эта теория поддерживала намерение лучистов представить нематериальное.
На кубизм повлияло африканское и кикладское искусство, которое повлияло на эстетические качества кубистского движения, такие как геометрические черты и плоская композиция. Кубизм был задуман как исследование техники, эстетики, формы и формы, а не как исследование морали, духовности или психологии.
Лучизм против кубизма: цвет
Для художников-лучистов цвет играл жизненно важную роль в выражении духовности, окружающей среды, состояния ума или аспекта морали. Лучи света и яркие цвета часто сочетаются в картинах лучистов, чтобы передать мимолетные лучи света через перекрывающиеся слои краски. Использование ярких цветов также означало, что художники-лучисты могли передать большее чувство эмоций. В картине Натальи Гончаровой Лучистые лилии , изображенной ниже, цвет используется для того, чтобы подчеркнуть движение света между лилиями:
Лучистые лилии, Наталья Гончарова, 1911, холст, масло, Пермский художественный музей. Картины в стиле кубизма, особенно в фазе аналитического кубизма, имеют монохроматическую цветовую палитру с преимущественно темными землистыми тонами. Художники-кубисты часто использовали монохроматическую шкалу, чтобы зритель сосредоточился на сложной форме своего предмета, а не на глубоких чувствах.
Как кубизм повлиял на лучизм?
Художники-лучисты интересовались формами, созданными художниками-кубистами, особенно их фрагментарностью и геометричностью. Эти перекрывающиеся геометрические грани появились во многих ранних лучистских картинах. Общая трактовка лучизмом формы и пространства отражает характеристики кубизма, русского футуризма, немецкого экспрессионизма и орфизма.
Какие еще художественные направления похожи на лучизм и кубизм?
После 1914 года основатели лучизма Михаил Ларионов и Наталья Гончарова продолжали создавать произведения искусства с Der Blaue Reiter под эгидой художественного движения экспрессионизма. Лучизм, кубизм и экспрессионизм разделяют элемент абстракции, хотя и с разным уровнем намерения. Лучизм и экспрессионизм использовали яркие цвета и различные уровни абстракции для передачи взглядов на мораль и реальность.
Лучизм также повлиял на более поздние разработки в абстрактном искусстве, в том числе на русских конструктивистов Владимира Татлина, Эль Лисицкого и Александра Родченко.
Однако импрессионизм наиболее тесно связан с лучизмом. Основная задача художников-импрессионистов заключалась в том, чтобы запечатлеть световые эффекты на пейзажах, подобно тому, как художники-лучисты пытались запечатлеть движение световых лучей, отраженных от предметов, пейзажей и людей.
Художественное направление кубизма — характеристики Идентифицируйте это искусство
Как определить искусство кубизма?
Примечание. На этой странице перечислены первые черты аналитического кубизма, первой фазы художественного движения. Прокрутите вниз, чтобы узнать об особенностях синтетического кубизма.
1. Картины состоят из маленьких кубиков и других геометрических фигур (например, квадратов, треугольников и конусов). Объекты деконструируются и «анализируются» под разными углами и превращаются в фрагментированный композит. Это объясняет, почему первая из двух фаз кубизма называлась аналитическим кубизмом.
Le Pigeon aux petits pois (Голуби с горошком) Пабло Пикассо
Портрет Пабло Пикассо работы Хуана Гриса
Les Baigneuses (Купальщицы) Альберта Глеза
За обнаженными купальщицами видны валуны или скальные образования вместе с деревьями, которые, кажется, переплетаются с передним планом. В нижней части холста изображена отражающая голубая вода. На горизонте (вверху картины) мы видим голубое небо и заводские трубы близлежащего города, выпускающие дым. Внедрение «индустриального» в природные ландшафты в то время наблюдали художники всех мастей по всей Европе.
2. Картины плоские (двумерные). Например, если вы посмотрите на головы и руки субъектов, они будут плоскими. Ощущение глубины слабое или отсутствует. Без ракурса и светотени. (Первый визуально сжимает объект, чтобы создать иллюзию глубины, а второй — контрастирует свет и тень, также для глубины.)
Девушка с мандолиной Пабло Пикассо
Герника Пабло Пикассо
Les Demoiselles d’Avignon (Авиньонские барышни) Пабло Пикассо
На картине изображены пять отвратительных шлюх в борделе. Тот, что в правом верхнем углу, дергает занавеску, открывая сцену. Они частично голые. Их тела деформированы из-за того, что Пикассо не придерживался единого живописного взгляда. Например, глаза некоторых женщин смотрят прямо на зрителя, но их носы изображены сбоку. Эта картина считается одним из самых ранних произведений кубизма.
3. Перспектива подвижна : несколько сторон одного и того же предмета показаны одновременно под разными углами и иногда в разные моменты времени.
Этюд для Ле Гутера Жана Метцингера
На этой картине мы видим сидящую обнаженную женщину с драпировкой вокруг нее и на руках, которая держит ложку. Перед ней стол с чашкой чая, а за ней комод или стол с вазой на нем. Все части ее тела состоят из геометрических фигур, даже ее грудь изображена в виде треугольника и сферы. Каждым глазом она одновременно смотрит на нас и смотрит в сторону. Чашка также показана сбоку и сверху.
L’Aubade Пабло Пикассо
4. Картины фрагментированы . Его ненавистники когда-то описали кубистское полотно как поле битого стекла. Истинный! Когда вы сталкиваетесь с кубистической картиной, вы должны мысленно сложить ее части вместе, чтобы понять, что она представляет. Иногда объект и фон проникают друг в друга. На одной и той же картине показаны разные точки зрения, разное освещение и даже разное время суток, иногда это слишком сложно для понимания.
L’Oiseau bleu (Синяя птица) Жана Метцингера
Сможете ли вы найти на изображении выше следующее: базилику, пароход, лодку, ожерелье, пирамиду, зеркало, веер, вазу с фруктами, четырех разных птиц, трех обнаженных женщин?
Центральная фигура держит синюю птицу. Другая фигура с ожерельем полулежит рядом с красной птицей. Слева от центральной фигуры другая смотрит в зеркало в левой руке, а в правой держит веер. Лодка находится с правой стороны под пароходом. Базилика Сакре-Кер находится в верхней части картины.
Вечеринка, Фернан Леже
Темой этой картины является свадебное шествие. Невеста занимает центр. Ее белое платье занимает все пространство до низа картины. Рядом с ней, одетый в зеленое, жених, чья рука лежит на ее плече, чтобы поддержать ее. Личность человека в синем (в верхней половине картины) не ясна. Его рука находится над парой, чтобы благословить их союз. Он мог быть священником или родителем невесты или жениха. Художественное произведение выполнено в стиле кубизма, поскольку оно показывает множество точек зрения на многолюдную сцену. Обратите внимание на части тел гостей в форме труб слева от невесты. Картина также предвещает футуристическое движение, изображая повторяющиеся элементы, чтобы показать динамизм и движение толпы.
Портрет Жака Найраля работы Альберта Глеза
Deux Nus (Две обнаженные) Жана Метцингера
5. Кубистские картины часто бывают монохромными . Вы найдете только приглушенные цвета. Художники выбирали один основной цвет для всей работы и, при необходимости, его вариации.
Гитарист Пабло Пикассо
Аккордеонист Пабло Пикассо
Португальский Жорж Брак
Брак изобразил португальского гитариста, которого он увидел в баре Марсель. Вы могли видеть стыковочный пост и морской канат в правом верхнем углу. Вы также видите части музыканта и его гитары. Но поскольку холст выглядит как битое стекло, полностью прочитать картину невозможно. И просто для развлечения (и чтобы поиграть с эффектом сглаживания) художник нанес буквы и цифры по трафарету. Это был намек на то, что позже назвали синтетическим кубизмом.
Как определить синтетический кубизм? Чем он отличается от аналитического кубизма?
Синтетический кубизм был меньше связан с изображением предмета и больше с использованием различных материалов, текстур и цветов. Аналитический кубизм интеллектуален, а синтетический кубизм игрив.
Художники синтетического кубизма не создавали картин, а строили « коллажей ». На холстах отображался «синтез» (сочетание) различных средств помимо краски: газетная бумага, текстовые изображения , ткань, бумага и даже песок. Кроме того, они расширили свою цветовую палитру.
Натюрморт с обшивкой стула палками Пабло Пикассо
Эта работа Пикассо 1912 года считается первым коллажем. Есть клеенка с оттиском рисунка тростникового стула, популярного в то время в кафе, которое является обстановкой для этого произведения искусства. В типичной кубистской манере человек видит сразу несколько точек зрения на предметы, лежащие на столе. Добавляя к картине физическую часть, которая имитирует что-то еще, он играет на нескольких уровнях реальности. Вся работа обрамлена веревкой. В правом верхнем углу вы увидите вырезанный лимон с ручкой ножа и лезвием наверху. Салфетку ищите ниже. Посередине вы увидите бокал для вина. В левом верхнем углу есть журнал с буквами JOU вверху (что означает «игра» на французском языке или 9).0340 журнал ). Наверху есть белая глиняная трубка.
Блюдо для фруктов и стакан Жоржа Брака
В этом произведении 1912 года Брак первым использовал песок, который он смешал с гипсом, смесью белой краски. Кроме того, здесь он был первым, кто использовал папье-колле (наклеенную бумагу), форму коллажа, куда он добавил вырезы из обоев faux bois (искусственное дерево). Зритель мог видеть вазу с фруктами, виноград и груши. С такими физическими элементами и добавленными словами BAR и ALE он мешает пользователю иметь какое-либо пространственное восприятие работы. Невозможно отличить фон от переднего плана.
Бутылка, стакан и газета Жоржа Брака
Женщина с гитарой, Жорж Брак
Ваза с фруктами, скрипка и бутылка Пабло Пикассо
«Виолон» Пабло Пикассо
Бутылка Vieux Marc, бокал, гитара и газета Пабло Пикассо
Фантомас Хуана Гриса
Натюрморт с вазой для фруктов и мандолиной Хуана Гриса
Кубистический период Пабло Пикассо — Для продажи на Artsy
Перейти к основному содержанию
Пабло Пикассо
Серия
1 в наличии
Между 1907 и 1917 годами Пабло Пикассо изменил свой кубистский период в истории искусства. Революционный подход к изображению, кубизм Пикассо сгладил реальность в единую плоскость геометрических форм, превратив его предметы в фрагментированные и абстрактные композиции, которые предполагали их трехмерную форму. Разработанный в ответ на быстро меняющийся мир, кубизм был способом Пикассо изобразить современность и прямым вызовом представлению о том, что искусство должно подражать природе. Художник считал, что объект виден не только с одного статического ракурса, но и в бесчисленных перспективах под влиянием движения, памяти, света и зрения. Работы Пикассо в стиле кубизма были проданы на аукционах по историческим ценам — в июне 2016 года 9 работ Пикассо0340 Femme Assise (1909) был продан на аукционе Sotheby’s за 63,7 миллиона долларов, побив аукционный рекорд художественного движения кубизма.
Сорт:
Рекомендуемое Price (высокий до низкого) цена (низкий до высокого) недавно обновленный год. David Benrimon Fine Art
Продано
Пабло Пикассо
Человек на гитаре , 1915
Christie’s
Тординг закрыт
Pablo Picasso
un vielon accroché au mur (le violon) , 1913
«Коллекция Hermann и Margrit Rupf» At Guglehe -Bilba.
Мандолина и гитара , 1924
Музей Гуггенхайма в Бильбао
Пабло Пикассо
Скрипка, висящая на стене13
Kunstmuseum Bern
Pablo Picasso
Head of a Woman (Fernande) , 1909
«Picasso Sculptor» at Musée Picasso, Paris
Pablo Picasso
Petit Cheval , 1961
«Picasso Sculptor» at Musée Picasso, Paris
Pablo Picasso
Tête d’homme
«Picasso Sculptor» at Musée Picasso, Paris
Pablo Picasso
Женщина в саду , весна 1929 -1930
«Скульптура Пикассо» в Музее современного искусства, Нью -Йорк
Pablo Picasso
Flowering Watering Can , 1951-9003
. в Музее современного искусства, Нью-Йорк
Пабло Пикассо
Стул , 1961
«Скульптура Пикассо» в Музее современного искусства, Нью-Йорк
039 0
Пабло Пикассо0567 Still Life with Door, Guitar and Bottles , 1916French Art 1900-1930 at Statens Museum for Kunst
Pablo Picasso
Daniel-Henry Kahnweiler , 1910
Art Institute of Chicago
Пабло Пикассо
Помощница (Мария-Тереза) , 1936
Художественная галерея Йельского университета
Пабло Пикассо
15
Christie’s
Торги закрыли
Pablo Picasso
L’Homme Au Chien (Rue Schœlcher) (B. 28; Ba. 39) , 1915
Sotheby’s
13. 915
Sotheby’s
13
3
3
3
3
3
3
3
3
3
3
3
3
3
3
3
3
3
3
. Постоянный Рисунок , 1908
Музей изобразительных искусств, Бостон
Пабло Пикассо
Человек с скрипкой , 1911-1912
Филадельфийская музей
9003
PICASLO
PILADELPHIA
9003
9003
PICAS0003
Carafe and Candlestick , 1909
«Незаконченные: мысли остались видимыми» в Met Breuer, New York
Pablo Picasso
La Femme Au Jardin , 1929913
9013 La Femme Au Jardin , 1929913 ». , Paris
Pablo Picasso
Tête d’homme , 1930
«Picasso Sculptor» At Musée Picasso, Paris
Pablp , Winter 1907-1908
«Picasso-Giacometti» at Musée Picasso Paris, Paris
Pablo Picasso
Glass of Absinthe , Spring 1914
«Picasso Sculpture» at Museum of Modern Art, New York
Пабло Пикассо
Гитара , 1924
«Скульптура Пикассо» в Музее современного искусства, Нью-Йорк
7
Пабло Пикассо
906 905. 1958«Скульптура Пикассо» в Музее современного искусства, Нью-Йорк
Pablo Picasso
Guernica , 1937
Museo Reina Sofía
Pablo Picasso
Head of a Woman (Fernande) , 1909
Nasher Sculpture Center
Pablo Picasso
Кувшин и ваза с фруктами , 1931
Художественный музей Сент-Луиса
Пабло Пикассо
Натюрморт со стулом из трости , Весна 1912
Musée National Picasso, Paris
Pablo Picasso
Portrait of Art Dealer Ambroise Vollard (1867-1939) , Spring 1910
Pushkin Museum of Fine Arts, Moscow
Filter by
31 Artworks:
Сортировка:
Рекомендуемая цена (по убыванию)Цена (по убыванию)Недавно обновленныеНедавно добавленныеГод работы (по убыванию)Год работы (по возрастанию)
ПоискУникальный
Ограниченная серия
Открытое издание
Неизвестное издание
Живопись
Скульптура
Репродукции
Работа на бумаге
$0
$50000+
3 90-е произведение основано на средних размерах.
Small (under 40cm)
Medium (40 – 100cm)
Large (over 100cm)
Purchase
Make Offer
Contact Gallery
SearchArches paper
Bronze
Canvas
Collage
Drypoint
ETCHING
Orange
Желтый
Purple
Pablo Picasso
Guitare , 1920
David Benrimon Fine Art
Sold 9000 9003 9003
David Benrimon Fine Art 9000 3
9000
David Benrimon Fine 9000 3
9000
David Benrimon 9000 9001 3
90039003 9003 9003
. 1915
Christie’s
Торги закрыты
Пабло Пикассо
Un violon accroché au mur (Виолончель) , 1913
«Коллекция Германа и Маргрит Бильб» 9 Гтген Рупфхейм0003
Pablo Picasso
Mandoline et guitare , 1924
Музей Guggenheim
9003 HENGENTINGINGINGING
HENGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGINGING
HANGENGINGE
HANGENGINGINGINGINGINGINGINGING 9003.
Пабло Пикассо
Голова женщины (Фернанда) , 1909
«Скульптор Пикассо» в Музее Пикассо, Париж
9 Пабло Пикассо0013 Petit Cheval , 1961
«Picasso Sculptor» на Musée Picasso, Paris
Pablo Picasso
SCERO
.
Женщина в саду , Весна 1929-1930
«Скульптура Пикассо» в Музее современного искусства, Нью-Йорк
Пабло Пикассо
Лейка с цветами51-52
«Picasso Sculpture» at Museum of Modern Art, New York
Pablo Picasso
Chair , 1961
«Picasso Sculpture» at Museum of Modern Art, New York
Pablo Picasso
Still Life with Door, Guitar and Bottles , 1916
French Art 1900-1930 at Statens Museum for Kunst
Pablo Picasso
Daniel-Henry Kahnweiler , 1910
Художественный институт Чикаго
Pablo Picasso
Femme Assise (Marie-Thérèse) , 1936
Yale University Art Gallery
Pablo Picasso 9003 9003 9013 9013 9013 9013 9013 9013 9013 9013 9013 9013 9013 9013
Pablo Pablo. 1915
Christie’s
Тординг закрыл
Pablo Picasso
L’Homme Au Chien (Rue Schœlcher) (B. 28; Ba. 39) , 1915
Sotheby’s
Bidding, 1915
.0013 Pablo Picasso
СОЗДАТЕЛЬСТВО РИСУНОК , 1908
Museum of Fine Arts, Boston
Pablo Picasso
MAN с Artrive , 1911-19113
MAN с Artrive , 1911-1912 9003
PILADMAM3
MANS .
Графин и подсвечник , 1909
«Незавершенное: мысли, оставшиеся видимыми» в The Met Breuer, Нью-Йорк
Пабло Пикассо
La Femme au jardin , 1929
«Picasso Sculptor» в Musée Picasso, Paris
Pablo Picasso
Tête D’Homme , 1930
«Sculptor» , 1930
«Picasso Sculptor». Trois figure sous un arbre (Три фигуры под деревом) , Зима 1907-1908
«Пикассо-Джакометти» в Музее Пикассо Париж, Париж
Пабло Пикассо
Стакан абсента , весна 1914
«Sculpture Picasso» в музее современного искусства, Нью -Йорк
Pablo Picasso
Гитара , 1924
«Picasso Sculpture» At Modern Art, News
Picasso Sculpture «At Modern Art, News
Picasso» At Modern Art, News
Picasso. Пикассо
Бык , ок. 1958
«Скульптура Пикассо» в Музее современного искусства, Нью-Йорк
Пабло Пикассо
Герника , 1937
Музей королевы Софии
Pablo Picasso
Head of a Woman (Fernande) , 1909
Nasher Sculpture Center
Pablo Picasso
Pitcher and Fruit Bowl , 1931
Saint Louis Art Museum
Пабло Пикассо
Натюрморт со стулом Канинг , Весна 1912
Национальный музей Пикассо, Париж
Пабло Пикассо
Портрет арт-дилера Амбруаза Воллара (1939) , весна 1910
Музей изящных искусств Пушкина, Москва
Pablo Picasso
Guitare , 1920
David Benrimon Fine Art
Soldly
Pabli
Музей изящных искусств, Бостон
Пабло Пикассо
Geige, an der Wand hängend (Скрипка, висящая на стене) , 1913
Kunstmuseum Bern
03
Pablo Picasso
Petit Cheval , 1961
«Picasso Sculptor» At Musée Picasso, Paris
Pablo Picasso
TROIS Figure Figure SOUS ONERBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ARBRE ONERERSO
.
«Пикассо-Джакометти» в Музее Пикассо Париж, Париж
Пабло Пикассо
Женщина в саду , Весна 1929-1930
«Музей современного искусства Пикассо», Нью-Йорк0003
Pablo Picasso
Цветочный полив , 1951-52
«Sculpture Picasso» в музее современного искусства, New York
9003
Pablo Picasso
9013 9003
Pablo Picasso
9013 9003
. 1916
Французское искусство 1900-1930 в музее Statens для Kunst
Pablo Picasso
Кувшин и фруктовый чаша , 1931
Сент0003
Femme assise (Marie-Thérèse) , 1936
Yale University Art Gallery
Pablo Picasso
L’Homme au Chien (Rue Schœlcher) , 1915
Christie’s
Bidding closed
Pablo Picasso
L’Homme à la Guitare , 1915
Christie’s 9003
Тординг закрытый
Pablo Picasso
Mandoline Et Guitar0003
Pablo Picasso
Carafe and Candlestick , 1909
«Unfinished: Thoughts Left Visible» at The Met Breuer, New York
Pablo Picasso
Head of a Woman (Fernande) , 1909
«Picasso Sculptor» at Musée Picasso, Paris
Pablo Picasso
Tête d’homme , 1930
«Picasso Sculptor» at Musée Picasso, Paris
Pablo Picasso
Стакан абсента , весна 1914 г.