Кубизм картинки: Скачать картинки D0 ba d1 83 d0 b1 d0 b8 d0 b7 d0 bc, стоковые фото D0 ba d1 83 d0 b1 d0 b8 d0 b7 d0 bc в хорошем качестве

Кубизм в живописи – 20 известных картин и художников-кубистов

Автор Наталья Юршина На чтение 14 мин. Просмотров 11.5k. Опубликовано 19.10.2020

Что такое кубизм? Когда стало зарождаться это направление в живописи? Какие самые известные картины, и кто такие художники-кубисты? На все эти и другие вопросы про одно из самых неоднозначных направлений в живописи ХХ века читайте в моей новой статье!

Наверняка вы хотя бы раз, но видели такие, странные картины, по сравнению с классической живописью, где все предметы изображены геометрическими фигурами, подчас в самой разнообразной форме.

Но странными они могут показаться только на первый, не искушенный искусством, взгляд. Действительно, картины в стиле кубизм, для простого, обывательского взгляда кажутся каким-то набором форм и цвета, не имеющих никакой связи и смысла.

Так что же такое кубизм? Как его понимать, и где та тонкая грань, разделяющая простую «мазню» от подлинного искусства? Ниже я буду приводить много примеров картин известных художников в жанре кубизм с названиями работ, чтобы показать вам все многообразие этого направления.

Само слово «cubisme» появилось во Франции, столице искусства, примерно в 1908 году. Но изначально, конечно же, само слово было образовано в Древней Греции и обозначало какое-либо кубическое тело.

Кубизм представляет собой абстрактное, модернистское направление в живописи европейских художников, которое зародилось и активно существовало в первые несколько десятилетий ХХ века.

Основа этого направления, как вы уже могли понять из названия, заключается в том, что художник намеренно изображает объекты своей живописи не как обычно, реалистически и трехмерно, а делает это с помощью геометрических фигур.

Таким образом, разделяя общее произведение на части, словно писатель свою книгу на главы, художник разнообразными геометрическими формами пишет картину, состоящую из разных единых «кусков».

Одной особенностью этого направления, в самом начале была очень скудная цветовая палитра. Художники старались использовать всего несколько цветов: коричневы, серый и черный. Это нужно было в первую очередь для того, чтобы не отвлекать внимание зрителя от форм и дать им возможность как можно глубже погрузиться в сюжет, в историю картины.

Одним из самых ярких представителей кубизма был испанский художник и скульптор, Пабло Пикассо. Во многих его работах вы можете встретить буйство красок и форм, что в общем-то не мешало ему быть очень значимым кубистом своего времени. Но об этом я расскажу ниже, в отдельном блоке про художника.

А пока давайте посмотрим, как вообще зародился кубизм, почему именно такие формы и какова вообще история этого направления в живописи.

Отцом-основателем этого, как некоторые думают, странного и непонятного направления, был Поль Сезанн. Этот французский художник-постимпрессионист повлиял на создание кубизма своими идеями, а также, несомненным влиянием на молодого Пабло Пикассо.

Поль Сезанн специально искажал перспективу в своих произведениях, чтобы передать предмет максимально разнообразно и многогранно. Иногда, он доходил в своих работах до того, что намеренно делал объекты проще по своей геометрической форме, что тоже, несомненно, было прямой отсылкой к зарождающемуся кубизму.

Шестидесятидевятилетний француз Поль Сезанн, состоял в переписке с двадцатисемилетним испанцем, Пабло Пикассо. В одном из таких писем, французский художник советует Пикассо «рассматривать натуру как совокупность простых форм – сфер, конусов, цилиндров». Многие историки искусства и живописи считают, что именно это и послужило впоследствии возникновению кубизма.

Конечно, кубизм такой, каким мы его знаем, возник благодаря самому Пабло Пикассо и другому французскому художнику, Жоржу Браку. А сам термин «кубизм», появился, благодаря Анри Матиссу, автору знаменитого «Танца». Он увидел картину Жоржа Брака «Дома в Эстаке», не удержался, и воскликнул: «Что за кубики!».

В живописи принято выделять три основных периода кубизма, которые по-разному отражали саму суть этого направления, имели разные концепции и представителей. Остановимся на каждом виде отдельно и разберем основные характерные особенности.

Первый вид, или период, как вы могли догадаться, назван в честь основоположника кубизма, Поля Сезанна и называется, соответственно, «сезанновский». Этот ранний период датируется 1907-1909 годами и во многом на его развитие повлияли работы самого Поля Сезанна.

• Пабло Пикассо, «Блюдо с фруктами», конец 1908-начало 1909 года
• Жорж Брак, «Музыкальные инструменты», 1908 год

Характерно то, что в этот период, художники начинали отходить от привычного изображения объекта, и начинали передавать его с помощью геометрических форм. Но это были большие и массивные части геометрических фигур, созданные с помощью жирных линий – прямых и ломанных.

Также, особое внимание кубисты «сезанновского» периода уделяли цветовой палитре произведения. Так как объект, изображаемый на холсте, был поделен на геометрические фигуры, то и цвет нужно было распределять на картине, согласно этим геометрическим правилам. Так, передний план картины состоял преимущественно из красок теплых оттенков, а на заднем фоне наоборот, художники использовали более холодные тона.

Второй вид кубизма приходится на 1909-1912 года и называется «аналитический». Само название этого вида отсылает нас к какой-то аналитике, к тому, чтобы разобрать произведение на части и понять его суть.

В общем-то, так и есть – за те четыре года, что длится этот период, художники постарались стереть все границы, между пространством картины и формой изображаемых предметов.

Что касается формы, то она стала еще меньше, по сравнению с «сезанновским» периодом, который отличался объемными и грубыми геометрическими фигурами, но которые был поделен объект. Теперь же художники, как бы разбирают на мелкие детали объект, стараясь понять его структуру и самые основные, неизменные элементы.

В этот период художники-кубисты концентрируют свое внимание на натюрмортах и портретах, редко пишут пейзажи. В какой-то мере, это деление на более мелкие частицы помогает художникам заново переосмыслить кубизм в искусстве. Но из-за их особого видения, а также деления на мелкие геометрические формы, простому зрителю нередко становится непонятно, что же изображено на картине и, главное, зачем художник изобразил это именно так?!

Как вы можете заметить, на картинах этого периода, цвет играет не особо значительную роль, формы становятся все более неясными и нечеткими. Не удивительно, что у многих, именно «аналитический» период характеризуется вообще со всем направлением.

Завершающий, третий вид кубизма – это «синтетический» кубизм. Этот период отличается таким приемом как коллаж. Основные годы, когда можно проследить этот вид – 1913-1914-е.

Художники создавали свои картины, как сейчас бы сказали, из того, «что под руку попадется». Так, например, можно было увидеть картины, сделанные из кусочков обоев, газет, листовок, наклеек и прочего, казалось бы, мусора. Иногда, художники не вклеивали это в свои работы, а просто рисовали на хосте так, как это могло бы быть в реальности, только, конечно же, в плоском виде. В этот период художники позволяли своим зрителям воплощать образ с картины сами в своем воображении.

«Синтетический» период, это уже довольно развитый кубизм. Сами картины уже становятся более выразительными, самодостаточными. И опять, любимый жанр кубистов этого времени – натюрморт.

Цвет по-прежнему не играет огромной роли в произведениях, но сохраняет свое место на самой картине. Как и раньше, на передний план выходят предметы светлых оттенков, на заднем фоне – темных оттенков.

Известные кубисты, Жорж Брак и Пабло Пикассо, одни из самых ярких представителей этих периодов, какое-то время работали вместе, но потом Брак стал сторонником фовизма, а Пикассо уходит в период классицизма и сотрудничает с Дягилевым, работая над его «Русскими сезонами».

Выше я уже приводила вам примеры работ наиболее ярких представителей кубизма в живописи — Пабло Пикассо и Жоржа Брака. Теперь хочется остановиться подробнее на их творчестве и творчестве и работах других художников-кубистов.

В основе любой, даже самой сложной формы, всегда лежит простая, геометрическая – шар, куб, конус. И Пабло Пикассо прекрасно эти начинает овладевать, поддавшись «сезанновскому» направлению в кубизме.Самый известный художник-кубист в 1907-1909 годах, испытывая влияние древнего искусства Африки, он пишет следующие картины:

• 
  «Авиньонские девицы», 1907 год
• 
  «Дерево», 1907 год
• 
  «Женщина», 1907 год
• 
  «Бокал и фрукты», 1908 год

Следующий период после «сезанновского», или «африканского», как его называли из-за увлечения Пикассо искусством стран Африки, является «аналитический» кубизм.

Это очень короткий период в его творчестве, всего два года, но зато каких плодотворных и важных для всей истории кубизма!

В это время, в 1909-1912-е года, Пикассо считал, что цвет делает произведение более слабым, обманывает зрение. Он считал, что нужно ослабить окраску всего мира, писать более монохромно, а все внимание сосредоточить на форме, чтобы суметь показать все сущее в своих работах.

Предмет и фон должны практически слиться воедино, от прорисовки мелких деталей и деталей в принципе нужно отказаться, а перспектива вообще должна исчезнуть – вот основные положения кубизма Пикассо в «аналитическом» периоде.

В результате всего этого, мы видим на картине нечто однородное, как по цвету, так и по форме, без каких-либо границ в пространстве. Посмотрите сами на некоторые картины этого периода в творчестве Пикассо:

• «Человек с мандолиной», 1911 год
• «Блюдо с фруктами», 1910 год
• «Дома на холме», 1909 год

Именно в этот «аналитический» период Пикассо начинает общаться с Жоржем Браком – своим соратником и союзником. При встречах, постоянном общении, обмене мнениями насчет того или иного произведения, этот союз вскоре сформировал основные и характерные черты кубизма.

Со временем Пикассо снова вернется к цвету и декоративным формам, именно так начнется его третий период в кубизме – «синтетический». Весной 1912 года Пикассо представляет свою новую картину «Воспоминание о Гавре». Эта картина новая во всех смыслах, ведь тут впервые, за 2 года появляется цвет в работе художника.

Теперь картины Пикассо становятся более живыми и понятными, появляются дополнительные детали, снова свои границы приобретает форма. Однажды, декор у Пабло дойдет до такой степени, что он вклеит почтовую марку в свою картину.

Сочетая несочетаемое, Пикассо все больше начинает работать с фактурой и разными материалами – бумагой, деревом, воском, углем, и даже с ложками. Таким образом, художник синтезирует вымышленную реальность в реальность настоящую.

• «Скрипка», 1912 год
• «Гитара», 1913 год
• «Харчевня», 1914 год

Таковы были картины Пабло Пикассо в период кубизма.

Сначала Жорж Брак был декоратором, но потом пошел учиться дальше и стал изучать искусство, в том числе и на примерах работ Сезанна и Коро.

В 1907 году Брак посещает выставку Поля Сезанна и знакомится с Пабло Пикассо. Эти два события станут решающими в жизни Брака-кубиста.

Подружившись с Пикассо, Жорж Брак старался писать картины по наитию, так, как еще никто не писал. Одно время стили Брака и Пикассо стали настолько похожими, что его работы не могли отличить от работ Пикассо.

Безусловно, визуально картины этих двух художников были похожи, но художники сосредотачивали внимание на разном и цели у них были разные. Брак любил работать с разными материалами, текстурами, играть со светом и пространством на картине. Он хотел, чтобы его работы были гармоничными, в отличие от бунтарских работ Пикассо.

• «Португалец», 1911 год
• «Замок Ла Рош Гюйон», 1909 год
• «Скрипка и палитра», 1909 год

Через несколько лет после Первой мировой войны, его творчество заметно меняется, как и творчество Пикассо. Но, картины, написанные Жоржем Браком в период кубизма, останутся в истории навсегда.

Портрет в стиле кубизм, как вы понимаете, это не портрет в привычном понимании этого слова. Как и другие работы кубистов, портрет состоит из нескольких геометрических фигур. И только зритель должен собрать их в единое произведение в своем воображении, чтобы увидеть сам портрет.

• Фернан Леже, «Дама в голубом», 1912 год
• Любовь Попова, «Портрет философа», 1915 год. Прототипом для этой картины послужил образ брата художницы, Павла Попова.
• Хуан Грис, «Портрет Пабло Пикассо», 1912 год

Если же вы хотите научиться писать обычные портреты, дарить их близким или делать на заказ — могу вас обрадовать! Как начать свой путь в портретной живописи я рассказываю на своем БЕСПЛАТНОМ мастер-классе по портретной живописи! Мы разберем как правильно и с учетом всех пропорций построить лицо человека. А всем посетителям я ДАРЮ урок “Реалистичный глаз”

Зарегистрироваться можно здесь — https://nyschool. ru/mk_port?utm_source=seo&utm_medium=blog&utm_campaign=allseo

Натюрморт в стиле кубизм – один из самых популярных жанров этого направления в искусстве. К нему обращались все художники, работавшие в стиле кубизм в период с 1907 по 1914 года.

• Пабло Пикассо, «Натюрморт с чашей и кувшином», 1908 год
• Жорж Брак, «Тарелка с фруктами и бокал», 1912 год

В России не было «чистого» кубизма, как например, в Париже или других европейских городах. В России в начале ХХ века кубизм представлял собой авангардистский симбиоз, состоящий из французского кубизма и итальянского футуризма.

Русские художники, преимущественно, писали только в «сезанновском» периоде, не трансформируя свое творчество дальше – в «аналитический» и «синтетический» кубизм. Так, создалась небольшая творческая группа художников-авангардистов, которая привнесла в русский кубизм ноты самобытности и оригинальности.

Теперь, когда вы знаете, что такое кубизм, его историю и основных, наиболее ярких представителей этого направления, у вас может возникнуть вопрос: а как рисовать в стиле кубизм? Что для этого нужно?

Прежде всего, как и в любом другом виде живописи, важно подготовить свое рабочее место и все необходимые материалы: хорошо освещенное помещение, краски, холст и прочие принадлежности. Помните, что в «синтетический» период художники использовали самые разнообразные материалы, так что вы тоже можете проявить фантазию и попробовать что-то экспериментально новое.

Теперь, когда все готово, решите, что вы будете рисовать/писать. Вы можете выбрать для своей первой картины в стиле кубизм чей-то портрет, а можете, например, составить натюрморт из подручных средств.

Сделайте набросок и разделите его прямыми линиями с помощью линейки. Можете сразу раздробить объект на геометрические фигуры – шар, конус, цилиндр.

Поработайте над палитрой. Если монохром для вас слишком скучно, то выберете несколько основных цветов, лучше не больше 3-4, чтобы сохранить геометрию произведения. Кстати, если вам нравится какой-то один цвет, то вы можете сделать монохромную палитру из разных его оттенков.

Старайтесь избегать растушевки и смешения красок – линии границ предметов всегда должны оставаться четкими.

Для первого опыта можно взять акриловые краски. Из-за быстрого высыхания акрила, вы сможете накладывать один цвет на другой, чтобы придать картине дополнительный объем.

А вот на вопрос, нужно ли писать в стиле кубизм, у меня нет для вас однозначного ответа. Ведь если нравится такой жанр, то зачем себя останавливать и запрещать. С другой стороны, если вы хотите стать профессиональным художником, вы можете начать писать в стиле кубизм, изменяя и трансформируя его. И тогда, возможно, у вас получится заново переосмыслить этот вид искусства, как это сделали его отцы-основатели.

Хотите узнавать больше о мировой художественной культуре и своих любимых художниках?

В своем блоге ВКонтакте я веду постоянную рубрику  #о_художниках_по_средам. Каждую среду недели я выкладываю пост, в котором рассказываю об отдельной теме: о жанрах живописи, о художниках, о развитии искусства.

Если хотите больше таких статей, подписывайтесь на мой блог — https://vk.com/ny_school6

Кубизм. Самый радикальный переворот в искусстве со времен Ренессанса | Публикации

В начале прошлого века революции в искусстве совершались регулярно через 2-3 года, и каждая из них переворачивала вещи никак не меньшие, чем мироздание в целом

После того, как мастера фовизма разобрались с цветом, признав его условным и зависящим не от реальности, а от тех задач, которые художник решает на своем холсте, пришло время что-то сделать с предметом и пространством. В конце концов, мир уже начал потихоньку привыкать к тому, что любая женщина, в том числе и голая, может быть синего цвета. Пришла пора дать человечеству по голове с другой стороны.

Этим вплотную занялись опытные интрансигенты и бывшие фовисты Жорж Брак, Морис Вламинк и Андре Дерен. Неожиданное подкрепление они получили от примкнувших к ним испанских гастарбайтеров Пабло Пикассо и Хуана Гриса. Причем, первый из них стал первым и в новом направлении.

Все началось с того, что Пикассо написал картину «Авиньонские девицы» — принципиальную работу для раннего авангардизма. Сейчас-то она выглядит вполне традиционной, а тогда, в 1907 году, настолько потрясла даже ближайших друзей автора, что они заподозрили его в сумасшествии. «Когда-нибудь мы найдем Пабло висящим за ширмой», — сумрачно отреагировал на картину Вламинк. И даже непримиримый Брак сказал Пикассо: «Ты пишешь картины, как будто хочешь заставить нас съесть паклю или выпить керосину». Так они все-таки хоть раз побывали в шкуре людей, которые смотрят их картины.

П. Пикассо. «Авиньонские девицы»

Эта работа поставила много вопросов, которые потом будет решать кубизм. В ней отсутствуют перспектива и светотень, массивные и весомые фигуры девушек деформированы и огрублены, пропорции их нарушены, одна из них – та, что сидит — показана с двух ракурсов, голова – спереди, а тело – сзади. Плоскость картины рассечена на жесткие сегменты, а лица некоторых персонажей представляют собой негритянские маски. Понятно, почему картина вызвала шок. С него и начался первый кубистический период – сезанновский.

Вообще, Сезанн – парадоксальная фигура в истории искусства 20 века. С одной стороны, это один из последних представителей мощной классической традиции, идущей от Пуссена – несмотря на внешнюю непохожесть на него. С другой стороны, Сезанн оказался не просто предтечей, а прямо-таки создателем раннего авангардизма. На него ссылались и фовисты, и экспрессионисты, и кубисты, и даже, не к ночи будет сказано, абстракционисты.

П. Сезанн. «Персики и груши»

Кубисты многое взяли у Сезанна — нарушение перспективы, показ предметов одновременно с нескольких ракурсов; цветовую сдержанность, перешедшую у них в трехцветку охра-черная-зеленая; основательность, весомость и устойчивость объемов, а также завет «трактуйте природу посредством цилиндра, шара и конуса», что означает сведение любых предметов к этим формам. Хотя с рисования цилиндра, шара и конуса начиналось любое традиционное художественное образование, кубисты нашли в этом принципе высшее оправдание для своих экспериментов.

Сам термин «кубизм» придумал тот же журналист, который когда-то уже дал имя фовизму — Луи Воксель. В своей рецензии на выставку Брака он назвал новое направление игрой в кубики.

Ж. Брак. «Эстак»

В ответ на тихие, мирные творческие искания новаторов в очередной раз раздавались крики о смерти искусства. И это притом, что кубисты вначале вернули живописи объем, отнятый у нее предыдущими революциями.

Х. Грис. «Книга, стаканы и трубка»

И цель-то у всех этих жестоких манипуляция была вполне благородная – дать зрителю возможность увидеть, из чего состоит объем, показать его со всех точек зрения, в т.ч. изнутри. Таким образом, в живопись как бы вводилось понятие времени – человек, глядя на картину, словно бы долго вертел изображенный на ней объект в руках, обходил его вокруг, заглядывал внутрь. Именно поэтому, кстати, так полюбили кубисты изображать скрипки и гитары – большие возможности открывались.

Ж. Брак. «Скрипка и подсвечник»

Факт возвращения публике категории времени позволил сведующим специалистам назвать все это переворотом почище коперниковского в астрономии – все-таки со времен Ренессанса категория времени в живописи отсутствовала. Допустим, она была в средневековых фресках, показывающих в одной композиции последовательно происходящие события.

По сути, кубисты изображали не то, что видели, а то, что знали. Например, они же знали, что отверстие у бутылки круглое — с какого ракурса на нее не смотри. А не эллиптическое, каким оно становится в результате перспективного сокращения. Пикассо вообще говорил, что пишет «не с натуры, а подобно натуре».

Примерно в это же время появляется еще одна игра с реальностью – коллажи, то бишь вклеенные в картину куски газет, рекламных проспектов, обоев и т.д.

П. Пикассо. «Трубка, стакан и бутылка»

На самом деле введение настоящих предметов в изображение существовало еще в барокко. Тогда в картину вклеивали, скажем, циферблаты часов, а в батальную фреску монтировали пушечное ядро. Но в классическом искусстве это подчеркивало мастерство художника – вот попробуйте отличить реальный предмет от его изображения.

Все эти эксперименты происходили примерно в течение двух лет, с 1910 по 1912 гг., и период этот обычно называют аналитическим.

Третий, синтетический период развития кубизма, получился так. Разрушив пространство и объем, превратив их в кучу простых геометрических элементов, кубисты решили — раз уж так получилось — собирать из них новые конструкции, мало чем напоминающие исходник.

Ф. Леже. «Матрос с баржи»

Кубизм в своем синтетическом периоде, с одной стороны, плавно движется в сторону абстракции.

Р. Делоне. «Португалка»

С другой же стороны, теряя свой революционный пафос, он движется в сторону декоративности, постепенно превращаясь в то, что потом было названо инсайдерами рококо-кубизмом.

П. Пикассо «Музыкальные инструменты»

Если в аналитическом периоде кубисты раскладывали предмет на составные элементы, а в синтетическом кроили из них некие квазиреальные структуры, то рококо-кубизм совершенно свободно комбинировал отдельные пластические и красочные элементы, не стремясь создать из них какие-либо структуры по образу и подобию тех, что встречаются в жизни.

Главная задача, которую решает рококо-кубист – организовать плоскость картины по законам декоративности, но использовать при этом кубистические обломки предметов.

Кроме того, кубизм в это время пошел развиваться экстенсивно, вширь — появляются картины с ассамбляжами, рельефами, контррельефами и, как итог, кубистическая скульптура.

Ж. Липшиц. «Арлекин с кларнетом»

Кубизм стал настоящей школой авангардизма, его уроки в разных странах усваивали крупнейшие в будущем мастера. В России его влиянием были задеты Малевич, Попова, Степанова, Бурлюки, художники объединений «Бубновый валет», «Ослиный хвост» и «Союз молодежи».

Автор: Вадим Кругликов

Кубизм Картинки

5 самых ярких представителей кубизма

Однако работа была показана в «Салоне Золотого сечения» в октябре 1912 года и на Арсенальной выставке 1913 года в Нью-Йорке, Дюшан никогда не простил своих братьев и бывших коллег за цензуру его работы. Историки разделили историю кубизма на этапы.

Входя в круг множества модернистских течений, кубизм выделялся среди них тяготением к суровой аскетичности цвета, к простым, весомым, осязаемым формам, к элементарным мотивам (таким, как дом, дерево, утварь и др. ). Ему посвящены сотни книг на различных языках. Это будет самый большой круг. Даже в стиле «кубизм» – где у предметов может не быть четких границ. Сложившиеся в 1900-е годы художественные тенденции, для которых характерно выраженное в полемической форме противопоставление себя прежним традициям творчества, равно как окружающим социальным стереотипам в целом, получили название авангардизм. Как и предварившие его направления модернизма, авангард был нацелен на радикальное преобразование человеческого сознания средствами искусства, на эстетическую революцию, которая разрушила бы духовную косность существующего общества, при этом его художественно-утопические стратегия и тактика были гораздо более решительными, анархически-бунтарскими. Не удовлетворяясь созданием изысканных «очагов» красоты и тайны, противостоящих низменной материальности бытия, авангард ввел в свои образы грубую материю жизни, «поэтику улицы», хаотическую ритмику современного города, природу, наделенную мощной созидательно-разрушительной силой, он не раз декларативно подчеркивал в своих произведениях принцип «антиискусства», отвергая тем самым не только прежние, более традиционные стили, но и устоявшееся понятие искусства в целом.

кубизм векторы и фотографии – бесплатные графические ресурсы

Разрыв с традиционными канонами инициатором которого в 1907 году был Пабло Пикассо, когда под его решительной кистью возникли четкие фигуры «Авиньонских девиц», знаменовал собой рождение нового порядка и последствия этого переворота отразились на современной действительности. Мировому диалогу культур авангард придал невиданную остроту. Название «кубизм» было дано критиками первого десятилетия XX в. но характерной (хотя и внешней) особенности первых кубистических картин — преобладанию в них прямых линий, гладких граней и кубоподобных форм.

Утверждение, что кубисты изображают пространство, массу, время и объём подтверждая (вместо того, чтобы отрицать) плоскостность холста, выступил Даниэль-Анри Канвейлер в 1920 году, но в 1950-х и 1960-х годах оно стало предметом критики, особенно со стороны Клемента Гринберга. Его творчество до конца не исследовано, он даёт почву для размышлений и изучения. Первым стал «Сезанновский» кубизм, который представлен в картинах «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером» и других, наполненных «сезанновскими» охристыми, коричневыми и зеленоватыми тонами. Колористическая палитра, оттеняя отдельные стороны объекта, подчеркивала и дробила объем.

Третий этап назван «Синтетическим» кубизмом, в нем работы художника принимают декоративный и контрастный характер. Альбер Глез выставил «Женщину с флоксами» (1910) и «Человека на балконе» (1912), две высоко стилизованные и гранённые работы в стиле кубизм. Они обращались также к наследию древнейших и архаических культур (скульптуре неолита и бронзового века, скульптуре племен Африки и Океании, древнегреческой архаики, галлов, скифов и других древних народов). Наиболее серьезное возражение относительно «Авиньонских девиц», как источника кубизма, с очевидным влиянием на картину первобытного искусства, состоит в том, что «такие выводы исторически недостоверны», написал искусствовед Даниэль Роббинс. Картина Пабло Пикассо 1907 года «Авиньонские девицы» часто считается протокубистской работой. Последняя, синтетическая стадия (1912-1914) отличается большей декоративностью, картины становятся красочными плоскостными панно, появляются некоторые фактурные элементы – объемные конструкции, наклейки (коллажи), присыпки.

Выразительный кубизм в картинах —

Таким образом, у вас получится коллаж в стиле «синтетического кубизма».

Вот таким образом, мы решили более детально рассмотреть картины художника, а не его биографию. Пикассо не колеблясь избрал свое лицо, с тем чтобы вызвать нужную ему реакцию. Кубисты не хотели, чтобы их картины были похожи на фотографии и не считали такие достижения академической живописи как «светотень», «переспектива», «оптический реализм» ведущими средствами художественной выразительности. Конструктивизм и много другое.

К возникшему течению примкнули Фернан Леже, Робер Делоне, Хуан Грис и др. После импрессионистов были и другие революционеры, сильно повлиявшие на развитие живописи. Другие предполагали, что в основе этого течения лежал детский взгляд на мир (трактовка «совмещения планов»).

Такое видение его работ никак не устраивало Пикассо. В кубизме художники совсем отошли от реалистичности, натуральности, гармонии света и тени. Многие из них конечно вскоре вернутся с фронта и продолжат работать до конца войны. Его кубизм, несмотря абстрактность, был связан с темами механизации и современной жизни. В работах не было эмоциональной насыщенности. Возникновение кубизма относят к 1907, когда П. Пикассо написал картину «Авиньонские девицы» (в данный момент картина находится в Музее современного искусства, Нью-Йорк), необычную по своей острой гротескности: деформированные, огрублённые фигуры изображены здесь без каких-либо элементов светотени и перспективы, как комбинация разложенных на плоскости объёмов.

Последующий «Салон независимых» 1912 года был отмечен презентацией картины Марселя Дюшана «Обнажённая, спускающаяся по лестнице 2», которая вызвала скандал, даже среди кубистов. Вместе они складываются в некое простое изображение (как правило, натюрморт), воссоздающееся в воображении зрителя. К кубистам позднего периода примыкал некоторое время и скульптор А. Архипенко.

Если возникает вопрос «подоконник вровень или выпирает», то кубизм поможет на него ответить. 3. Однако во Франции кубизм переживал спад, начиная приблизительно с 1925 года. Близость нового искусства современной Пикассо истории впервые осуществилась, когда он написал «Авиньонских девиц» и продолжит укрепляться благодаря смелым исканиям горстки истинных, больших художников. Повышенный интерес к форме ведёт к разграничению в использовании цветов.

Представители кубизма сознательно ограничивали используемую цветовую палитру. Одна из главных теоретических инноваций, которую создали салонные кубисты, независимо от Пикассо и Брака, совпадала с «одновременностью», приближаясь в большей или меньшей степени к теориям Анри Пуанкаре, Эрнста Маха, Чарльз Генри, Мориса Принстона и Анри Бергсона. Аналитический кубизм (новая система живописи, созданная Пикассо и Жоржем Браком около 1909 года) заключается в одновременном изображении на полотне нескольких сторон одного предмета, как бы видимых с разных точек.

Синтетический этап продолжался с 1912 по 1914 гг. Он увидел возможности нового художественного метода. Есть история о том, что когда Щукин увидел работы Пикассо в манере кубизма, он воскликнул: «Какая потеря для искусства». Кубизм придает объем фигурам. Искусствовед Дуглас Купер утверждает, что Поль Гоген и Поль Сезанн «оказали большое влияние на формирование кубизма, а особенно на картины Пикассо 1906-1907 годов». Г. Стайн и др.

Два экспоната Купки на «Осеннем салоне» 1912 года, «Аморфа. Именно это период положил конец нищенскому существованию мастера. Но не все было гладко.

Механистический кубизм Ричарда Линдера (24 фото)

Натюрморт в таком стиле стал смелым творческим экспериментом. Сначала они аналитически разрушали привычные образы предметов, как бы «разбирая» их на отдельные формы и пространственные структуры.

Гертруда Стайн ссылалась на пейзажи, написанные Пикассо в 1909 году, например, «Водоем (Резервуар в Хорта де Эбро)», как первые кубистские картины. Сводя к минимуму, а зачастую и стремясь строить свои произведения из сочетания элементарных, «первичных» форм, представители кубизма обратились к конструированию объёмной формы на плоскости, расчленению реального объёма на геометризированные тела, сдвинутые, пересекающие друг друга, воспринятые с разных точек зрения.

3. Главная черта творчества художников – это стремление создать кубизм, картины представлены в плоском изображении вместо объёмного. Сюжет у нас будет «чайный». Это первая ступень кубизма, характеризуется абстрактными и упрощёнными формами объектов. На выставке также представили монументальный «Город Париж» Делоне (Музей современного искусства, Париж) и «Свадьбу» Леже (Государственный музей современного искусства, Париж).

Эти положительные/отрицательные изменения честолюбиво использовал Александра Архипенко в 1912-1913 годах, например в «Идущей женщине». А истоки его – в односторонней интерпретацией системы Сезанна, который рекомендовал молодому художнику Пикассо «рассматривать натуру как совокупность простых форм – сфер, конусов, цилиндров». Основной идеей кубизма было отрицание трехмерной реальности. Импрессионисты использовали двойную точку обзора, а набиды и символисты (которые также восхищались Сезанном) выравнивали картинную плоскость, уменьшая предметы до простых геометрических форм. В то же время новое поколение художников (Хайден Вальмье, Мария Бланшар) воспримет язык кубистов, но никто не вернется к довоенной поре. Каждое лицо будет носить с этого времени печать сходства с персонажами этой картины. В свою очередь Пикассо сильно повлиял на литературное творчество Стайн.

Поздние картины Ж. Брака становятся лаконичными. С ним перекликаются круг блюдца и чашки. Эта техника применяется в большинстве важных работ писательницы, включая роман «Становление американцев» (1906-1908). Однако художник создавал потрясающие портреты и натюрморты в стиле кубизм. Линейную перспективу, разработанную в эпоху Возрождения, упразднили.

Известные картины в стиле кубизм

Леже обосновался на Монпарнасе. С. Малевич, В. Е. Татлин), немецких художников «Баухауза» (Л. Следуя советам Сезанна, а также находясь под впечатлением от искусства изображения африканских масок, в 1907 году Пикассо создает свою первую картину, написанную в стиле кубизма «Авиньонские девицы» (дерзкие, рубленые линии, заостренные углы, практическое отсутствие теней, тон нейтральный, близкий к натуральному). Это весьма отличается от свободного общества сюрреалистов и объединения бессознательного высказывания и политического нигилизма дадаистов». Тоже не сразу.

Он будет основой, вокруг которой группируются другие предметы. Картины в стиле кубизм отличались тяготением к аскетичности цвета, к осязаемым, простым формам и элементарным мотивам (например, утварь, дерево или дом). Дополняет образ острота ритма.

Дуглас Купера ограничил использование этих терминов с целью выделить творчество Брака, Пикассо, Гриса (с 1911) и Леже (в меньшей степени) подразумевая намеренное оценочное суждение. С 1905 и, вероятно, уже под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых скульптурных работах («Шут», 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода («Мальчик, ведущий лошадь», Нью-Йорк, Музей современного искусства). Кажется, что здесь искусство Пикассо подчиняется двум противоречивым импульсом. Третьи связывали появление кубизма с новыми открытиями в физике конца XIX – начала XX века (рентгеновские лучи, открытие теории относительности).

Поль Сезанн и его роль в возникновении кубизма

Согласно Куперу «ранний кубизм» (1906-1908 гг. ) был, когда направление развивалось в студиях Пикассо и Брака второй этап, назывался «высокий кубизм» (1909-1914 гг. ), за это время появился значительный представитель кубизма Хуан Грис (после 1911 года) и в заключении Купер назвал «поздний кубизм» (1914-1921 гг. ) в качестве последнего этапа кубизма как радикального авангардного направления. Они считали, что это позволяет им создать пространство.

Приступаем к работе. Аполлинер поддержал эти ранние достижения абстрактного кубизма в «Художниках-кубистах» (1913), написав о новой «чистой» живописи, в которой предмет изображения был освобождён. Исчезают образы предметов. «Свадьба» Леже, также выставленная в «Салоне независимых» в 1912 году, придала форму понятию одновременности, представляя различные мотивы как происходящие в одном временном отрезке, где реакция на прошлое и настоящее сочетается с коллективными силами. На полотне Пабло Пикассо «Портрет Амбруаза Воллара» 1910 г. контрасты цвета и фактурысведены до минимума, чтобы они не мешали выявлению конструкции и картина с ее приглушенной тональностью кажется почти монохромной. В одном и том же изображении одновременно представлены не просто несколько разных точек зрения, а несколько различных «истин», каждая из которых не менее «правдива», чем остальные.

Работы, которые эти кубисты выставляли в «Салоне» в 1911 и 1912 годах, выходили за рамки обычных для Сезанна тем – позирующих моделей, натюрмортов и пейзажей – которые предпочитали Пикассо и Брак и включали масштабные темы современной жизни. Разрушая внешнюю форму предметов, они обозначали их «скелеты» и использовали одновременно несколько точек зрения. Купер говорит о том, что: ««Авиньонских девиц», как правило, называют первым кубистическим изображением. Мастер геометрически анализирует форму, разделяет фигуру на отдельные геометрические формы и затем соединяет их снова. Основной упор делался на структуре и упорядоченности композиции.

5 самых талантливых представителей кубизма

Цветовое решение подчеркивало и дробило объем. В любом натюрморте предметы делятся на крупные, маленькие и самые мелкие. Рецензия на выставку вышла 8 октября 1911 года в Нью-Йорк Таймс. Они неизбежно были более осведомлены об отзывах общественности и необходимости общения. В этот «сезанновский» период кубизма (1907-09) геометризация форм подчеркивает устойчивость, предметность мира мощные гранёные объёмы как бы плотно раскладываются на поверхности холста, образуя подобие рельефа цвет, выделяя отдельные грани предмета, одновременно и усиливает и дробит объём (П.

В то же время зарождается и кубистическая скульптура. В последней, «синтетической» стадии (1912-14) побеждает декоративное начало, а картины превращаются в красочные плоскостные панно (П. В развитии кубизма выделяют три периода: сезановский, аналитический, синтетический. 1.

Кому и зачем может быть полезен кубизм

Пикассо, «А. Предмет изображения больше не рассматривался с определенной точки видения в конкретный момент времени, а строился, следуя за набором точек видения, т. е., как будто смотрели одновременно с многочисленных углов (и в нескольких измерениях) взглядом свободно перемещающимся от одного к другому. В начале 1907 года картина была завершена. До 1914 Брак, Пикассо и Леже (в меньшей степени), Грис получили поддержку единственного заинтересованного арт-дилера в Париже Даниэль-Анри Канвейлера, который гарантировал им годовой доход за исключительное право приобретения их работ. Наиболее ярко эта черта проявляется в раннем его творчестве в сезанновский период (1907-1909).

В 1907 г. П. Пикассо создал картину «Авиньонские девицы», она произвела сильное впечатление на Ж. Брака. Такое творчество содержало в себе вызов традициям реалистического искусства. Хуан Грис, новое приобретение салонного общества, выставил «Портрет Пикассо» (Чикагский институт искусств), в то время как две выставки Метценже включали «Женщину с лошадью» (La Femme au Cheval) 1911-1912 год (Национальная галерея Дании). Эти масштабные работы являются одними из крупнейших картин в истории кубизма. Следующая стадия развития кубизма – аналитическая (1910-1912). По утверждению Дугласа Купера: «Первой настоящей кубистской скульптурой была впечатляющая «Голова женщины» Пикассо, смоделирована в 1909-1910 годах, эквивалент в трёх измерениях для многих подобных аналитических и граненых голов в его картинах того времени».

Преодолев первоначальное отвращение, Щукин понял силу и выразительность «этих скандальных картин» и стал первым коллекционером кубизма в России. Сюжеты картин художников-кубистов (пока мы говорим только о творчестве Пикассо и Брака) незамысловаты, особенно это относится к раннему периоду – его называют «сезанновским» кубизмом (1907-1909). В 1911 году поэт и критик Гийом Аполлинер принял термин от имени группы художников, приглашённых выставляться в Брюсселе на выставке «Независимых».

Картины кубизма в нашей галереи

Композиции гармоничны и очень близки к классицизму. Это наоборот «связывает» предметы, нет пересчета. Кубизм знаменовал собой решительный разрыв с традициями реалистического искусства. Кубистская скульптура развивались параллельно с кубизмом в живописи. На «Арсенальной выставке» Пабло Пикассо выставил «Женщину с горчичницей» (1910), скульптуру «Голова женщины (Фернанда)» (1909-1910), «Два дерева» (1907) среди других кубистских работ.

В результате объект распадался на мелкие фрагменты, которые отделялись друг от друга и создавали из узнаваемых нами частей новое целое в зависимости от угла зрения. Впервые элементы синтетического кубизма появились в работах Хуана Гриса с 1911 года. Художники кубизма намерено ограничивали использование цветовой палитры. Способности и фантазии человека иногда просто поражают.

Кубизм – картины в стиле кубизма

Это произведение искусства было выдержано в стиле кубизм. Неоимпрессионистические структуры и темы, больше всего заметные в работах Жоржа Сёра (например, «Парад», «Канкан» и «Цирк»), были ещё одним важным влиянием. За чайником «поставим» вертикально тарелку. В 1918 году Розенберг представил серию выставок кубизма на своей галерее «LEffort Moderne» («Современное усилие») в Париже.

Луи Восель предпринимал попытки утверждать, что кубизм мёртв, но эти выставки, наряду с хорошо организованной кубистической выставкой «Салона независимых» в 1920 году и возрождение «Салона Золотого сечения» в том же году, показали, что он всё ещё жив. В других странах возник футуризм, супрематизм, дадаизм, конструктивизм и неопластицизм. Блюдце из-под чашки переносим под кусок торта. Считается, что истоки кубизма были заложены французским художником Полем Сезанном, который в письме молодому художнику Пабло Пикассо рекомендовал рассматривать окружающий его мир как некую совокупность различных геометрических фигур – цилиндров, квадратов, конусов, сфер.

котэ смешные картинки кубизм песочница удалённое

243, 9 х 233, 7 см. Автор книги «Тринадцать способов увидеть дрозда» Уоллес Стивенс также сказал, что демонстрирует то, как множественную перспективу кубизма можно перевести в поэзию. В период синтетического кубизма основным приемом становится коллаж. Периодический возврат к классицизму – фигуративное творчество, либо исключительно, либо наряду с кубизмом – с которым сталкивались многие художники в течение этого периода (так называемого неоклассицизма) был связан с тенденцией уклона от реалий войны, а также культурным преобладанием образа классической или латинской Франции во время и сразу после войны. Бесспорным лидером этого направления стал поэт и публицист Г. Аполлинер. Те, кто выбирают кубизм, делают более оригинальное заявление.

Он работает над натюрмортами и пейзажами используя практически одноцветную гамму. Например, оранжевого цвета больше всего за тарелкой, поменьше за ручкой турки и еще меньше в «кусочках» на столе. «Салон Золотого сечения» в галерее «La Boetie» в Париже в октябре 1912 года, был, возможно, самой важной выставкой кубизма перед Первой мировой войной демонстрируя кубизм широкой аудитории. Свободно намечайте рисунок многими линиями, можно помогать себе штриховкой. «Авиньонские девицы» свидетельствовали о том, что наступил вешний день переоценки прежних ценностей. Термины «аналитический» и «синтетический», появившиеся впоследствии, получили широкое признание начиная с середины 1930-х годов.

красивые картинки красная панда милота кубизм 5213

О чем может рассказать кубизм1. В это период преобладает декоративность, картины становятся больше похожи на панно. Этот техника, представляющая одновременность и различные точки видения (или сложное движение) дала толчок в высокой степени сложному монументальному произведению Глеза Le Dpiquage des Moissons («Молотьба урожая»), выставленному в «Салоне Золотого сечения» в 1912 году, «Изобилию» Ле Фоконье, показанному в «Независимых» в 1911 года и «Городу Париж» Делоне, показанному на «Независимых» в 1912 году.

Первая организованная групповая выставка кубистов состоялась в «Салоне независимых» в Париже весной 1911 года в помещении под названием «Зал 41» (Salle 41) она включала произведения Жана Метценже, Альбера Глеза, Фернана Леже, Робера Делоне и Анри Ле Фоконье, работы Пикассо и Брака ещё не выставлялись. До 1914 года был наиболее инновационный период кубизма. Кубизм указывает на что-то современное.

Считается, что Пикассо, как и Ж. Брак, этот совет воспринял буквально. Однако интенсивнее начал созревать аналитический кубизм тогда, когда зародился творческий союз «Золотое сечение» во главе со знаменитыми мастерами. В 1908 в Париже образовалась группа «Батолавуар» («Лодка-плотомойня»), куда входили Пикассо, Ж. Брак испанец X. Грис, писатели Г, Аполлинер.

кубизм германия что-то пошло не так песочница

Это в первую очередь абстракция, примитивизм и авангардизм. Французский критик Л. Восель впервые употребил термин кубист в 1908 году как насмешливое название художников изображающих действительность при помощи правильных геометрических объемных фигур (цилиндра, конуса, куба, шара).

Ранний период его творчества совпадает с периодом аналитического кубизма. Закрашиваем еще поверхности драпировок и стола.

Вскоре к фигуративным формам вернутся Метсенже Эрбен и Лафресне, а Джино Северини, самый кубистический среди футуристов, публично отречется от кубизма издав книгу «От кубизма до классицизма» («Du Cubisme au classicisme» J. Povolozky Paris, 1921), полную яростной критики современных живописных методов. Жорж Брак (1882-1963) – французский художник, скульптор, гравер, один из основоположников кубизма. Нередко в портретах встречается прием изображения лица одновременно в профиль и фас.

В каждом последующем было все меньше реалистичности и все больше геометрии. Современные взгляды кубизма сложны, сформировались в какой-то степени в ответ на кубистов «Зала 41», чьи методы слишком отличались от Пикассо и Брака и считаются лишь вторичными по отношению к ним. умение обобщить сложные явления и предметы до выразительной простоты. Оно также в значительной степени зависело от книги Даниэль-Анри Канвейлера «Der Weg zum Kubismus» («Путь к кубизму») (опубликована в 1920 году), которая фокусировалась на развитии Пикассо, Брака, Леже и Гриса.

Мастера постимпрессионизма предопределили важнейшие тенденции авангарда его ранний фронт наметился групповыми выступлениями представителей фовизма и кубизма. Кубизм – это модернистское течение в изобразительном искусстве (преимущественно в живописи) зародившееся в 1-й четверти XX века. Лишь Грис останется совершенно верен кубизму и приведет его к завершению. В истории кубизма принято выделять три периода: начальный (сезанновский, 1907—1909), аналитический (1909—1912) и синтетический (1913 – 1914).

На холсте изображены мощные объёмы, а цвет этот объём усиливает ещё больше. Жак Вийон представил семь важных и крупных гравюр, выполненных в технике «сухой» иглы, его брат Марсель Дюшан шокировал американскую публику картиной «Обнажённая, спускающаяся по лестнице 2» (1912). Разберём три стиля данного течения.

Маски поразили Пикассо до глубины души. Ж. Брак родился в Аржантее. Существовали правила, в рамках которых все творили. Пикассо и Брак часто включали в полотна определенные буквы или слова. Импульсом к кубизму стало посещение Пикассо выставки Африканских ритуальных масок вместе с его другом Жоржем Браком.

Начинать воспитывать годовалого ребёнка уже поздно. Кристофер Грин писал: «В любом случае, абсолютно не понятно, до какой степени эти кубисты зависят от Пикассо и Брака в развитии таких методов, как огранка, «переход» и множественная перспектива они вполне могли прийти к такой практике с незначительным знанием о «истинном» кубизме, находясь на ранних стадиях и руководствуясь, прежде всего, своим пониманием Сезанна». А также с лицом их творца, поскольку он без колебаний избрал для экспериментов свое собственное лицо, разложил его на части и, сильно встряхнув и перемешав, вновь сложил, что оказывает влияние на возникновение этих пяти патетических фигур на картине. Многих удивляло в «Автопортрете художника с палитрой» близкое сходство его с двумя центральными фигурами, взгляд которых предаётся остальным участникам композиции «Авиньонских девиц». Кубизм и современное европейское искусство были введены в США на легендарной «Арсенальной выставке» 1913 года в Нью-Йорке, которая затем отправилась в Чикаго и Бостон.

Второй этап кубизма – «Аналитический», для которого характерно дробление на мелкие части, которые свободно отделяются друг от друга, а образ словно расплывается на холсте. Поздний кубизм вплотную приблизился к абстрактному искусству («абстрактный кубизм» Р. Делоне), одновременно через увлечение кубизмом прошли, преодолев его воздействие, некоторые крупные мастера 20 в., стремившиеся к выработке современного лаконичного экспрессивного художественного языка, — мексиканец Д. Ривера, чехи Б. Кубишта, Э Филла итальянец Р. Гуттузо, поляк Ю. Т. Маковский и др. Пока мы «ищем» композицию, ритмы и равновесие. 2. Окружающий мир даёт лишь импульс к творчеству.

Выберем вертикальное расположение, чтобы показать ритмы драпировок сверху и снизу. Франсис Пикабиа показал абстракции «Танец весной» и «Шествие, Севилья» (обе 1912 года). Осенью 1909 года Пикассо создал «Голову женщины (Фернанду)» с положительными чертами при помощи негативного и положительного пространства. Часто на полотнах живописцев предмет воспроизводился с разных точек (проекций) зрения. Ж. Брак считал, что «чувства деформируют, рассудок – формирует». Смотрим, чтобы у нас не было равных предметом – турка немного больше торта и чашки. В 1913-1914 годах Леже создал серию под названием «Контрасты форм», делая подобное ударение на цвет, линии и формы.

7. Постоянно влекли авангард «странные миры» новой науки и техники из них он брал не только сюжетно-символические мотивы, но также многие конструкции и приемы. Он отражает отношение «художников Пасси», среди которых были Пикабиа и братья Дюшан, которым был прочитан параграф манифеста до его публикации.

Пикассо, «Три женщины», 1909, Ж. Брак «Эстак», 1908). Цветовая палитра сводилась к черному и белому. Мы вполне согласны с этим определением.

красивые картинки ядерный взрыв кубизм сделал сам удалённое

Каждая кубистическая картина представляет зрителю некоторые непростые отношения, как бы задачи, нуждающиеся в формулировке и решении: соотношение реальности и способов ее изображения, отношение между языковыми знаками разных типов и уровней, отношение между мысленным образом и зрительным результатом. Затем, немного подумав, добавил: «Но возможно прав он, а не я». Безусловно, кубизм в живописи произвел огромное потрясение.

Большая часть картин – это изображение натюрмортов со всевозможными предметами: музыкальные инструменты, бутылка вина, ноты, столовые приборы и др. По возвращении Пикассо завершает портрет «Гертруды Стайн» (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, «Варварских обнаженных» (Нью-Йорк, Музей современного искусства). Многих это смутило: новатор, соблазнивший стольких художников, вернулся к традициям.

спутник кубизм лицом к мекке песочница

Кубизм – (по-французски cubisme, от «cube» — «куб») — направление во французском искусстве 1900-х – 1910-х. Формы постоянно располагаются в пространстве по-разному. Художественный ответ, данный Пикассо на этот вопрос, прост, как все гениальное.

Это были реалистические произведения, написанные в неподражаемой индивидуальной манере. Начиная с 1912 года Делоне нарисовал серию картин «Одновременная окна», которая последовала за «Округлыми формами» и в которой он соединил плоские структуры с яркими призматическими оттенками основываясь на оптических характеристиках сочетаемых цветов, его отход от реальности в изображении образов был почти полным.

Фейнингер, О. Шлеммер). По словам Дэниэла Роббинса: «Полагать, что просто потому, что эти художники развивались по-разному или отошли от традиционного стиля, они заслужили, чтобы их оттеснили на второй план в кубизм – глубокое заблуждение». критик Л. Восель как насмешливое прозвище художников изображающих предметный мир в виде комбинаций правильных геометрических объёмов (куба, шара, цилиндра, конуса). Английский искусствовед Эрнст Гомбрих выводит истоки кубизма из творчества французского художника Поля Сезанна, приводя как пример его работы «Гора Сент-Виктуар со стороны Бельвю» и «Горы в Провансе», а также его ответ на письмо молодого Пабло Пикассо: «В одном из писем Сезанн рекомендует молодому художнику рассматривать натуру как совокупность простых форм— сфер, конусов, цилиндров.

«Золотое сечение», также известное как группа Пюто, основанное наиболее выдающимися кубистами, было объединением художников, скульпторов и критиков, которые ассоциировались с кубизмом и орфизмом, активны примерно в 1911-1914 годах и получившие известность после дискуссионной выставки «Салон независимых» 1911 года. Тот факт, что выставка 1912 года организовывалась, чтобы показать последовательные этапы, через которые прошёл кубизм и то, что трактат «О кубизме» был опубликован по данному случаю, указывает на стремление художников сделать их творчество понятным для широкой аудитории (арт-критиков, коллекционеров, арт-дилеров и широкой общественности). Сначала, художник делает набросок карандашом и кистью, после чего добавляет акрил и гель, завершая картину мастихином (нож для палитры). В другую группу, возникшую в 1911 в Пюто под Парижем и оформившуюся в 1912 на выставке «Сексьон дор» («Золотое сечение»), вошли популяризаторы и истолкователи кубизма – А. Глез, Ж. Метсенже, Ж. Виллон, А. Ле Фоконье и художники, лишь частично соприкоснувшиеся с кубизмом, – Ф. Леже, Р. Делоне, чех Ф. Купка. акт перемещения вокруг объекта с целью захватить его с нескольких углов, которые слились в единый образ (несколько точек зрения, мобильных перспективы, одновременности или кратность), является общепризнанным приёмом используемым кубистами.

1. Кубизм в живописи: история, виднейшие представители, картины
2. Кубизм — несколько крутых примеров использования в фотографиях
3. Кубизм – одно из самых ярких и популярных течений модернизма
4. Как рисовать в кубическом стиле
5. Кубизм, картины современных художников
6. Кубизм — художественное направление
7. Кубизм – манипуляция фото, креативный и смешные работы

Линии и формы заменяли чувства. И как бы ни пытались отделить «настоящего» Пикассо от «ненастоящего» времен «голубого» и «розового» периодов, несомненно, что именно тогда сформировались основные нравственные принципы его искусства, моральные критерии, гуманистические идеалы, глобальные темы творчества. Пикассо и товарищи приняли этот совет буквально и это дало начало новому стилю живописи. С чистой же абстракцией это далеко не всегда возможно. В аналитический период форма дробится на мелкие грани и сходящиеся под углом плоскости.

Он сложился под влиянием африканской скульптуры и работ Сезанна. Не страшно, в данном случае, что ручка у турки «ушла» за край листа. А из него, в свою очередь и произошло такое понятие, как кубистский стиль. Под воздействием этого действа и возникли знаменитые на всю планету «Авиньонские девицы» П. Пикассо (1907), это и стало зарождением кубизма.

• Мастер-классы от 10 лет и выше – Натюрморт
• Основание течения и первые творцы
• Нико Пиросмани: 9 фактов о голодном грузинском художнике
• Зимние пейзажи выдающихся художников
• 20 лучших фото с дронов за 2017-й по версии

Это были в основном серые, черные, коричневые цвета. Реди-мейд возник в результате единого мнения, что работа сама по себе считается экспонатом (так же, как и картина) и что она использует материальные осколки этого мира (как коллаж и папье-колле в кубистических конструкциях ассамбляже). Пикассо и его друзья восприняли совет буквально». Видно, что в произведениях 1909-1910 гг.

Однажды Пикассо написал старому мастеру письмо о своих поисках. В великолепных линиях «Авиньонских девиц» он оставил образ, чьи основные черты будут со временем схожи с чертами всех обликов. Существует чёткое различие между кубистами Канвейлера и кубистами Салона. Не бойтесь загораживать один предмет другим. Люди приводили на выставку своих детей. Сжимание композиций, чистота и чувство порядка отражаемого в этих работах, привело к тому, что критик Морис Рейнал назвал его «чистым» кубизмом.

1. Рождество Христово на картинах художников разных стран и эпох
2. Василий Кандинский: реальная жизнь великого абстракциониста
3. Уильям Блейк: необычные картины английского поэта
4. Клод Моне – человек, дарящий «впечатление»
5. Вася Ложкин – самый известный художник Рунета
6. 1913-й – революционный год в истории искусства и авангарда
7. Пиры вещей и смыслов (Выставка Бориса Михайлова в Музее книги и книгопечатания Украины)

Эта стадия направления получила название «синтетический кубизм». Это был его аналитический кубизм (1909-1912), когда Пикассо решил разрушить знакомый мир изобразительной простоты, разделить его на части, отдельные геометрические формы и соединить снова, как будто создать новую вселенную. Это особенно характерно для раннего этапа кубизма, сложившегося под влиянием живописи П. Сезанна (его посмертная выставка состоялась в Париже в 1907). О Пикассо никто не говорит спокойно одни его ругают, другие превозносят.

«Кубический» период творчества Пикассо критики разделяют на несколько этапов. Продолжаем разрабатывать композицию. Переверните эти кусочки, сложите их в композицию и наклейте на бумагу формата А2. Не старайтесь нарисовать все сразу одной линией.

• Михаэль Ханеке: какие фильмы посмотреть до «Хэппи энда»
• Риз Уизерспун – актриса, продюсер и филантроп
• Дэвид Тьюлис: каким вы его не видели
• Гэри Олдмен: 11 невероятных перевоплощений актёра
• Изабель Юппер: фильмы, которые нельзя пропустить

Оба термина исторически навязаны и возникнули после фактов, которые они определяют. Воллар», 1910, Ж. Брак, «В честь И. С. Баха», 1912). С одной стороны, фигуры изображены преувеличенно неуклюжими, с такими массивными и неуклюжими головами и туловищами, что их надо специально поддерживать. Цвета использовались в основном приглушенные и эта стадия известная как «аналитический кубизм», продолжалась с 1909 по 1912 гг. Пикассо, Грис и Делоне продолжат работать в манере созданной раньше, но около 1917 сам Пикассо покажет пример неверности кубизму, когда он сделает декорации для балета «Парад» в «помпейском стиле». Добавим несколько кубиков сахара – самых мелких предметов. Холст, масло.

Слово «кубисты» впервые употребил в 1908 франц.

Более существенно то, что Кристофер Грин утверждает, что термины Дугласа Купера были «впоследствии поставлены под сомнение интерпретациями творчества Пикассо, Брака, Леже и Грис, которые скорее подчёркивают иконографические и идеологические вопросы, чем методы представления». К тому же в этот период Пикассо интересовался африканской скульптурой, что также отразилось в его новой работе. На картине мы видим деформированные, огрубленные фигуры при отсутствии перспективы и светотени. Многие художники кубизма применяли интересный подход создавая картины кубизма. Для первого периода (до 1909г. ) были характерны массивные, несколько грубоватые формы, образованные пересечениями прямых и изломанных линий.

К какому направлению причисляют кубизм в живописи. В следующей, «аналитической» стадии кубизма (1910 – 12) предмет распадается, дробится на мелкие грани, которые чётко отделяются друг от друга: предметная форма как бы распластывается на холсте (П. Основным приемом синтетического периода (1913-1914) стал коллаж. Приобщать его к искусству следует ещё до его рождения. Объект изображения как бы собирается, синтезируется из разнородных фрагментов — графических знаков (нот, цифр, слов), схематичных рисунков, обрывков газет, цветной бумаги, обоев с орнаментом изобразительным рисунком или имитацией различных фактур.

Сложный коллаж. К тому же, любые попытки замаскировать суда в море были неудачными, поскольку приспособить тот или иной вид камуфляжа к постоянно изменяющимся условиям внешней среды (воде и небу) не удавалось. Английский искусствовед Дуглас Купер предложили другую версию, описав три этапа кубизма в своей книге «Эпоха кубизма». Существуют также параллели в развитии литературы и общественной мысли.

1. Дэвид Кроненберг: 5 фильмов, с которых стоит начать знакомство с режиссером
2. Майкл Кейн рекомендует: любимые фильмы и забавные истории актёра
3. 5 мест, которые стоит посетить, пока они не исчезли с лица Земли
4. Факты о крокодилах, после которых вам не захочется покупать из них сумочки
5. Пабло Пикассо – яркий представитель

На «Осеннем салоне» того же года, в дополнение к группе независимых художников «Залл 41» были выставлены произведения Андре Лота, Марсел Дюшана, Жака Вийона, Роже де ла Френе, Андре Дюнуайе де Сегонзака и Франтишека Купки. Новое направление искусствоведы трактовали по-разному. Наиболее крайними формами кубизма были не те, которые практиковал Пикассо и Брак, сопротивлявшиеся полной абстракции, а другие кубисты, особенно Франтишек Купка и те, которых Аполлинер относил к орфистам (Делоне, Леже, Пикабиа и Дюшан), принимая абстракцию, они полностью удаляли видимый предмет изображения. «Дома в Эстаке» Жоржа Брака (и связанные с ней работы) побудили критика Луи Воселя обратиться к bizarreries cubiques (кубическим странностям).

Рождение кубизма приходится на 1907-1908 года – канун первой мировой войны.

1. Общееколичествопросмотровстраницы
2. Каталог рекламных компаний России
3. Технические и стилистические аспекты
4. Все кубистические работы по годам
5. Публикации на тему: Иллюстрации

Хроматический жар», были крайне абстрактными (или нерепрезентативными) и метафизически ориентированными. Все предметы на полотне как будто составлены из геометрических фигур. Они регулярно встречались в мастерской Анри Ле Фоконье возле Бульвара де Монпарнас. Если бы эти пятна были бы одинаковые по размеру, они бы «спорили» между собой и вызывали зрительный дискомфорт. В этой работе прослеживается проработка художником геометрических форм (кругов, овалов и ромбов), направление линий рисунка к некоторой точке, а также нестандартный угол зрения: зритель смотрит на персонажей как бы немного сверху и слева.

Буквально следующие по важности революционеры от живописи – это кубисты. Вот таким образом были разработаны альтернативные интерпретации кубизма. В последнем известном как синтетический Кубизм, картины превращаются в красочные, плоскостные панно (Пикассо «Харчевня», 1913-1914 гг. ), формы становятся более декоративными, в рисунок вводятся буквенные трафареты и различные наклейки, образующие коллажи. В своём кубистическом изображении окружающий мир кажется хаосом из которого с трудом появляются некоторые «начальные элементы», напоминающие фигуры людей и предметов.

1. ХУДОЖНИК ПО ИНТЕРЬЕРУ И ЭКСТЕРЬЕРУ
2. Треугольник улёт, хоть на аву ставь
3. Автопортрет Пикассо в 16 и 72 года
4. Кубизм глазами фотошоп-мастеров
5. «Так выглядел бы Майнкрафт в реальной жизни»

Кубисты не подразделяли работы по жанрам (портрет, пейзаж, натюрморт), а давали им общее название – картина. Двухцветная фуга» и «Аморфа. Дробя цельную форму на грани, художник стремиться проникнуть в структуру вещей, произвести ее анализ, пытаясь «отыскать в объектах наиболее устойчивые элементы».

Мы «поддержим» это аналогичным «выходом» драпировки и стола за плоскость картины. В прессе появились критические заметки о «художнике-хамелеоне».

• Пабло Пикассо – «Три музыканта» а ведь правда)
• В Центральном выставочном зале в Перми проходит выставка «Саквояж»
• В Лувре нет средств для проведения выставки Джефа Кунса
• Спустя 10 лет после отмены принято решение вернуть премию имени Эдварда Мунка

Для конструирования объекта используются фактура поверхности, линии и узоры. Эти вечера часто посещали такие писатели, как Гийом Аполлинер и Андре Сальмон. Пикассо, «Гитара и скрипка», 1913 Ж. Брак, «Женщина с гитарой») появляется интерес ко всякого рода фактурным эффектам – наклейкам (коллажам), присыпкам, объёмным конструкциям на холсте, то есть отказ от изображения пространства и объёма как бы компенсируется рельефными материальными построениями в реальном пространстве. Веяние чего-то неординарного и интересного. Картина демонстрирует радикальный разрыв с традиционной точкой зрения в живописи. Тогда же появилась кубистическая скульптура с её геометризацией и сдвигами формы, пространственными построениями на плоскости (неизобразительные композиции и ассамбляжи – скульптуры из неоднородных материалов Пикассо, произведения А. Лорана, Р. Дюшан-Виллона, геометризированные рельефы и фигуры О. Цадкина, Ж. Липшица, вогнутые контррельефы А. П. Архипенко). Тем не менее, «Авиньонские девицы» – логическая картина, принятая в качестве отправной точки кубизма, так как знаменует рождение нового живописного стиля, так как в ней Пикассо яростно уничтожил установившиеся обычаи и так как всё последующее выросло из неё».

П. Пикассо «Авиньонские девицы» (1907). То же самое выражение, одни и те же глаза, сходство лиц, аналогичные цветовые тона. Музей современного искусства, Нью-ЙоркВ 1907 г. им были написаны «Авиньонские девицы». В то же время салонные кубисты строили свою репутацию, прежде всего, регулярно выставляясь на «Осеннем салоне» и «Салоне независимых», основных неакадемических салонах в Париже.

cubisme, oт cube – кyб) нaпpaвлeниe в иcкyccтвe пepвoй чeтвepти XX вeкa. «Сезановский» или ещё по другому «негритянский» период связан с открытием и переосмыслением примитивного искусства, начатых Полем Сезаном. Эта статья была опубликована через год после «Диких мужчины Парижа» Гелетта Берджесса и за два года до Арсенальной выставки, которая привела в изумление американцев, привыкших к реалистическому искусству, а также к экспериментальным стилям европейского авангарда, в том числе фовизму, кубизму и футуризму.

«Смерть хорошему вкусу. » – провозгласил Пикассо, спеша осуществить в «Авиньонских девиц» дерзкий замысел, подобно которому, пожалуй никогда не знала история искусства. Брак и Пикассо больше интересовались формой предмета. Так было и в Москве в 2011 году, когда очередь на выставку работ мастера не иссякала с утра до закрытия музея. Истоками стали картины Поля Сезанна и африканские скульптуры.

Подобное группирование стилей живописи и скульптуры, особенно значительное в 1917-1920 годах, практиковали несколько художников особенно те, кто был связан договором с арт-дилером и коллекционером Леонсом Розенбергом. Более широкие взгляды кубизма включают: художников, которые позднее были связаны с художниками «Зала 41», например, Франсис Пикабиа братья Жак Вийон, Раймон Дюшан-Вийон и Марсель Дюшан, который начинал в конце 1911 года, сформировав ядро «Золотого сечения» (или группа Пюто) скульпторы Александр Архипенко, Йожеф Чаки и Осип Цадкин, а также Жак Липшиц и Анри Лоран и такие художники как Луи Маркусси, Роже де ла Френе, Франтишек Купка, Диего Ривера, Леопольд Сюрваж, Огюст Эрбен, Андре Лот, Джино Северини (после 1916 г. ), Мария Бланшар (после 1916 г. ) и Жорж Вальмьер (после 1918 г. ).

Критики называют художника представителем современного кубизма. Картины кубизма действительно кажутся ограниченными в цветах, поскольку в основном тональность картин кубизма сводится к градациям охры, серым, черным и коричневым тонам.

Отцами кубизма считают Ж. Брака и П. Пикассо. Плacтичecкий язык кyбизмa ocнoвывaлcя нa дeфopмaции и paзлoжeнии пpeдмeтoв нa гeoмeтpичecкиe плocкocти, плacтичecкoм cдвигe фopмы. Но он шёл к кубизму постепенно, сначала просто огрубляя и упрощая контуры предметов.

Отсюда и появился авангардизм – результат развития множества творческих идей и планов. Формы, которые передаются в стиле кубизма, осязаемы, незамысловаты и просты. Это привело к ограниченному набору изображаемых предметов и жанров (натюрморт, реже пейзаж и портрет).

Второй период (1909 – 1912) отличается более мелкой деталировкой предмета изображения. Желание изобразить неизобразимое привело к упрощению жанров живописи. К сожалению, в коллекции ГМИИ нельзя проследить развитие этого периода творчества мастера. Тем не менее, кубисты исследовали эту концепцию глубже, чем Сезанн. Кубизм воспримет молодая аудитория, а также современные и активные жители города. Кубизм в рекламе стал возрождаться в 2000-х годах. С помощью изломов линий и фигур можно продемонстрировать направление движения. Кубизм в искусстве – это принципиально новый подход к формированию изображения на бумаге.

Вот таким образом у нас будет «перекличка» кругов, трапеций и цветных пятен. В этой группе сложились и были последовательно выражены основные принципы кубизма. В следующем году, в рамках подготовки к «Салону Золотого сечения», Метценже и Глез написали и опубликовали манифест «О кубизме», в попытке развеять путаницу, которая бушевала вокруг слова и в качестве основной защиты кубизма (что вызвало публичный скандал на «Салоне независимых» 1911 года и «Осеннем салоне» 1912 года в Париже). Баха», 1912 г. ).

Кубизм в искусстве — это принципиально новый подход к формированию изображения на бумаге. Его акриловые картины действительно затягивают своей выразительностью и эффектностью. Иногда художники накладывали фрагменты объекта друг на друга. Первая мировая война положила конец творчеству многих кубистов.

История искусств не знала художника, творчество которого вызывало бы столько споров. Кубизм – (фpaнц. Данное направление стремилось к обогащению мира созданными объектами эстетики. Определяемся с сюжетом и расположением листа. На такой шаг художников вдохновила африканская скульптура и творчество Поля Сезанна. В кубизме очень важны взаимосвязи между предметами.

Добавьте в коллаж несколько «реальных» предметов, например фрагменты газет с подходящими буквами. После выздоровления он вновь возвращается к творчеству. А в конце этого же года они начали близкое сотрудничество в кубистическом стиле.

Продавал их только небольшому кругу ценителей. Этот период в развитии кубизма был скорее переходным, чем самостоятельным. 3.

С другой стороны, в искусство все активнее входила «варварская» архаика, магия древности, примитив и фольклор (в виде заимствований из искусства негров Африки и народного лубка из других «неклассических» сфер творчества, прежде выносимых за рамки изящных искусств). После 1912 г. художники-кубисты в своих работах начинают использовать фрагменты «реального» мира, к примеру, клочки обоев, буквы, вырезанные из газет и небольшие кусочки тонкой фанеры, которые приклеивались на поверхность холста — так появились их первые коллажные картины. Такие картины поразили публику и Пикассо стали называть «демоническим Испанцем». Представители кубизма не считали, что художественная форма должна полностью соотносится с реальной и вот таким образом предметы на картинах кубизма выглядят более абстрактными и утрачивают связь со своими реальными прототипами. Цвет играет роль только постольку, поскольку он помогает изображать объемы». Также и другие цвета.

И таким образом кубизм, открывший массу новых возможностей для изобразительного искусства, постепенно перестал занимать мастера, создавшего его. Различия между пространством и формой стираются. Когда в 1907 году Пикассо представил работу «Авиньонские девицы», это произвело шок на публику. Какое бы не было сочетание цветов, скрывавшее корабль в одной ситуации, оно становилось заметным в других. Трудно избежать сравнения.

Пикассо бросил безжалостный взгляд на свое прошлое, на свое собственное лицо, равно как он быстро свел счеты с бурлящим, неистовым потоком истории. В 1904 и 1907 годах в Париже были выставки его трудов. Естественное влияние на развитие кубизма оказали опыты с конфигурацией в творениях Поля Сезанна. Делаем тени под блюдцем, у турки, кубиков сахара.

В этой манере вместе с Браком и Пикассо пишет Хуан Грис. Картины Пикассо 1907 года определяются как протокубизм, предшественник кубизма, что особенно видно в картине «Авиньонские девицы». Все большее разложение и искажение формы (особенно периода аналитического кубизма) привело к тому, что зрители стали воспринимать кубистические картины как абстрактные.

Построение усложняется и последовательно проводится единый принцип. Но отказ от декоративной вычурности раннего творчества происходит во время поездки летом 1906 в Андорру, в Госоль, где он впервые обратился к «примитивизму», чувственному и формальному, который он будет разрабатывать на протяжении всей своей творческой карьеры. В действительности, была выполнена сложная работа, чтобы эта картина появилась на свет.

Многие кубисты, включая Пикассо, Брака, Гриса, Леже, Глеза и Метценже развивали другие стили, периодически возвращаясь к кубизму, даже после 1925 года. Многие художники кубизма применяли интересный подход создавая картины кубизма. Она называлась «Кубисты доминирую на «Осеннем салоне» в Париже» и подзаголовок «Эксцентричная школа живописи увеличивает свою популярность на текущей выставке искусства – что её последователи пытаются сделать». Попробуйте «составить» свой натюрморт и изобразить его, учитывая особенности стиля «кубизм».

Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности и хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Изобразительному искусству учился сначала у отца, потом в мастерской художника декоратора. Картины синтезировались из разнородных материалов и фрагментов (обрывки газет и одежды, куски обоев, спичечные коробки, наклейки, всевозможные имитации, фактуры). В формировании пережило три стадии: сезанновскую, аналитическую и синтетическую. Возникновение этого направления изменило многие устоявшиеся принципы и эстетические представления в европейской живописи. Эта совокупность говорит и о преимуществе человеческой фигуры и неразрывности ее с пространством, которое окутывает и окружает ее.

.

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

Кубизм /сubisme | ART Узел

от /фр./ cubisme, от cube – куб (1907-1920-е годы)

Модернистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века. Термин «кубизм» появился в 1908 г., после того как художественный критик Луи Восель назвал новые картины Брака «кубическими причудами» (фр. bizarreries cubiques). Между 1908 и 1911 годами, кубизм был лабораторией, в которой ставили интенсивные опыты два человека: Пабло Пикассо и Жорж Брак. Художественная концепция кубизма строилась на попытке найти простейшие пространственные модели и формы вещей и явлений, в которых выразились бы вся сложность и многообразие жизни. По существу кубизм – это примитивизм, воспринимающий мир через формы геометрически правильных фигур. Свои истоки он брал в живописи П.Сезанна — прием пассажа (система зрительного перехода от одной хроматической и предметной зоны к другой, добиваясь эффекта симультанности) и африканской скульптуре, под влиянием которой появились знаменитые «Авиньонские девицы» П.Пикассо (1907), ознаменовавшие рождение кубизма. В живописи можно выделить три фазы этого направления, отражающие разные эстетические концепции, и рассмотреть каждую в отдельности: «сезанновский» (1907—1909), «аналитический» (1909—1912) и «синтетический» (1913—1914) кубизм. Для первого периода были характерны массивные, несколько грубоватые формы, образованные пересечениями прямых и изломанных линий. Второй период отличается более мелкой деталировкой предмета изображения. Дробя цельную форму на грани, художник стремиться проникнуть в структуру вещей, произвести ее анализ, пытаясь «отыскать в объектах наиболее устойчивые элементы». Это привело к ограниченному набору изображаемых предметов и жанров (натюрморт, реже пейзаж, и портрет). Основным приемом «синтетического» периода стал коллаж. Картины синтезировались из разнородных материалов и фрагментов (обрывки газет и одежды, куски обоев, спичечные коробки, наклейки, всевозможные имитации, фактуры). Художник не воспроизводил действительность, а зримо воплощал свои знания об изображаемом предмете, которые в воображении зрителя складывались в обозначенный сюжет. Кубизм открыл путь многим художественным направлениям и эстетикам ХХ века и, прежде всего, абстракционизму, реди-мейд и дадаизму.

Художники: Пабло Пикассо (Pablo Picasso), Жорж Брак (Georges Braque), Александр Архипенко (Alexander Archipenko), Хуан Грис (Juan Gris), Фернан Леже (Fernand Leger), Альбер Глез (Albert Gleizes), Жан Метценже (Jean Metzinger), Раймон Дюшан-Вийон (Raymond Duchamp-Villon), Андре Лот (Andre Lhote).

Выставки: 1908, галерея Канвейлера, Брак; 1910, Мюнхен, галерея Тангейзера, «Брак и Пикассо»; 1911, 1912, 1913, Париж, Салон независимых;1912, Париж, галерея Ля Боэти, «Золотое сечение»; 1913, Нью-Йорк, Армори-шоу, 1936, Музей современного искусства «Кубизм и абстрактное искусство».

Тексты: А.Глез, Ж.Меценже. «О кубизме», 1912; Д.-А.Канвейлер. «Рождение кубизма», 1931; А.Г.Барр-младщий «Кубизм и абстрактное искусство», 1936.

См. также статьи: Примитивизм, Папье-колле и коллаж, Орфизм.

Описание некоторых произведений:

Жорж Брак «Дома в Эстаке», 1908. Холст, масло. Берн, Художественный музей. В Эстаке Брак покончил с фовизмом и серией пейзажей открыл прекубистический преиод. В пейзажах воплотились уроки Сезанна, несомненно усвоенные на большой выставке Осеннего салона в Париже (1908), посвещенной мастеру — импрессионисту. Брак упрощает дома до элементарных кубических объемов. Пейзаж подчиняется строгой геометрической схеме, в свою очередь, подчиненной динамике, обусловленной несколькими точками зрения. Деревушка с домами, слепленными, как соты среди зелени, изображена сверху. Цвет наделен конструктивной функцией: написанные охрой фасады приобретают объем благодаря коричневым, зеленым и серым теням, прописанным длинными направленными мазками и точечными ударами кисти.

Жорж Брак «Дома в Эстаке», 1908

Хуан Грис «Натюрморт (скрипка и склянка чернил)», 1913. Холст, масло. Дюссельдорф, К 20, Художественные собрания земли Северная Рейн-Вестфалия. Этот натюрморт входит в серию композиций с изображением музыкальных инструментов — постоянного мотива в иконографии кубизма. «Синтетический» метод Гриса был противоположен фигуративности аналитического кубизма. «Я начинаю с организации картины в целом, — объяснял он, — затем намечаю предметы… Я конкретизирую то, что по началу абстрактно. Иду от общего к деталям, то есть, отталкиваясь от отвлеченного понятия, прихожу к реальному предмету».

Интерьер в стиле кубизм — 22 фото, 1 видео

Содержание:

Тенденции стиля кубизм в интерьере в значительной степени проистекают от одноименного стиля в искусстве, получившего популярность и развитие благодаря творчеству Пабло Пикассо.

Характерными чертами интерьера в стиле кубизм является использование холодной цветовой гаммы и причудливых, но обладающих строгой геометрией, линий. Благодаря прорезанию интерьера абстрактными четкими силуэтами линий, можно полностью изменить пространство, поиграть с его перспективой и зонированием.

Вернуться к содержанию

Кому подойдет интерьер в стиле кубизм

Интерьер в стиле кубизм всегда очень ярок и своеобразен. Он предназначен для творческих динамичных натур, не боящихся эксцентричных решений и первое время будет очень радовать хозяев квартиры и удивлять гостей.

Если же вы более склонны к консервативному подходу или просто хотите старого доброго уюта, то вам следует хорошенько задуматься о том, сможете ли вы жить в такой обстановке каждый день. Так как кубизм в корне ломает традиционное представление о комфорте в жилом помещении.

Вернуться к содержанию

Особенности и применение стиля кубизм

Использование приемов кубизма в построении интерьера порождает очень интересные оптические иллюзии и создает впечатление, что пространство и интерьер вывернуты наизнанку и деформированы. Такой интерьер удивляет и вызывает недоумение каждый раз, когда в него попадаешь.

Для традиционных семейных домов он уместен скорее локально, в оформлении одной небольшой зоны, которая может использоваться в качестве игровой или гостиной комнаты.

Вернуться к содержанию

Цветовая гамма стиля

В то же время, при буйстве линий, кубизму может быть свойственна абсолютно любая цветовая палитра. Но для того, чтобы уравновесить пространство, рекомендуется остановиться на сочетании нейтральных цветов с прохладными оттенками.

Видео: дом в Беверли Хиллз в стиле кубизм

Бежевый, серый или светло-коричневый цвет, покрывающий значительную часть стен, станет отличным фоном для голубоватых, фиолетовых или темно-зеленых линий, рассекающих пространство помещения. В качестве акцентов могут использоваться яркие, контрастные по отношению к дополнительному цвету аксессуары причудливых, но предельно четких форм.

Возможно также использование более ярких оттенков, но только при условии минималистского подхода к наполнению интерьера. Так, например, мотивы кубизма в интерьере кухни, которая по своему назначению не предполагает значительного наполнения мебелью или декором, могут приобретать яркие терракотовые и оранжевые оттенки, которые будут благотворно влиять на аппетит.

Гармоничность такого интерьера достигается благодаря тому, что для его создания при всей динамичности пространства подбираются лаконичные, предельно строгие формы, нередко дизайнерские предметы мебели и аксессуары.

Пабло Пикассо – биография, фото, личная жизнь, картины, причина смерти, работы, кубизм, художник

Биография

Пабло Пикассо — испанский живописец, основоположник кубизма, по опросу издания Тhe Times 2009 года самый известный художник XX столетия.

Детство и юность

Родился будущий гений 25 октября 1881 года в Андалузии, в селенье Малага. Отец Хосе Руис занимался живописью. Своим творчеством Руис не прославился, поэтому вынужден был устроиться на работу в местный музей изобразительного искусства смотрителем. Мать Мария Пикассо Лопес принадлежала к зажиточному роду владельцев плантаций винограда, но с детства испытала на себе, что такое нужда, так как отец бросил семью и переехал в Америку.

Pablo Picasso Self Portrait, c.1972 http://www.boredpanda.com/pablo-picasso-self-portrait-style-evolution/

Posted by Pablo Picasso on Monday, August 29, 2016

Когда у Хосе и Марии появился первенец, его окрестили именем Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Криспин Криспиньяно де ла Сантисима Тринидад Руис и Пикассо, в котором по традиции были указаны почитаемые предки и католические святые. После рождения Пабло в семье появилось еще две девочки — Долорес и Кончита, которых мать любила меньше обожаемого сына.

Мальчик был очень красив и талантлив. В 7 лет он уже начал помогать отцу в написании полотен. В 13 лет Хосе позволил сыну завершить объемную часть работы и был очень удивлен мастерством Пабло. После этого случая все свои художественные принадлежности отец отдал мальчику, а сам перестал писать.

Учеба

В этом же году юноша поступает в Академию художеств в город Барселону. Пабло не без труда удалось убедить преподавательский состав вуза в своей профессиональной состоятельности. Через три года учебы, набравшись опыта, юный студент переводится в Мадрид в престижную академию «Сан Фернандо», где на протяжении полугода изучает технику работы испанских художников Диего Веласкеса, Франсиско Гойи и Эль Греко. Здесь Пикассо создает картины «Первое причастие», «Автопортрет», «Портрет матери».

Юному живописцу не удалось в силу своенравного характера и вольного образа жизни удержаться в стенах учебного заведения, поэтому, бросив учебу, Пабло пускается в свободное плавание. Его близким другом к тому времени становится такой же строптивый американский студент Карлес Касагемас, с которым Пабло неоднократно посещает Париж.

Первые поездки друзья посвящали изучению живописи Делакруа, Тулуз Лотрека, Ван Гога, Гогена, а также древних финикийских, египетских фресок, японских гравюр. Молодые люди завели знакомство не только с представителями богемы, но и с богатыми коллекционерами.

Творчество

Впервые Пабло начинает подписывать собственные картины псевдонимом Пикассо, девичьей фамилией своей матери. В 1901 году случается трагедия, которая наложила отпечаток на творчество художника: его друг Карлес заканчивает свою жизнь самоубийством из-за несчастной любви. В память об этом событии Пабло создает ряд картин, которые принято относить к первому «Голубому периоду».

Обилие синих и серых цветов на картинах объясняется не только подавленным состоянием юноши, но и отсутствием денежных средств на масляную краску других оттенков. Пикассо пишет работы «Портрет Хайме Сабартеса», «Свидание», «Трагедия», «Старый еврей с мальчиком». Все картины пронизаны ощущением тревоги, уныния, страха и тоски. Техника письма становится угловатой, рваной, перспектива заменяется жесткими контурами плоских фигур.

В 1904 году, несмотря на отсутствие финансов, Пабло Пикассо решается на переезд в столицу Франции, где его ждут новые впечатления и события. Перемена места жительства дала толчок второму периоду творчества художника, который принято называть «Розовым». Во многом на жизнерадостность картин и их сюжетный ряд повлияло место, где жил Пабло Пикассо.

Pablo Picasso — Fillette à la boule (1905) (Acrobata e giovane equilibrista, Girl on the Ball)

Posted by Arte per poveri on Monday, May 20, 2013

В основании Монмартрского холма стоял цирк Медрано, артисты которого и служили натурой для произведений молодого художника. За два года была написана целая серия картин «Актер», «Сидящая обнаженная», «Женщина в рубашке», «Акробаты. Мать и сын», «Семейство комедиантов». В 1905 году появилось самое значительное полотно этого периода «Девочка на шаре». Через 8 лет картину приобрел российский меценат И. А. Морозов, который и привез ее в Россию. В 1948 году «Девочка на шаре» была выставлена в музее им. А. С. Пушкина, где и находится до сих пор.

Художник постепенно отходит от изображения натуры как таковой, в его творчестве появляются модернистские мотивы с использованием чистых геометрических форм, из которых составляется структура изображаемого объекта. Пикассо интуитивно подошел к новому направлению, когда создавал портрет своей поклонницы и меценатки Гертруды Стайн.

В 28 лет Пикассо пишет картину «Авиньонские девицы», которая и стала предшественницей произведений, написанных в стиле кубизма. Портретный ансамбль, на котором были изображены обнаженные красавицы, был встречен большим потоком критики, но Пабло Пикассо продолжил развитие найденного направления.

Brigitte Bardot e Pablo Picasso

Posted by Cinema Clássico on Sunday, October 7, 2012

Начиная с 1908 года появляются полотна «Бидон и миски», «Три женщины», «Женщина с веером», «Портрет Амбруаза Воллара», «Завод в Хорта де Сан Хуан», «Портрет Фернанды Оливье», «Портрет Канвейлера», «Натюрморт с плетеным стулом», «Бутылка перно», «Скрипка и гитара». Новые работы характеризуются постепенным усилением плакатности изображений, приближением к абстракционизму. Наконец, Пабло Пикассо, несмотря на скандальность, начинает хорошо зарабатывать: картины, написанные в новом стиле, приносят прибыль.

В 1917 году Пабло Пикассо предоставилась возможность сотрудничества с «Русскими сезонами» Сергея Дягилева. Жан Кокто предложил мэтру балета кандидатуру испанского художника в качестве создателя эскизов к декорациям и костюмам новых постановок. Для работы на время Пикассо перебрался в Рим, где познакомился с первой супругой Ольгой Хохловой, русской танцовщицей, дочерью эмигрировавшего офицера.

Светлый период жизни отразился и на творчестве художника — на время Пикассо отходит от кубизма, и создает ряд полотен в духе классического реализма. Это прежде всего «Портрет Ольги в кресле», «Купальщицы», «Женщины, бегущие по пляжу», «Детский портрет Поля Пикассо».

Сюрреализм

Пресытившись жизнью состоятельного буржуа, Пабло Пикассо возвращается к прежнему богемному существованию. Переломный момент ознаменовался написанием в 1925 году первой картины в сюрреалистической манере «Танец». Искаженные фигуры танцующих, общее ощущение болезненности надолго поселились в творчестве художника.

Неудовлетворенность личной жизнью отразилась в женоненавистнических картинах Пикасо «Зеркало», «Девушка перед зеркалом». В 30-е годы Пабло увлекся созданием скульптур. Появляются работы «Лежащая женщина», «Мужчина с букетом». Одним из экспериментов художника становится создание иллюстраций в виде гравюр к произведениям Овидия и Аристофана.

Военный период

В годы испанской революции и войны Пабло Пикассо находится в Париже. Художник в 1937 году создает полотно «Герника» в черно-белых тонах по заказу правительства Испании для Всемирной выставки в Париже. Небольшой городок на севере Испании был полностью стерт с лица земли весной 1937 года немецкой авиацией. Народная трагедия нашла отражение в собирательных образах погибшего воина, скорбящей матери, разрубленных на части людей. Символом войны у Пикассо становится изображение быка Минотавра с большими безразличными глазами. С 1992 года полотно хранится в музее Мадрида.

В конце 30-х годов появляются картины «Ночная рыбалка на Антибах», «Плачущая женщина». Во время войны Пикассо не эмигрировал из оккупированного немцами Парижа. Даже в стесненных бытовых условиях художник продолжал работать. В его картинах «Натюрморт с бычьим черепом», «Утренняя серенада», «Бойня» и скульптуре «Человек с ягненком» появляются темы смерти и войны.

Послевоенное время

Радость жизни вновь поселяется в картинах мастера, созданных в послевоенный период. Красочность палитры и светлые образы нашли свое воплощение в цикле жизнеутверждающих панно, которые Пикассо создавал для частной коллекции в содружестве с художниками Паломой и Клодом Уже.

«Le Taureau», 1945, Pablo Picasso

Posted by House Spain on Monday, August 3, 2020

Излюбленной тематикой этого периода для Пикассо становится древнегреческая мифология. Она находит воплощение не только в живописных полотнах мастера, но и в керамике, которой увлекся Пикассо. В 1949 году для Всемирного Конгресса сторонников мира художник пишет полотно «Голубь мира». Создает мастер и вариации в стиле кубизма на темы живописцев прошлого — Веласкеса, Гойи, Мане.

Личная жизнь

С молодых лет Пикассо был постоянно в кого-то влюблен. В юности подругами и музами начинающего художника становились натурщицы и танцовщицы. Первую любовь молодой Пабло Пикассо испытал, учась в Барселоне. Девушку звали Росита дель Оро, она работала в кабаре. В Мадриде художник познакомился с Фернандо, которая на несколько лет стала его верной подругой. В Париже судьба свела молодого человека с миниатюрной Марсель Умбер, которую все называли Евой, но скоропостижная смерть девушки разлучила влюбленных.

Pablo Picasso adjusting a necklace he made for Jacqueline Roque.

Posted by Brian Young on Thursday, January 21, 2021

Работая в Риме с русской балетной труппой, Пабло Пикассо женится на Ольге Хохловой. Молодожены обвенчались в русском храме на окраине Парижа, а затем переехали в особняк на берегу моря. Приданое девушки, а также доходы от продажи работ Пикассо позволяли семье вести жизнь зажиточных буржуа. Через три года после свадьбы у Ольги и Пабло рождается первенец, сын Пауло.

Вскоре Пикассо пресыщается хорошей жизнью и вновь становится свободным художником. Он поселяется отдельно от жены и начинает встречаться с молодой девушкой Мари-Терез Вальтер. От внебрачного союза в 1935 году на свет появляется дочь Майя, которую Пикассо так и не признал.

Guernica, obra de Pablo Picasso

Posted by Revista Archivos del Sur on Thursday, October 25, 2018

Во время войны очередной музой мастера становится югославская подданная, фотограф Дора Маар, которая своим творчеством подтолкнула художника на поиски новых форм и содержания. Дора осталась в истории как владелица большой коллекции картин Пикассо, которые она сохранила до конца своей жизни. Известны также ее фото полотна «Герника», на которых поэтапно изображен весь путь создания картины.

После войны художник знакомится с Франсуазой Жило, которая внесла в его творчество ноту радости. На свет появляются дети — сын Клод и дочь Палома. Но в начале 60-х годов Жаклин уходит от мастера из-за его постоянных измен. Последней музой и второй официальной женой 80-летнего художника становится обычная продавщица Жаклин Рок, которая боготворила Пабло и оказывала большое влияние на его круг общения. После смерти Пикассо, спустя 13 лет, Жаклин не выдержала разлуки и покончила жизнь самоубийством.

Смерть

В 60-е годы Пикассо полностью отдает всего себя созданию женских портретов. В качестве натурщицы художнику позирует его последняя жена Жаклин Рок. К концу жизни Пабло Пикассо обладал уже мультимиллионным состоянием и несколькими личными замками.

За три года до смерти гения в Барселоне был открыт музей его имени, а через 12 лет после его смерти — музей в Париже. За свою долгую творческую биографию Пикассо создал 80 тысяч полотен, более 1000 скульптур, коллажи, рисунки, эстампы.

8 апреля 1973 года на фоне воспаления легких сердце 92-летнего гения остановилось.

Картины

• «Первое причастие», 1895-1896 гг.
• «Девочка на шаре», 1905 г.
• «Сидящий на красной скамье Арлекин», 1905 г.
• «Девушка в сорочке», 1905 г.
• «Семейство комедиантов», 1905 г.
• «Портрет Гертруды Стайн», 1906 г.
• «Авиньонские девицы», 1907 г.
• «Молодая дама», 1909 г.
• «Мать и ребенок», 1922 г.
• «Герника», 1937 г.
• «Плачущая женщина», 1937 г.
• «Франсуаза, Клод и Палома», 1951 г.
• «Мужчина и женщина с букетом», 1970 г.
• «Объятия», 1970 г.
• «Двое», 1973 г

20 самых известных картин кубизма

Кубизм был художественным движением, которое полностью изменило облик европейской живописи и скульптуры и вызвало аналогичные движения в музыке, литературе и архитектуре. Он считается художественным движением, оказавшим наибольшее влияние на современное искусство. В этой статье представлены 20 самых известных картин, посвященных искусству кубизма.

Часто, когда люди рассматривают концепцию кубизма, это почти всегда в основном в терминах живописи, но вы обнаружите, что одно из самых интригующих проявлений кубизма имело место в Чехословакии между 1911-1914 годами и включало скульптуру, мебель и здания. , многие из которых все еще существуют.

Бокал пива и игральные карты Хуана Гриса

Бокал пива и игральные карты — это картина, написанная Хуаном Грисом в 1913 году. На этой картине Хуан использует узор из вертикальных полос, образующих иллюзия пива. Картину можно увидеть в Художественном музее Колумбуса в Огайо.

Портрет Пабло Пикассо — Хуан Грис

Портрет Пабло Пикассо — это картина, написанная Хуаном Грисом в 1912 году.Грис встречает Пабло Пикассо и Жоржа Брака в Париже, и после шести лет работы с ними он, наконец, был идентифицирован как художник-кубист. Размеры картины 93,3 х 74,4 см.

Арлекин с гитарой — Хуан Грис

Арлекин с гитарой — картина, написанная Хуаном Грисом в 1917 году. Арлекин был стандартным персонажем, обманщиком в кубизме в итальянской комедии шестнадцатого века. Художнику очень понравился этот предмет для рисования.Размеры картины 100,3 × 65,1 см.

Авиньонские девицы — Пабло Пикассо

Авиньонские девицы — картина, написанная Пабло Пикассо в 1907 году. Название означает «Авиньонские девицы» и первоначальное название этой картины. был бордель Авиньона. Испанский художник изображает пять обнаженных проституток.

Человек с гитарой — Жорж Брак

Человек с гитарой — это картина, написанная Жоржем Браком в 1912 году.Работа, изображенная на этой картине, обычно называется аналитическим кубизмом. Художник использовал гвозди и веревки, чтобы изобразить человека, играющего на гитаре. Размер картины 116,2 х 80,9 см.

Плачущая женщина Пабло Пикассо

Плачущая женщина — картина, написанная Пабло Пикассо в 1937 году. В том году испанский художник много раз пересматривал тему этой картины. Картину можно увидеть в галерее Тейт Модерн в Лондоне.

«Девушка перед зеркалом». Пабло Пикассо.

«Девушка перед зеркалом» — картина, написанная Пабло Пикассо в 1932 году. Эта картина широко известна как шедевр Пикассо и интерпретация девушки и ее возлюбленного. . Девушка на этой картине изображена женой Пабло.

Обнаженная спускающаяся по лестнице, № 2 Марселя Дюшана

Обнаженная спускающаяся по лестнице, No.2 — это картина, написанная Марселем Дюшаном в 1912 году. Работа на этой картине широко признана и считается классикой модернизма. Эту картину можно увидеть в Художественном музее Филадельфии в Филадельфии.

Скрипка и подсвечник от Жоржа Брака

Скрипка и подсвечник — это картина, написанная Жоржем Браком в 1910 году. Стиль этой картины называется «Аналитический кубизм», над которым вместе работали Брак и Пикассо. Эта картина создает иллюзию в сознании зрителей.

Женщина с гитарой — Жорж Брак

Женщина с гитарой — это картина, созданная Жоржем Браком в 1913 году. Брак создает уникальные визуальные элементы, а текст использовался такими художниками, как Брак и Пикассо, чтобы дать определенную картину. имея в виду. Это очень большая картина размером 130 на 73 см.

«Женщина с флоксами» Альберта Глейза

«Женщина с флоксами» — это картина, написанная Альбертом Глейзесом в 1910 году.Он также широко известен под названием «Женщина с флоксом» или «Женщина с цветами». Картину можно увидеть в Музее изящных искусств в Хьюстоне.

Корзина яблок Поля Сезанна

Корзина яблок — это картина, написанная Полем Сезанном в 1895 году. Известно, что она имеет разрозненную перспективу. На этой картине изображены бутылка, наклонная корзина, полная яблок и сетка для печенья, а также яблоки, лежащие на столе. Эту картину можно увидеть в Чикагском институте искусств в Чикаго.

«Я и деревня» Марка Шагала

«Я и деревня» — это картина, написанная Марком Шагалом в 1911 году. На этой картине российско-французский художник нарисовал множество перекрывающихся изображений в непрерывном пространстве. . Его можно посмотреть в Музее современного искусства в Нью-Йорке.

Дора Маар в чате, Пабло Пикассо

Дора Маар в чате, картина Пабло Пикассо в 1941 году. На этой картине испанский художник изобразил Дору Маар сидящей на стуле и маленьком шляпа на ней была.Считается, что любовницей художника была Дора Маар.

Скрипка и шахматная доска Хуана Гриса

Скрипка и шахматная доска — это картина, написанная Хуаном Грисом в 1913 году. Эта картина изображает качество гриса, и посетители должны были обратить на нее пристальное внимание. Размер картины 100 х 65 см.

Ма Джоли — Пабло Пикассо

Ма Джоли — это картина, созданная Пабло Пикассо в период с 1911 по 1912 год.Ма Джоли означает «Моя красивая девушка». Это был музыкальный номер, исполненный в мюзик-холле, который художник тоже вдохновил на его написание. Размер картины 100 х 64,5 см.

«Купальщицы» Поля Сезанна

«Купальщицы» — картина Поля Сезанна, созданная в период с 1898 по 1905 год. Сезанн написал множество серий картин, и «Купальщицы» были одной из самых длинных и крупных картин. Эту картину можно увидеть в Художественном музее Филадельфии в Филадельфии, США.

Майя с куклой Пабло Пикассо

Майя с куклой — это картина, написанная Пабло Пикассо в 1938 году. Известная газета New York Times описывает эту работу как красочный кубистский портрет дочери Пикассо. Это прекрасное произведение кубизма.

Аккордеонист — Пабло Пикассо

Аккордеонист — картина, созданная Пабло Пикассо в 1911 году. На этой картине Пикассо изобразил человека, играющего на аккордеонисте.Эту картину можно увидеть в Музее Соломона Р. Гуггенхайма в Нью-Йорке, США.

Город — Фернан Леже

«Город» — это картина, написанная Фернаном Леже в 1919 году. Французский художник нарисовал многих людей, как изображения, создающие иллюзию города. Картина получила высокую оценку многих критиков. Эту картину можно увидеть в Художественном музее Филадельфии в Филадельфии.

Кубизм — художественный термин | Тейт

Кубизм был одним из самых влиятельных стилей двадцатого века.Принято считать, что оно началось примерно в 1907 году со знаменитой картины Пикассо « Девушек д’Авиньон », в которую были включены элементы кубизма. Название «кубизм», похоже, произошло от комментария критика Луи Вокселля, который, увидев некоторые картины Жоржа Брака, выставленные в Париже в 1908 году, описал их как сводящие все к «геометрическим очертаниям, кубам».

Кубизм открыл почти бесконечные новые возможности для обработки визуальной реальности в искусстве и стал отправной точкой для многих более поздних абстрактных стилей, включая конструктивизм и неопластизм.

Разбивая объекты и фигуры на отдельные области — или плоскости — художники стремились показать разные точки зрения одновременно и в одном пространстве и тем самым предложить их трехмерную форму. При этом они также подчеркнули двумерную плоскость холста вместо создания иллюзии глубины. Это ознаменовало революционный разрыв с европейской традицией создания иллюзии реального пространства с фиксированной точки зрения с использованием таких устройств, как линейная перспектива, которая доминировала в представлении с эпохи Возрождения.

Что вдохновило кубизм?

На кубизм частично повлияли поздние работы художника Поля Сезанна, в которых можно увидеть, что он рисует вещи с немного разных точек зрения. Пабло Пикассо также был вдохновлен масками африканских племен, которые сильно стилизованы или ненатуралистичны, но, тем не менее, представляют собой яркий образ человека. «Голова, — сказал Пикассо, — это глаза, нос, рот, которые можно расположить как угодно».

Типы кубизма: аналитический и синтетический

Кубизм можно рассматривать как два отдельных этапа: начальный и более строгий аналитический кубизм и более поздний этап кубизма, известный как синтетический кубизм.

• Аналитический кубизм действовал с 1908 по 12 год. Его произведения выглядят более сурово и представляют собой переплетение плоскостей и линий в приглушенных тонах черного, серого и охрового цветов.
• Синтетический кубизм — это более поздняя фаза кубизма, обычно относящаяся к периоду с 1912 по 1914 год и отличающаяся более простыми формами и более яркими цветами. Синтетические кубистические работы также часто включают коллажированные реальные элементы, такие как газеты. Включение реальных объектов непосредственно в искусство стало началом одной из важнейших идей современного искусства.

Объяснение синтетического кубизма — плоскости, формы и преимущества

2 мая 2016 г.

Пабло Пикассо, отец кубизма, был известен своим рвением к развитию. Изобретя аналитический кубизм в 1907 году, он легко мог бы просто рисовать в этом стиле в течение десятилетий и при этом стать богатым и знаменитым. Но вместо этого он продолжал экспериментировать, помогая изобрести то, что стало известно как Synthetic Cubism в 1911 году, добавив к аналитическому кубизму расширенную цветовую палитру, новые текстуры, более простые формы, новые материалы и упростив использование точки обзора и плоскости.Со времени своего изобретения примерно до 1920 года синтетический кубизм считался вершиной авангарда. Это расширило спектр способов исследования реальности художниками и способствовало развитию дадаистов, сюрреалистов и даже поп-арта.

Синтетический кубизм в 200 словах

Синтетический кубизм возник в результате отхода от этих техник в попытке создать что-то еще более реальное. Пикассо, Брак и художник Хуан Грис снова добавили яркую цветовую гамму в свои работы, вернули глубину и уменьшили количество одновременных перспектив и плоскостей в своих изображениях.Что наиболее важно, чтобы придать своим картинам максимальное ощущение реальности, они начали добавлять в свои работы бумагу, ткань, газетную бумагу, текст и даже песок и грязь, пытаясь полностью ощутить суть своего предмета.

Пабло Пикассо — Натюрморт с плетением стула, 1912, Масло на клеенке поверх холста, окаймленного веревкой, 29 × 37 см, Национальный музей Пикассо, Париж, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Новые материалы и методы

В 1912 году Пикассо создал произведение искусства, которое считается первым образцом коллажа и определяющим примером синтетического кубизма: Натюрморт со стулом .Работа представляет собой кубистское изображение столика в кафе с выбором блюд, газетой и напитками. В дополнение к традиционным средствам, Пикассо добавил на поверхность картины участок плетеного стула, который традиционно использовался на стульях в кафе. Это, казалось бы, тривиальное дополнение имело огромные последствия для современного искусства. Вместо того, чтобы рисовать стул, на картину накладывали часть стула. Вместо того, чтобы показывать что-то с разных точек зрения, чтобы это выглядело реальным, Пикассо просто поместил реальный объект или, по крайней мере, его часть прямо на работу.

Пикассо также добавил текст к этой части, написав буквы «JOU» поперек части поверхности. Это слово «Jou» дословно можно перевести с французского как «игра», что способствовало появлению у многих людей ощущения, будто Пикассо задумал синтетический кубизм, чтобы вернуть в искусство чувство легкомыслия после академической серьезности аналитического кубизма. Тем не менее, «JOU» также легко могло быть обозначено как первая часть французского термина для ежедневной газеты или журнала, отсылки к фрагменту газеты, изображенному на картинке.

Хотя Пикассо и добился первого, добавив кусочек тростника к своей работе, он не был первым кубистом, добавившим текст к картине. В 1911 году Жорж Брак создал работу под названием « Португальский », ставшую первой кубистской работой, в которой использовались буквы. Как в первом коллаже Пикассо, так и в первом тексте Брака очевиден отход от серьезного и чрезмерно сложного характера некоторых из их более поздних работ аналитического кубизма. Изображения на этих произведениях искусства кажутся причудливой простотой.Перспективы упрощаются, а изображения становятся почти игривыми, похожими на антропоморфные изображения в рекламных картинках.

Жорж Брак — Португальский, 1911, холст, масло, 116,7 × 81,5 см, Национальный музей Пикассо, Париж, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

В 1912 году, Брак откроет новую землю еще как минимум два раза. В том же году он стал первым художником-кубистом, который добавил песок в картину, чтобы добавить текстуру и глубину в работу, а также стал первым, кто применил технику, известную как papier colles, которая относится к склеиванию вырезанных деталей. бумаги на поверхность.Обе эти техники были использованы в его работе «Блюдо с фруктами и бокал». На этой картине он нанес вырезанные кусочки обоев прямо на поверхность, а затем закрасил их краской с песком, добавив глубины и текстуры изображению.

Braque также включил в эту часть текст, используя четко определенные и легко читаемые слова «Ale» и «Bar». Эти слова бросают вызов граням, разделяющим рекламные образы и так называемое высокое искусство. Комбинация всех трех этих техник в конечном итоге оказала большое влияние на дадаистов, которые в значительной степени полагались на коллаж и текст, чтобы запутать и затемнить очевидные значения в своих работах и ​​бросить вызов буржуазным представлениям об искусстве.

Жорж Брак — Блюдо с фруктами и бокал, 1912, 62,9 × 45,7 см, © 2020 Artists Rights Society (ARS), Нью-Йорк

Плоскости, формы, точки обзора и цвета

Художник Наиболее ответственным за привнесение ярких красок в синтетический кубизм был испанский художник-кубист Хуан Грис. Грис также использовал существенно упрощенный визуальный язык, который превосходно демонстрирует уменьшенное количество точек обзора и упрощенное использование форм и плоскостей, которые определяют синтетический кубизм.В работах Гриса «Газета» и «Фруктовое блюдо» мы видим все эти элементы в игре. В этой же картине мы также видим многие причины, по которым синтетический кубизм часто рассматривается как предвестник поп-арта.

Не только синтетические кубисты играли с понятиями размытой границы между низким и высоким искусством, искусством и рекламой. Эта картина также удивительно напоминает точки Бен-Дея Роя Лихтенштейна и, кажется, почти идентично предвещает повторение, расположение изображения и цветовую палитру буйвола II Роберта Раушенберга.

Роберт Раушенберг — Буффало II, 1964, Холст, масло, тушь для шелкографии. 96 x 72 дюйма (243,8 x 183,8 см). © Фонд Роберта Раушенберга / Лицензия VAGA на Artists Right Society (ARS), Нью-Йорк

Ранние картины аналитического кубизма включали в себя так много разных точек зрения, что сложность изображений стало почти невозможно разгадать. Их предмет казался абстрактным до неузнаваемости: каждая точка зрения была представлена ​​отдельными геометрическими фигурами на отдельной плоскости, и каждая плоскость казалась наложенной друг на друга, а затем снова сплющенной.А геометрические формы, используемые в картинах аналитического кубизма, временами казались почти прозрачными. Они были раскрашены таким образом, чтобы демонстрировать скорость, вибрацию и движение. Они представляли разное время суток, разное освещение и разные точки обзора.

Хуан Грис — Газета и блюдо с фруктами, 1916, холст, масло. 93,5 x 61 см, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк

Добавив яркую цветовую палитру обратно в кубистские картины, Хуан Грис придал стилю ощущение игривости и волнения, которого не хватало в ранних кубистских работах.А упрощенный визуальный словарь Гриса представил идею о том, что кубизм может достигать своих целей простым, упрощенным и эстетически приятным способом. В картине Гриса « Скрипка, » он достигает абсолютно минимального количества точек обзора, форм и плоскостей, чтобы все еще считаться работой кубизма. Полученное изображение больше похоже на пример кубизма, чем на его строгое определение.

Хуан Грис — Скрипка, 1916, масло на трехслойной панели, 116.5 x 73 см, Художественный музей, Базель

Синтетика: другое слово для подделки?

Добавляя письменность и кусочки повседневных предметов в свои картины, Пикассо, Брак и Гри стремились соединиться с расширенным чувством реальности своих предметов. Но, добавляя эти искусственные элементы к своим работам, они также создавали что-то явно нереальное и непохожее ни на одно из произведений искусства кубизма, существовавших ранее. Иногда они даже рисовали формы, похожие на коллаж, смешивая имитированные элементы коллажа с настоящими элементами коллажа в одной и той же работе.Этот новый стиль был назван синтетическим кубизмом именно по этой причине из-за искусственного характера используемых техник по сравнению с серьезностью кубистских работ, которые были раньше.

Синтетический кубизм был более символическим, чем аналитический кубизм. Он не стремился достичь повышенного взгляда на четырехмерную реальность. Скорее, он пытался намекнуть на действительность, но в искаженном виде. Это была трансформация, которая внесла огромный вклад в теории и исследования сюрреализма.

Синтетический кубизм также бросил вызов различиям между живописью и скульптурой. Вместо того, чтобы разбивать изображение на части, а затем повторно собирать его с разных точек зрения, синтетический кубизм собирал изображение, выстраивая его из плоской поверхности в многослойный объект, как трехмерный объект, покоящийся на двухмерной поверхности. . Во всех этих отношениях синтетический кубизм подошел к своим достижениям через ясный и преднамеренный парадокс: создавая все более ложные работы, они достигли чего-то еще более реального.

Представленное изображение: Пабло Пикассо — Три музыканта, 1921, © 2020 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк,
Все изображения используются только в иллюстративных целях Art

Провозглашенный самым инновационным и инструментальным авангардным движением, Кубизм агрессивно противостоял основным западным концепциям графического изображения. Картины кубизма открыли самую революционную главу в истории искусства, спровоцировав подлинное культурное пробуждение. Представители этого движения, а именно Picasso и Georges Braque , стремились возродить утомленные стандарты искусства, которые, по их мнению, исчерпали себя. Благодаря своему словарю кубиков, конусов, сфер и цилиндров кубистские картины отказались от перспективы, которая использовалась для изображения живописного пространства с эпохи Возрождения.

Творческий дуэт художников Пикассо и Брака создал визуальный язык геометрических плоскостей и сжатого пространства, который отверг условности иллюзионизма и репрезентации. Настаивание на одновременном отображении объекта под несколькими углами с использованием геометрических компонентов было самым большим переломным моментом в мире искусства . Первоначальные работы Брака и Пикассо составляют то, что историки искусства обычно называют первой фазой кубизма, известной как аналитический кубизм . В основе этой ранней стадии движения лежало сокращение и дробление объектов, за которым следовало перераспределение этих вновь сформированных элементов в неглубоком пространстве.Вторая основная фаза кубистской живописи возникла в 1912 году, когда Пикассо приклеил кусок клеенки к небольшому холсту и назвал его Натюрморт со стулом . Помимо открытия сцены Synthetic Cubism , это произведение также стало первым коллажем этого механизма. Синтетический стиль сохранил различные углы, открытые формы и перетекание пространства между предметами и сквозь них, но также исследовал использование нехудожественных материалов в качестве абстрактных знаков. Как свидетельствуют некоторые из наших примеров, приведенных ниже, вторая фаза кубистских картин была намного лучше осведомлена о текущих событиях, особенно об ужасах Первой мировой войны.

Темы картин в стиле кубистов

Поскольку кубистские картины были предназначены для противостояния традиционным нормам искусства, неудивительно, что их авторы часто обращались к аналогичным темам в своих авангардных работах. Желая доказать, что их новый подход превосходит любой другой более ранний метод, кубисты регулярно рисовали традиционные предметы, такие как обнаженные фигуры, пейзажи и натюрморты. Художники брали такие темы и подвергали их процессу характерной абстракции, но чаще всего сохраняли идентифицируемые ключи к реалистической фигуре, будь то женщина, скрипка или что-то еще.Кроме того, в кубистских картинах присутствовали некоторые современные предметы и темы, некоторые из которых были довольно повторяющимися. Музыка — распространенный мотив , особенно в произведениях Пикассо и Брака. Второй из двух наполнил всю его парижскую студию музыкальными инструментами, которые служили бесконечным источником вдохновения. Пикассо проявлял особый интерес к музыке, поскольку многие картины Пикассо сочетали инструменты с формами женских форм.

Поскольку наиболее известные авторы кубистских картин были хорошо образованы, литература была важным источником вдохновения.Кроме того, многие кубисты были знакомы с писателями и поэтами своего времени. Другие культурные аспекты современного общества также оказали большое влияние на кубизм, включая театр и оперу. Одним из регулярных мотивов кубизма был Арлекин , комический персонаж из итальянской комедии Commedia dell’arte . Этот рисунок особенно важен для анализа творчества Пикассо, поскольку у испанца, похоже, был особый интерес к этому предмету. Для него Арлекин символизировал переживание изоляции и изгоя в начале карьеры художника. Однако, когда он созрел интеллектуально и творчески, Арлекин вернулся в форме, которая представляет собой одновременно музыкальный инструмент и музыканта, объединенных в одно, представляя собой автономную сущность.

Насколько важны картины в стиле кубизма для современного искусства?

После всего, чего в конечном итоге удалось достичь, кубизм проложил путь нерепрезентативному современному искусству. Освободительные идеи кубистских картин имели далеко идущие последствия для дадаизма и сюрреализма, а также для всех художников, стремящихся к абстракции.Хотя Пикассо и Браку по праву приписывают создание этого феноменального визуального языка, он был принят и развит многими художниками, такими как Фернан Леже , Соня Делоне , Хуан Гри , Марсель Дюшан и Жан Метцингер . Некоторые из этих имен художников будут упомянуты, когда мы составим хронологический список картин кубизма, которые изменили современное искусство.

Совет редактора: Художники-кубисты: эстетические медиации

Интересно, что это единственная книга Гийома Аполлинера об искусстве « Художники-кубисты: эстетические медиации» была впервые опубликована в 1913 году.Этот важный текст в искусстве двадцатого века представляет собой эстетические размышления поэта и критика о девяти художниках: Жорже Браке, Жане Метцингере, Альберте Глезе, Мари Лорансен, Хуане Грисе, Фернане Леже, Франсисе Пикабиа и Марселе Дюшане. Как ближайший друг Пикассо и любовник Мари Лорансен, Аполлинер был свидетелем развития кубизма воочию. Этот сборник эссе и обзоров, написанных между 1905 и 1912 годами, является важной вехой в истории художественной критики, которая сегодня ценится как справочное произведение, так и классический образец модернистского творческого письма.Это также идеальный актив для того, чтобы засвидетельствовать, насколько влиятельные кубистские картины оказали влияние на развитие современного искусства.

Рекомендуемые изображения: Пикассо — Авиньонские девицы, 1907 г. (фрагмент) — Изображение взято с wikimedia.org; Жан Метцингер — L’Oiseau bleu, 1913 (фрагмент) — Изображение взято с wikimedia.org; Фернан Леже — Три женщины, 1921 год (фрагмент) — Изображение с myfreewallpapers.net

Пабло Пикассо — Les Desmoiselles d’Avignon, 1907

Эта большая картина была закончена в 1907 году и является самым известным образцом раннего аналитического кубизма.В нем Пикассо отказался от всех известных форм и представлений традиционного искусства, введя новый геометрический словарь. Он использовал искажение женского тела новаторским способом, который бросил вызов ожиданиям, что картины предложат идеализированное изображение женской красоты. Les Desmoiselles d’Avignon также показывает сильное влияние африканского искусства на Пикассо.

Смотрите больше работ Пикассо на нашей торговой площадке!

Featured Image: Picasso — Les Desmoiselles d’Avignon, 1907 — Изображение с wikimedia.org

Жорж Брак — Женщина с мандолиной, 1910 год

Брак написал Женщина с мандолиной весной 1910 года. Интересно, что это было первое изображение художника после двух лет, посвященных исключительно натюрмортам и пейзажам. Движимый любовью к музыке, художник полагал, что добавление инструмента наделяет персонажа неподвижностью объекта. Для современных авторов картина «Женщина с мандолиной» была прекрасным примером того, как кубистские картины позволили объединить фигуру и фон в плотную сетку вертикальных и горизонтальных линий.

Показанное изображение: Жорж Брак — Женщина с мандолиной, 1910 — Изображение взято с juliennedickey.com

Пабло Пикассо — Человек с гитарой, 1911 год

Определенно одна из самых влиятельных кубистских картин, когда-либо созданных, это произведение Пикассо можно найти во многих подобных списках. Здесь сильные геометрические формы допускают более мягкое, более ритмичное качество, немного необычное для визуальных эффектов испанца в то время. Повторяющиеся затемненные формы перекликаются с присутствием гитары в середине композиции.Вокруг музыкального инструмента, который, очевидно, играет ключевую роль в картине, есть фантастическое использование затенения, подчеркивающее то, что, по мнению Пикассо, должно быть самой сильной частью произведения.

Показанное изображение: Человек с гитарой, 1911 г. — Изображение предоставлено pablopicasso.org

Жорж Брак — Мужчина с гитарой, 1911 г.

В этом произведении, которое легко может быть самым интересным аналитическим произведением Брака, художник бросил вызов ортодоксальности иллюзионистского пространства в живописи.Он соединил реалистичные изображения гвоздя и веревки с почти неразборчивым изображением человека, играющего на гитаре. Оставив традиционное использование перспективы далеко позади, Брак призвал зрителей понять предмет, который находится под рукой, несмотря на то, что он разбит на самые основные геометрические элементы.

Показанное изображение: Жорж Брак — Человек с гитарой, 1911 — Изображение взято с wikiart.org

Пабло Пикассо — Ма Джоли, 1911

Интересно, что Ma Jolie на самом деле был припевом к популярной песне, исполненной в парижском мюзик-холле, который часто посещал Пикассо.Полюбив это музыкальное произведение, художник дал это прозвище своей возлюбленной Марсель Гумберт, фигуру которой он произвольно построил на этой картине, используя характерные подвижные плоскости аналитического кубизма. Хотя есть подсказки к его репрезентативному содержанию, Ma Jolie далек от традиционного портрета. В этой картине художник в очередной раз проявил любовь к музыке: струны гитары находятся в центре композиции.

Featured Image: Ma Jolie, 1911 — Изображение через shafe.co.uk

Хуан Грис — Натюрморт с цветами, 1912 год

Хотя Хуан Грис по-прежнему остается в тени своих более известных коллег, он по-прежнему считается важным автором кубистских картин. Собственно говоря, именно он ввел термин «аналитический кубизм». В своем «Натюрморт с цветами » «» Грис продемонстрировал свой уникальный и красочный стиль, подчеркнутый его тяжелой, часто треугольной штриховкой углов.

Показанное изображение: Хуан Грис — Натюрморт с цветами, 1912 год — Изображение через пиктор.com

Пабло Пикассо — Макет для гитары, 1912 год

Скованный из картона, бумаги и проволоки, Maquette for Guitar — бесшумный инструмент, не похожий ни на одну скульптуру, которую когда-либо видели. Вдохновленный успехом своего вышеупомянутого натюрморта со стулом Канинга , художник попытался расширить визуальные эффекты коллажа до областей сборки. Краска перевела интерес кубистов к множеству перспектив и геометрической форме в трехмерную среду.Стоит отметить, что Maquette for Guitar — первая скульптура, собранная из разрозненных частей.

Featured Image: Maquette for Guitar, 1912 — Изображение взято с theartblog.org

Жан Метцингер — L’Oiseau bleu, 1913

L’Oiseau bleu , одна из самых узнаваемых и часто упоминаемых работ Метцингера, была впервые выставлена ​​в Париже в знаменитом Салоне Salon des Indépendants весной 1913 года. Эта большая картина маслом — отличный показатель уникального стиля Метцингера. .Среди всех кубистских картин работа этого автора выделяется строгими геометрическими визуальными эффектами и поэтической линией. Следует отметить, что Жан Метцингер — один из двух авторов, опубликовавших первый и единственный манифест кубизма под названием Du Cubisme . Другим соавтором был Альберт Глейзес.

Featured Image: Jean Metzinger — L’Oiseau bleu, 1913 — Изображение взято с wikimedia.org

Соня Делоне — Электрические призмы 1914

Новаторские исследования цвета и формы Сони Делоне увенчались успехом в 1914 году, когда она представила свои первые электрические призмы .Вместе со своим мужем Робертом Соня Делоне разработала беспредметный стиль, который в конечном итоге превратился в смесь постимпрессионизма и фовизма. Электрические призмы — точный пример того, как этому художнику удалось совместить этот смешанный стиль с представлениями кубистской живописи.

Показанное изображение: Соня Делоне — Электрические призмы, 1914 — Изображение взято с tate.org.uk

Жоан Миро — Лошадь, трубка и красный цветок, 1920

Хуан Миро написал это произведение в своем доме в испанской деревне Монтройг вскоре после своего первого визита в Город Света. Лошадь, трубка и красный цветок. демонстрирует сложную конфигурацию форм, в которой применена техника кубистского коллажа, вдохновленная работами Пабло Пикассо. Очарование Миро испанцем демонстрирует лежащая на столе книга под названием « Петух и Арлекин» с иллюстрациями Пикассо. Остальные предметы в композициях также имеют свои символические причины. Вскоре после завершения работы «Лошадь, трубка и красный цветок» Жоан Миро присоединился к движению сюрреалистов.

Показанное изображение: Жоан Миро — Лошадь, трубка и красный цветок, 1920 — Изображение взято с wikimedia.org

Фернан Леже — Три женщины, 1921 год

Модель «Три женщины» Фернана Леже представляет собой группу из трех лежащих обнаженных девушек, пьющих чашки чая или кофе в очень шикарной квартире. Хотя обнаженная натура является обычным предметом в большей части истории искусства, фигуры Леже были упрощены до округлых и смещенных форм в стиле кубистских картин. Создавая машинную точность, автор стремился создать символ современной промышленности.По утверждению художника, Три женщины также были предназначены для выражения веры в то, что современная жизнь сможет обратить вспять хаос, развязанный Первой мировой войной.

Показанное изображение: Фернан Леже — Три женщины, 1921 — Изображение взято с myfreewallpapers.net

Кубизм, полное руководство по революционному движению в современном искусстве

С момента своего возникновения более 100 лет назад кубизм считается одним из самых известных и захватывающих направлений в современном искусстве.Кубизм тесно связан с такими знаковыми художниками, как Пабло Пикассо, чей авангардный подход к повседневным предметам перевернул историю искусства с ног на голову.

Обладая раздробленными формами и перевернутыми композициями, кубизм отказался от фигуративного изображения, присущего жанрам искусства, и двинулся к полной абстракции. Этот аспект — наряду с его уникальной эволюцией и длительным влиянием — сделал кубизм одной из самых знаменитых форм искусства 20-го века.

Что такое кубизм?

Кубизм — направление искусства, дебютировавшее в 1907 году.Созданный Пабло Пикассо и Жоржем Браком , этот стиль характеризуется фрагментированным предметом, деконструированным таким образом, что его можно рассматривать одновременно под разными углами.

Пабло Пикассо, «Девушка с мандолиной», 1910 г. (Фото: MoMA через Wikimedia Commons)

История

На рубеже веков в европейском искусстве доминировали постимпрессионизм и фовизм — движения, вдохновленные экспериментальным подходом импрессионистов к живописи.Французский художник, скульптор, гравер и рисовальщик Жорж Брак (1882-1963) внес свой вклад в движение фовистов своими полихромными картинами, изображающими стилизованные пейзажи и морские пейзажи.

Жорж Брак, деталь «Пейзажа Ла Сиота», 1907 год

В 1907 году Брак познакомился с испанским художником, скульптором, гравером и дизайнером Пабло Пикассо (1881–1973). В это время Пикассо находился в «африканском периоде», создавая примитивные произведения под влиянием африканской скульптуры и масок. Подобно картинам постимпрессионистов Брака, эти произведения играли с формой (а иногда и с цветом), но оставались образными.

Пабло Пикассо, «Гертруда Стайн», 1905–1906

Однако после знакомства Брак и Пикассо начали работать вместе, все больше отклоняясь от своих прежних стилей и совместно создавая новый жанр: Кубизм .

Фазы

Протокубизм

До того, как это движение начало развиваться, и Пикассо, и Брак применяли элементы будущего стиля в своих жанрах. Этот захватывающий переход в кубизм особенно очевиден в двух их работах: Les Demoiselles d’Avignon (1907) и Viaduct at L’Estaque (1908).

Les Demoiselles d’Avignon , пожалуй, самое известное произведение Пикассо африканского периода. Датированный 1907, он был создан на стыке Примитивизма и Кубизма, что видно по маскоподобным лицам фигур и фрагментированному сюжету.

Пабло Пикассо, «Авиньонские девицы», 1907 г.

Виадук в L’Estaque изображает интерес Брака к игре с перспективой и разбиению предметов на геометрические формы — ключевые черты кубизма.

Жорж Брак, «Виадук в Л’Эстаке», 1908 г.

Аналитический кубизм

Первая официальная фаза движения известна как Аналитический кубизм . Этот период длился с 1908 по 1912 год и характеризуется хаотичными картинами фрагментированных предметов , выполненных в нейтральных тонах .

Пабло Пикассо, «Натюрморт с бутылкой рома», 1911 г. (Фото: Музей искусств Метрополитен через Wikimedia Commons)

Изломанные формы часто перекрывают друг друга, отображая объект с нескольких точек зрения одновременно.

Жорж Брак, «Натюрморт с метрономом», 1909 г. (Фото: Метрополитен-музей через Wikimedia Commons)

Пикассо также применил принципы аналитического кубизма к своей скульптурной практике, что привело к созданию коллекции бюстов и фигур, подчеркивающих экспериментальный подход фазы к перспективе.

Пабло Пикассо, «Голова женщины», 1909–10

В это время к Пикассо и Браку присоединились другие художники, интересующиеся авангардом, в том числе испанский художник Хуан Грис (1887-1927).

Хуан Грис, «Портрет Пикассо», 1912 г. (Фото через Wikimedia Commons)

Грис впоследствии стал еще одним известным художником-кубистом, особенно известным своей ролью в синтетическом кубизме.

Синтетический кубизм

Синтетический кубизм — вторая фаза движения, зародившаяся в 1912 году и продолжавшаяся до 1914 года. За это время Пикассо, Брак, Гри и другие художники упростили свои композиции, а украсили свои цветовые палитры .

Хуан Грис, «Натюрморт с бутылкой Бордо», 1919 г. (Фото: Проект Йорка через Wikimedia Commons)

«Синтетический кубизм» демонстрирует интерес к натюрмортам, изображениям, выполненным в виде картин или коллажей.

Жорж Брак, «Ром и гитара», 1918 г. (Фото: L’Opinion через Wikimedia Commons)

Пабло Пикассо, «Голова», 1913–1914 гг. (Фото: Национальные галереи, Эдинбург, Wikimedia Commons)

Прекурсоры

Учитывая популярность постимпрессионизма и собственные отношения Брака с фовизмом, неудивительно, что оба движения сыграли решающую роль в формировании кубизма.

Постимпрессионизм

Кубисты позаимствовали несколько художественных элементов, использованных художниками-постимпрессионистами, а именно, Поль Сезанн .

К ним относятся плоские плоскости цвета, геометрические формы и, что наиболее важно, искаженное чувство перспективы . «Жесткие правила перспективы, которые ему удалось навязать искусству, были ужасной ошибкой, на исправление которой потребовалось четыре столетия», — объяснил Брак в интервью The Observer в 1957 году.«Сезанн, а после него и Пикассо, и я, заслужили в этом большую заслугу. Научная перспектива заставляет объекты на картине исчезать от смотрящего вместо того, чтобы делать их доступными для его досягаемости, как того требует живопись ».

Поль Сезанн, «Мон-Сент-Виктуар», 1904–1906 гг. (Фото: Проект Йорка через Wikimedia Commons)

Фовизм

Помимо постимпрессионизма, кубизм был вдохновлен фовизмом .

Помимо ассоциации Брака с движением, это влияние было усилено отношениями Пикассо к Matisse , художнику, известному тем, что использовал блоки искусственного цвета и повторяющиеся узоры для создания сцены.«Вы должны уметь изображать бок о бок все, что мы с Матиссом делали в то время», — вспоминал Пикассо в 1960-х годах. «Никто никогда не смотрел на картины Матисса внимательнее, чем я; и никто не смотрел на меня внимательнее, чем он ».

Анри Матисс, «Портрет мадам Матисс», 1905 г.

Влияние

Как и другие направления современного искусства, кубизм в конечном итоге повлияет — и даже породит — несколько других жанров искусства.

Футуристы нашли вдохновение в энергичных композициях кубизма, а сюрреалисты переняли и адаптировали искусство коллажа.Точно так же идея деконструкции предметов на фрагменты повлияла на художников, связанных с движениями Дада, Де Стиджла, Баухауса и абстрактного экспрессионизма.

Марсель Дюшан (дадаист), «Обнаженная, спускающаяся по лестнице № 2», 1912 г. (Фото: Художественный музей Филадельфии через Wikimedia Commons)

Помимо этих современных жанров, влияние кубизма также заметно в современном искусстве . От кубистских татуировок до граффити, вдохновленных портретами Пикассо, эти игривые произведения демонстрируют вневременную эстетику, захватывающие композиции и непреходящее наследие кубизма.

Статьи по теме:

Знаменитые художники, увековечившие себя через известные автопортреты

Теперь вы можете исследовать каждую выставку MoMA с 1929 года бесплатно онлайн

Потрясающе красочные татуировки в стиле кубизма, вдохновленные Пикассо

Татуировки простых линий, вдохновленные сюрреалистическими художниками, такими как Пикассо

Кубизм — Архив истории искусств

Синтетический период Брака:

Работы Брака периода 1917-20 гг. Композиционно вытекают из синтетического кубизма, второй фазы кубизма, начавшейся примерно в 1914 году.Более плоские и пестрые по цвету, они имеют ярко-пунктирные декоративные переходы. Примерно с 1930 по 31 год Брак переехал на побережье Нормандии во Франции. В результате он изменил сюжет своих картин; теперь его любимыми темами были купальщики, пляжные пейзажи и морские пейзажи. Стилистически он все больше интересовался орнаментом и узорчатыми поверхностями. В конце 1930-х — начале 40-х годов Брака тянуло к меланхолическим темам. С 1945 года птицы были основным предметом изучения. Полотна Брака, выполненные в 1950-х годах, демонстрируют возвращение к ярким цветам периода фовизма, как, например, потолок Лувра (1952-53) и украшение виллы в Сен-Поль-де-Ванс (1954).Работая до конца своей жизни, Брак создал произведения, включающие скульптуру, графику, книжную иллюстрацию и декоративное искусство.

Жорж Брак был единственным художником, когда-либо сотрудничавшим с Пикассо на равных. Он признал, что они были «похожи на скалолазов, связанных веревкой, каждый тянет друг друга вверх». С 1907 года они так тесно сотрудничали, исследуя плоскости и грани одного и того же предмета, что некоторые из их работ кажутся почти идентичными.Хотя они развили свою естественную автономию как художники, они подняли кубизм на другой уровень, более яркий и разборчивый.

К 1929 году, однако, их врожденные различия стали совершенно очевидными, поскольку их пути давно разошлись. Они расстались в 1914 году, потому что с началом Первой мировой войны Брак поступил в армию в качестве сержанта пехоты и прослужил с отличием, получив дважды в 1914 году награды за храбрость. В 1915 году он получил серьезную травму головы, за которой последовала трепанация, несколько месяцев в больнице и длительный период выздоровления дома в Сорге.В этот период он добавил к высказываниям, которые он имел обыкновение писать на полях рисунков, и в 1917 году опубликовал сборник этих высказываний под названием «Мысли и размышления о живописи».

Новые средства, новые предметы. . . . Цель не в том, чтобы
воссоздать анекдотический факт, но составить
наглядный факт. . . . Работать с натуры - значит
импровизировать. . . . Чувства деформируются, ум формируется.
. . . Мне нравится правило, которое исправляет эмоции.

Освобожденный от военной службы, художник вернулся к кубистскому движению, которое к тому времени находилось в синтетической фазе. В 1917-18 годах он написал, отчасти под влиянием своего друга Хуана Гриса, геометрическую, сильно окрашенную, почти абстрактную «Женщину-музыкант» и некоторые натюрморты в подобной манере. Он быстро отошел от геометрии к формам, смягченным более свободным рисунком и более свободной манерой рисования. Примером изменения является натюрморт с игральными картами 1919 года.«С этого момента его стиль перестал развиваться так же методично, как на протяжении последовательных фаз кубизма; он превратился в серию личных вариаций стилистического наследия богатых событиями лет перед Первой мировой войной.

Международное признание:

К тому времени Брак был преуспевающим, признанным современным мастером, пользующимся большой поддержкой у зажиточных членов послевоенного французского общества. Снова работая большую часть времени в Париже, он перенес свою студию с Монмартра на Монпарнас в 1922 году, а три года спустя переехал в новый дом на левом берегу, спроектированный для него современным архитектором Огюстом Перре.В 1923 и 1925 годах он получал заказы от Сергея Дягилева, великого балетного импресарио, на оформление декораций. В 1930 году он приобрел загородную резиденцию в Варенжевиле, деревушке недалеко от Дьеппа.

Его картины этих лет легче всего классифицировать из-за их стилистического разнообразия на основе тематики. С 1922 по 1926 год он сделал серию канофоров — языческих женщин, несущих фрукты. С этой группой во времени пересекаются серии хеминов, каминов, нагруженных фруктами и, возможно, гитары.К 1928 году он делал серию геридонов, столов на пьедесталах, вмещавших материал, ранее предназначенный для каминных панелей.

В 1931 году он применил новый способ выражения: белые рисунки с надрезом, напоминающие орнаменты древнегреческой керамики, выполненные на гипсовых пластинах, окрашенных в черный цвет. Позже, в 1930-х, он начал серию фигурных картин; первоклассными примерами являются «Ле Дуо» и «Художник и его модель», а в 1937 году он получил премию Карнеги. Во время Второй мировой войны он создал коллекцию небольших, в основном плоских, очень декоративных скульптур в стиле, напоминающем древнюю Грецию и сосредоточенном на неопределенно мифологических темах.После войны он возобновил свою практику создания ряда картин на одну тему: сначала была серия бильярдных столов, затем один из интерьеров студии, а затем одна из птиц — больших, неповоротливых существ, кажущихся заряженными какой-то забытой архаикой. символическое значение. В последние годы своей жизни Брак был удостоен важных выставок по всему миру, а в декабре 1961 года он стал первым живым художником, чьи работы выставлены в Лувре. Он умер 31 августа 1963 года.

Пабло Пикассо:

Пабло Руис и Пикассо (1881–1973), испанский художник и скульптор, считается величайшим художником 20 века. Он был уникальным изобретателем форм, новатором стилей и техник, мастером различных медиа и одним из самых плодовитых художников в истории.Создал более 20 000 работ.

Он родился в Малаге 25 октября 1881 года. Пикассо был сыном Хоса Руиса Бласко, учителя рисования, и Мары Пикассо-и-Лопес. До 1898 года он всегда использовал имя отца, Руис, и девичью фамилию матери, Пикассо, для подписи своих картин. Примерно после 1901 года он бросил Руиса и использовал девичью фамилию своей матери для подписи своих картин.

Пикассо известен своими «Голубым периодом», «Периодом роз» и, наконец, чем-то, получившим название «Протокубизм».

Протокубизм:

Летом 1906 года, во время пребывания Пикассо в Госоле, Испания, его творчество вступило в новый период под влиянием греческого, иберийского и африканского искусства. Его знаменитый «Портрет Гертруды Стайн» раскрывает маску ее лица. Ключевое произведение этого раннего периода — «Авиньонские девицы». Поверхность его картины, напоминающая битое стекло, была настолько радикальной, что не была понята даже современными художниками-авангардистами и критиками. Он разрушил пространственную глубину и идеальную форму женской обнаженной натуры, превратив ее в резкие угловатые формы.

Кубизм Аналитический и синтетический:

Вдохновленные объемной обработкой формы французским художником-постимпрессионистом Полем Сезанном, Пикассо и Жорж Брак написали пейзажи в 1908 году. Некоторые из их картин настолько похожи, что многим критикам трудно их различить. Работая вместе между 1908 и 1911 годами, они были озабочены разрушением и анализом формы, и вместе они разработали первую фазу кубизма, известную как аналитический кубизм.

Любимыми предметами Пикассо были музыкальные инструменты, натюрморты и его друзья, такие как знаменитый портрет Даниэля Генри Канвейлера.

Пикассо «Портрет Гертруды Стайн»

Пикассо «Арлекин»

В 1912 году, приклеив к холсту бумагу и кусок клеенки и соединив их с нарисованными областями, Пикассо создал свой первый коллаж «Натюрморт с плетением стула». Эта техника ознаменовала переход к синтетическому кубизму.Эта вторая фаза кубизма более декоративна, и цвет играет важную роль, хотя формы остаются фрагментарными и плоскими.

Пикассо продолжал практиковать синтетический кубизм на протяжении всей своей карьеры, но продолжал использовать и другие стили. Две работы 1915 года демонстрируют его одновременную работу в разных стилях: «Арлекин» — синтетическая картина в стиле кубизма, а рисунок его дилера Воллара выполнен в его стиле Ingresque, названном так потому, что он подражал стилю французов XIX века. художник-неоклассик Жан Август Доминик Энгр.

Кубистическая скульптура:

Пикассо создавал кубистические скульптуры, а также картины. Бронзовый бюст «Фернанда Оливье» (также называемый «Голова женщины») демонстрирует его непревзойденное мастерство в обращении с трехмерной формой. Он также создал такие конструкции, как «Мандолина и Кларнет» из всяких разрозненных элементов.

Начало:

Пикассо также увлекся реалистическим и сюрреалистическим стилями. Он работал дизайнером с Сергеем Дягилевым и Русскими балетами.Он познакомился и женился на танцовщице Ольге Кокловой, с которой написал множество портретов. Этот брак не удался, и к 1930-м годам его картины в стиле кубизма выражали глубинный эротизм, отражая его новую любовь, Мари Трс Вальтер. Он написал «Гернику» в 1937 году после резни в баскском городе.

Палитра Пикассо помрачнела с началом Второй мировой войны, и смерть стала предметом многочисленных работ. В 1940-е годы он завязал новые отношения с художницей Франсуазой Жило, которая родила ему двоих детей, Клода и Палому; они появляются во многих работах, воссоздающих его ранние стили.Последним спутником Пикассо является Жаклин Рок, с которой он познакомился в 1953 году и женился в 1961 году. Затем он провел большую часть своего времени на юге Франции.

Он начал копировать великих мастеров прошлого, таких как Эжен Делакруа и Эдуард Мане. Он сделал сотни литографий, а также занялся керамикой и произвел около 2000 штук. В это время Пикассо создал важные скульптуры: «Человек с овцой» и «Коза». В 1964 году Пикассо завершил сварной стальной макет (модель) для 18.3-метровая скульптура «Голова женщины» для Гражданского центра Чикаго. В 1968 году за семимесячный период он создал удивительную серию из 347 гравюр, переосмысливая более ранние темы: цирк, коррида, театр и занятия любовью.

На протяжении всей жизни Пикассо его работы выставлялись бесчисленное количество раз. Самой необычной была выставка 1971 года в Лувре в Париже, посвященная его 90-летию. Кроме Брака, здесь не выставлялось ни одного живого художника.Пикассо умер на своей вилле Нотр-Дам-де-Ви недалеко от Мужена 8 апреля 1973 года.

Другие художники:

Хотя Пикассо и Браку приписывают создание нового визуального языка, его переняли и развили многие художники, такие как Хуан Грис, Фернан Лгер, Роберт и Соня Делоне, Роже де ла Френэ, Марсель Дюшан, Альбер Глез и Жан Метцингер. .Хотя в основном это стиль, связанный с живописью, кубизм также оказал глубокое влияние на скульптуру и архитектуру 20-го века. Главными скульпторами, работавшими в этом стиле, являются Александр Архипенко, Раймон Дюшан-Вийон и Жак Липшиц. Принятие кубистской эстетики архитектором Ле Корбюзье отражено в формах домов, которые он спроектировал в 1920-х годах.

Наиболее важным из этих последующих художников является Хуан Грис, который обычно считается третьим крупным художником того периода.

Хуан Грис:

Французский художник кубизма, родившийся в Испании, его первоначально звали Хос Витториано Гонслес. Он родился в Мадриде и получил там образование в Escuela de Artes y Manufacturas (Школа искусств и производства). Он покинул Мадрид в 1906 году и отправился в Париж, где познакомился с испанским художником Пабло Пикассо и французским художником Жоржем Браком.

Первые кубистические картины Гриса, обычно более просчитанные, чем у Пикассо и Брака, появились в 1912 году.Следующее лето он провел на Крите, Франция, с Пикассо, и в то время как там переняли использование «папье-колла», фигур, вырезанных из бумаги и приклеенных к холсту в виде коллажа. Во время Первой мировой войны (1914-1918) он работал в Париже, пока в 1919 году у него не состоялась первая персональная выставка в Париже.

С 1922 по 1924 год он оформлял декорации для двух балетов русского продюсера Сергея Дягилева, «Тентации Бергра» («Искушения пастушки») и «Коломба» (Голубь), а также продолжал работу над собственными картинами. .

После 1925 года он работал в основном над гуашью, акварелью и иллюстрациями к книгам. Типичная для его техники вырезания из бумаги — «Очки и газета». Большинство его картин в стиле кубизма — натюрморты, в том числе «Скрипка и гитара» и «Открытое окно». Он нарисовал много музыкальных инструментов.

Его называют Третьим мушкетером кубизма, и он продвигал кубизм дальше до своей безвозвратной смерти 11 мая 1927 года в возрасте 39 лет.

Среди других его работ — «Портрет Пикассо», «Гора Ле Канигу», «Человек в кафе», «Ле Лавабо», «Пейзаж с домами в Сере», «Пейзаж в Сере», «Человек». в кафе »,« Натюрморт перед открытым окном: площадь Равиньян »,« Портрет Жозетт Грис »,« Открытое окно »,« Окно художника »,« Женщина с корзиной ».

Фернан Лгер:

(1881-1955) Лгер был французским художником, оказавшим влияние на кубизм, конструктивизм, современный коммерческий плакат и другие виды прикладного искусства. Он родился в Аржентане, Франция, в течение двух лет учился на архитектуре в Кане, Франция, а затем неофициально учился у двух профессоров в Cole des Beaux-Arts в Париже, Франция.

Начиная с 1910 года он был известным экспонентом и участником Salon des Indpendants.Большинство его ранних картин было кубистическим по характеру, как в «Обнаженных в лесу». Наряду со своим соотечественником Жоржем Браком и испанским художником Пабло Пикассо Лгер сыграл важную роль в развитии и распространении кубизма.

На последующие работы Лгера повлиял его опыт во время Первой мировой войны. Он начал использовать многие символы из индустриального мира и попытался изобразить свои предметы и людей в машиноподобных формах. «Город» — одна из самых заметных его картин.Работа Лгера оказала важное влияние на движения неопластицизма в Нидерландах и конструктивизма в Советском Союзе. Он очень успешно работал в качестве художника по стеклу, скульптора, а также в создании мозаик, керамики и гобеленов. На современный коммерческий плакат и другие виды прикладного искусства также повлиял его оригинальный дизайн.

В своих поздних картинах Лгер отделял цвет от своих фигур, которые, хотя и сохранили свои роботоподобные формы, были нарисованы черными линиями.Затем цвет был смело нанесен на области холста, чтобы сформировать отдельную композицию, которая связала всю картину воедино. «Великий парад» — одна из последних его картин — монументальный образец этого самобытного стиля.

Роберт Делоне:

(1885-1941) Делоне был французским художником, пионером абстрактного искусства в начале 20 века. В 1912 году он отошел от кубизма с его геометрическими формами и монохроматическими цветами к новому стилю, названному орфизмом, который сосредоточился на круглых формах и ярких цветах.Его серия «Окна» (1912) была одним из первых примеров полностью абстрактного искусства, важной вехой в современном искусстве. Его любовь к ритму и движению привела к созданию нескольких серий картин, основанных на спортивных событиях, таких как «Спринтеры», и завершившихся ослепительными абстрактными работами, сфокусированными исключительно на ритме, таких как более поздние серии «Ритмы» и «Вечные ритмы».

Марсель Дюшан:

(1887-1968) Дюшан был французским художником-дада, чья небольшая, но неоднозначная работа оказала сильное влияние на развитие авангардного искусства 20-го века.Дюшан родился 28 июля 1887 года в Бленвилле, брате художника Раймона Дюшана-Вийона и сводного брата художника Жака Вийона. Он начал писать в 1908 году. После создания нескольких полотен в современном стиле фовизма он обратился к экспериментам и авангардист, поставивший свою самую известную работу «Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2» в 1912 году; Картина, изображающая непрерывное движение через цепочку пересекающихся кубистических фигур, вызвала ярость на знаменитой оружейной выставке в Нью-Йорке в 1913 году.После 1915 года он писал очень мало, хотя до 1923 года продолжал работать над своим шедевром «Невеста, обнаженная обнаженной, ее холостяки». Он даже написал абстрактную работу, известную как «Большое стекло», написанную маслом и проволокой на стекле, которая была с энтузиазмом воспринята сюрреалистами.

В скульптуре Дюшан стал пионером двух основных нововведений кинетического искусства 20-го века и готового искусства. Его готовые изделия состояли из простых предметов повседневного обихода, таких как писсуар и вешалка для бутылок.Его велосипедное колесо (1913 г., оригинал утерян; 3-я версия, 1951 г., Музей современного искусства, Нью-Йорк), ранний образец кинетического искусства, было установлено на кухонном табурете.

После короткого творческого периода Дюшан был доволен тем, что позволял другим развивать созданные им темы; его повсеместное влияние было решающим для развития сюрреализма, дадаизма и поп-арта. Дюшан стал гражданином США в 1955 году. Он умер в Париже 1 октября 1968 года.

Жак Липшиц:

(1891-1973) Липхтис был французским скульптором.Первоначально звали Хаим Якоб Липшиц, он родился в деревне Друскининкай, Россия (ныне в Литве). В 1909 году, во время учебы в парижском колледже изящных искусств, он присоединился к группе художников, в том числе испанцам Хуану Грису и Пабло Пикассо, которые экспериментировали с кубизмом, и вскоре был признан одним из выдающихся скульпторов кубизма. Важным примером его кубистического творчества является «Лежащая обнаженная с гитарой». Его более поздние работы отошли от кубизма, демонстрируя больше реализма и чувственной текстурной поверхности.Его попытки воспроизвести таинственные, магические качества примитивной скульптуры также становились все более очевидными в его работах. Одной из повторяющихся тем Липшица, особенно после его прибытия в США в 1941 году, была победа света над тьмой, что символически выражено в «Прометее, удушающем стервятника». Его монументальный «Мир на Земле» — хороший пример величия и безмятежности его поздних работ.

Архипенко Александр Порфирьевич:

(1887-1964) Архипенко — российско-американский скульптор, родился в Киеве.Учился в Киевской художественной школе и в парижской школе изящных искусств. Он сделал Париж центром своей деятельности с 1908 по 1914 год; с 1921 по 1923 жил в Берлине; а после 1923 года поселился в Соединенных Штатах, где преподавал и читал лекции в различных колледжах и университетах. С 1939 по 1955 год он руководил частной школой изящных искусств в Нью-Йорке. Архипенко был экспериментатором и новатором в скульптуре, черпая абстрактные формы из человеческой фигуры в некоторых из самых ранних известных скульптур кубизма, таких как «Медрано».Его стиль основывался на акценте на впадинах и отрицательных пространствах или пустотах.

Вывод:

Кубистический стиль доминировал в течение нескольких десятилетий 20-го века благодаря многочисленным работам Брака, Пикассо и Гриса, а также многих других художников, участвовавших в этом движении, что внесло очень большой вклад в развитие искусства в 20-м веке.

Библиография

10 самых известных картин кубистов

Кубизм — это направление в искусстве, которое коренным образом изменило международный ландшафт искусства и, вероятно, оказало наибольшее влияние на современные стили современного искусства. Общее влияние кубизма достигло не только живописи, но и скульптуры, а также современной архитектуры и других форм дизайна.

Кубизм зародился примерно в начале 20-го века, когда художники баловались различными геометрическими формами, которые были нацелены на создание нового, уникального способа создания трехмерных произведений искусства. Некоторые из самых известных художников движения кубизма были такими известными именами, как Пабло Пикассо, Поль Сезанн и Жорж Брак.

Некоторые из самых известных произведений искусства из жанра кубизм оказали длительное влияние на искусство в целом. Ниже представлены 10 самых известных картин кубистического движения.

Известные картины кубистов

1.

Пабло Пикассо, пожалуй, самый известный художник 20-го века, автор ряда популярных работ, которые широко считаются шедеврами, особенно в стиле кубизма.

Его работа под названием Les Demoiselles d’Avignon — одна из самых узнаваемых картин в стиле кубизма. Первоначально она была известна как Авиньонский бордель.

Однако поразительное изображение пяти обнаженных женщин вряд ли было бы хорошо принято в Испании 1907 года, что побудило его немного изменить его имя на более подходящее.

Работа представляет собой резкие изображения пяти женщин, лица которых кажутся странно знакомыми тем, кто работает с произведениями искусства из Африки. Композиция картины хорошо сбалансирована с высоким уровнем контраста между яркими красными и синими цветами по обе стороны холста.

Пикассо использовал неправильные геометрические формы, чтобы изобразить человеческую форму способом, разительно отличавшимся от большинства других художников, которые в значительной степени полагались на создание максимально реалистичных картин.

Его уникальный стиль снискал ему здоровую репутацию среди любителей искусства и критиков того времени и привел его к дальнейшим исследованиям в новом увлекательном жанре кубизма.

2.

Жорж Брак начал осваивать царство кубизма в начале 1900-х годов, написав в 1910 году работу под названием «Женщина с мандолиной».

Брак особенно интересовался произведениями искусства, в которых использовались предметы и музыкальные инструменты, поскольку эти два средства — искусство и музыка — тесно связаны по своей способности вызывать эмоции у людей.

В этой работе художник сочетает интересный уровень вертикальных и горизонтальных линий для создания фигуры женщины. Тёмные геометрические формы и комбинации окрашены множеством серых и более темных охр, которые, кажется, странным образом привлекают зрителя к женщине, которая изображается играющей на мандолине.

Многие искусствоведы считают мандолину в значительной степени символом женского чрева.

3.

Многие художники-кубисты решили использовать в своих работах арлекина или фигуру, которую можно сравнить с пантомимой из театра 16 века.

Хуан Грис использовал один из таких предметов в своей работе под названием «Арлекин с гитарой», которая является одной из самых известных картин в стиле кубизма в истории.

Арлекин легко узнаваем, поскольку Грис изображает его в традиционном костюме с клетчатым рисунком и рассматривается как причудливый персонаж, одновременно привлекательный и непредсказуемый.

Написанный в 1917 году, Гри позже углубился в использование арлекинов в своих произведениях кубистического искусства, создав более 40 работ аналогичного характера на протяжении большей части следующего десятилетия.

Картина известна использованием острых угловатых линейных форм, которые, кажется, составляют фигуру сидящего арлекина. Использование Грисом различных оттенков придает этой картине более глубокий уровень детализации и является одной из самых узнаваемых работ в жанре кубизма.

4.

Многие художники ХХ века черпали вдохновение в постоянно меняющемся мире вокруг них, особенно те, кто был захвачен ужасами войны.Пабло Пикассо посвятил десятки работ событиям, которые произошли во время гражданской войны в Испании, в которой страна была навсегда изменена кажущимся непрекращающимся кровопролитием.

Завершенная в 1937 году, его работа под названием «Герника» сразу же стала известна как одно из самых уникальных и ярких изображений войны. На картине изображены различные фигуры, которых затронули ужасные события боевых действий, которые бушевали в то время, когда Пикассо писал шедевр.

Он изображен на гигантском холсте, который еще больше создает у зрителя ощущение всепоглощающей смерти и разрушения, поскольку Пикассо использует серый и черный цвета.

5.

Немногие художники смогли создать такое увлекательное изображение реальности с помощью кубизма, как Жан Метцингер. Его работа под названием «Синяя птица» была написана на большом холсте с разными уровнями закрашенных фигур, что погружает зрителя в потустороннее ощущение реальности. Метцингер нарисовал L’Oiseau bleu, как его называют во Франции, как стремление к более высоким уровням бытия.

Картина включает в себя формы, которые сочетаются на математическом уровне гениальности, а также риманову геометрию, которая объединяется, чтобы создать исключительно яркую сцену кубистического мастерства.

Многие искусствоведы и энтузиасты сходятся во мнении, что эта картина является наиболее легко узнаваемой работой Метцингера и является одним из величайших произведений кубизма в истории.

6.

Жорж Брак был одним из самых известных художников, работавших в нише аналитического кубизма. Движение в искусстве зародилось в начале 20 века благодаря таким работам, как «Человек с гитарой», который считается одним из самых влиятельных произведений кубизма, созданных Браком.

Написанная в 1912 году фигура человека и его гитара отмечена многими искусствоведами и энтузиастами как едва узнаваемая. Однако те, кто ценит подвижные пространственные аспекты кубизма, считают его шедевром, который воздействует на человеческий разум так же, как музыкант играет на гитаре.

Брак стремился бросить вызов давнему мнению о том, что искусство должно придерживаться определенных форм и форм, представляя эту работу как произведение, которое заставляет зрителя разобраться в слабо удерживаемых оттенках, углах и мельчайших деталях.

Многие, кто смотрит на эту работу Брака, замечают, что она, кажется, постоянно меняется у них на глазах, требуя, чтобы каждый аспект был тщательно исследован, чтобы понять смысл его работы.

7.

Жан Метцингер — один из самых известных художников кубизма за ее способность создавать одни из самых знаковых картин, связанных с этим жанром. Когда ее кубистический портрет под названием «Время чая» был впервые показан, некоторые из самых известных критиков того времени окрестили его «Мона Лиза кубизма».”

В то время как другие художники в мире кубизма рисковали еще глубже погрузиться в глубины мимолетности, Метцингер стремился привнести новый уровень реализма в оживленный стиль, который стал столь популярным в начале 20 века.

Метцингер находит удивительный уровень анатомического реализма, несмотря на то, что картина состоит из неправильных форм и углов. Тонкое использование оттенков и мягких цветов создает больший акцент на обнаженной женской фигуре, которая, как видно, смотрит на зрителя, небрежно потягивая свою чашку.

8.

Хуан Грис был провозглашен одним из величайших художников стиля кубизм за его способность исправлять симметричные формы и фигуры с теми, которые часто резко контрастировали с контурами его предметов.

Гриса под названием «Натюрморт с цветами» была завершена в 1912 году, в разгар эпохи кубизма, и изображает светящуюся яркую сцену цветов, окружающих струнный инструмент.

Эта картина была признана за стилистическое использование Грисом треугольников и перекрывающихся плоскостей, которые вместе образуют сцену тихой и скромной красоты. Эта работа является одной из самых известных, поскольку в ней отражено блестящее сочетание красок, которым художник стал известен за свою карьеру.

9.

Роберт де ла Френэ написал одно из самых запоминающихся произведений кубизма, особенно среди французских художников того времени, в 1913 году.Эта картина под названием «Покорение воздуха», казалось, играла на ожидании того, что каждый природный элемент каким-то образом соответствует тонкому аспекту геометрического совершенства. Облака состоят из круглых сфер, в то время как земля изображена с острыми треугольниками.

На Де ла Фресне большое влияние оказали исследования золотого сечения и того, как математические пропорции влияют на появление повседневных сцен, таких как изображенная на его картине.

Эта картина, кажется, сочетает в себе элементы совершенства с несовершенством, изображая равномерное сочетание созданной человеком и естественной красоты.

10.

Пабло Пикассо — один из самых известных художников-кубистов, так как он был отмечен за его способность представлять объекты и фигуры в кажущихся твердыми формах, а также шедевры, играющие на нереальной природе дематериализации.

Его работа «Ма Джоли», написанная в 1911 году, смело изображает его возлюбленную Марсель Гумберт.